动画创作论文范文第1篇

（一）合理性

虽然动画创作中角色的塑造比较随意，但也不能恣意而为，必须遵循合理的思维方式，以保证角色的真实性和可信度，即动画角色的造型要符合特定的时间、环境与心理状况，并且要根据条件的改变做出相应的设计调整。以《海绵宝宝》为例，动画片中海绵宝宝的造型设计就来源于现实生活中的海绵，如黄色的运用以及缺水后的枯萎、干裂等，其十分符合事物的本来面貌，既合理又风趣。

（二）时代性

动画片作为大众消费文化的一个重要组成部分，在进行角色造型的时候要与时俱进，遵循时展规律，以反映不同历史时期的精神追求、社会风貌、价值标准和审美取向。只有这样，创作出来的动画形象才可以被大众接受和认可。如我国第一部吐槽动画片《十万个冷笑话》就加入了很多现代性的元素和创作主题，迎合了时代的潮流，符合现代人的审美观念，从而引起了巨大的反响。（四）个性化与普通的影片相比，动画的创作主题更加鲜明，其动画角色也通常会呈现出简单、明确、易于区分记忆的个性化特点，这有利于加深人们对动画角色造型的理解和记忆。例如，德国著名的动画短片《RingofFire》中的动画角色造型就充满了个性、诡异的特征，其独特的造型方式和线条特征体现出了社会中一部分群体个性鲜明的性格特点，具有很强的亲和力，也易于记忆。

二、动画角色造型的分类

（一）写实风格的动画角色造型

在动画的创作过程中，写实风格的动画角色造型占据着很大的一部分，其主要是相对于拟人化和卡通化的角色而言的。写实风格的动画角色，无论是在形态、结构、比例还是设色等方面，其角色的造型都比较接近于现实生活中的人和事，比较贴近于客观自然，从而弱化了受众和动画角色之间的距离，更容易引起受众情感上的共鸣。在为写实风格动画角色进行造型的时候要拿捏好真实和想象之间的“度”，既要保证动画角色的真实可信度，贴近受众的欣赏习惯，又要能准确传达出动画所蕴含的情感，符合整体的风格特征和主题特色。以2003年美国梦工厂出品的经典二维动画《辛巴达七海传奇》为例，故事中的主人公辛巴达是一位航海家，在航海的过程中，他和海上破坏女神进行了7次斗争，并取得了最终的胜利。这是一个充满神奇色彩的英雄故事，创作者在辛巴达的造型上也颇下苦功，其整体造型严谨、鲜明，个人形象十分有特色，如拥有古铜色的皮肤、高高的个头、倒三角的身型、强健有力的臂膀等，可以说，其无论是在外在形象还是人物动作、表情，都和现实生活中的人有着极大的相似点。总之，从角色造型角度来讲，写实风格的角色造型代表着商业动画创作的主流方向，其对于动画角色造型的表现技巧的要求程度也比较高。

（二）夸张性的动画角色造型

在动画的创作过程之中，为了创作出更加生动形象的动画角色，动画创作者常借助夸张和变形的造型语言，降低对“形”的追求，注重“神”的表达，从而突出了动画角色在某一方面的显著特征。一般来讲，夸张性的动画角色造型主要分为形态的夸张和情态的夸张两种，具体如下：

1.形态的夸张形态的夸张是指在进行动画角色塑造的时候，设计师在遵循均衡对称、变化统一、协调有序等造型法则的基础之上，将一些突出表现角色性格的元素进行大胆的夸张、变形，以突出表现角色的表情和性格特点。以动画片《TheTomatoTwins》的角色设计稿为例，创作者对主人公进行设计的时候就采用了形态夸张的造型手法，寥寥几笔线条就将人物造型刻画了出来，动画中TheTomatoTwins都拥有着大头、小身子、三角形的鼻子和豆子般大小的眼睛，整体形态造型极为简单夸张，却充满了童真，深受大众喜爱。又如，美国动画《怪物公司》中的所有角色造型同样采用了形态夸张的手法，在创作者想象和夸张的结果之下，动画中的苏利文是一只身披蓝紫色皮毛和长着触角的硕大怪物，从而带给人无限的幻想，营造出了一种轻松愉悦的氛围。但是动画角色造型中的形态的夸张并不是毫无底限和现实依据的，它是建立在创作者长期的创作经验和生活经验的积累的基础之上的，是对客观现实的高度集中和抽象变形。

2.情态的夸张情态的夸张主要是指动画角色在表情上的夸张塑造，其突出了角色内在的个性和鲜活的生命力，使之更加富有艺术感染力。动画造型中的情态的夸张一般是根据角色的表情对面部五官进行夸张、变形，或者对五官进行重新的安排和设定，尤其注重对角色的眼睛和嘴巴的夸张变形。例如，在2010年美国出品的动画片《爱丽丝梦游仙境》中，柴郡猫的造型就采用了情态的夸张的表现手法。柴郡猫在影片中的面部表情十分丰富，它经常咧嘴大笑，且嘴巴非常大，几乎占到整个面部的二分之一，再加上它那双囧囧有神的超级大眼睛，将柴郡猫邪恶滑稽的表情表现得淋漓尽致，而这成为了整部动画影片情绪变化的晴雨表。总之，夸张的情态丰富了角色的表情，动画中的角色造型也因此变得更加生动活泼。

（三）拟人化的动画角色造型

拟人是动画角色造型设计的基本表现手法之一，由于拟人化的运用，动画中的动物、植物等其它没有生命特征的一切事物都被赋予了人类的外表、个性或是思想特征。实际上，拟人化的动画角色造型是人类本性表达的最有效的途径之一，创作者通过赋予动植物以人类的特征来直观地表现人性的真善美或是假恶丑。动画世界是一个神奇的世界，大到已不复存在的恐龙，小到无处不在的微观生物，拟人化的表现手法存在于任何事物中，这些对象在拟人化的作用之下，不仅充满了鲜活的生命力，还透漏着浓浓的人情味。例如，我国热播的国产动画片《喜羊羊与灰太狼》中对羊和狼的造型就采用了拟人化的手法，赋予了小羊机智、勇敢、善良，不怕困难，敢于和恶势力斗智斗勇的崇高品质；狼则被赋予了懒惰、凶残、爱幻想的性格特点。正是拟人化的动画角色造型的应用才使得这部动画片更加贴近我们的生活，很好地展现了生活中不同人的性格特征。又如，《哆啦A梦》采用拟人化的造型手法，生动地刻画出一只害怕老鼠、喜欢整齐并略带洁癖的少女性格特点的猫的形象，从而使动画角色造型更加可爱、鲜明。可见，无论是对外在形象造型的塑造还是内在精神世界的表达，拟人化的表现手法都占有着举足轻重的地位。

三、总结

动画创作论文范文第2篇

在动画片创作中，原画师设计的表演是通过银幕或屏幕间接地传达给观众，原画设计师的表演需要经逐帧的画面处理和导演运用蒙太奇剪辑手段才能完成。因此要求原画设计师的表演创作分解到24分之1秒（或25分之1秒）的画面单位。

动画片表演节奏的时间把握通常略快于普通影视剧作品。动画表演常借鉴喜剧影视片或音乐歌舞片中的表演，吸取舞蹈、杂技、哑剧等的表演技巧，通过对人物造型、表情及动作加以漫画式的夸张表演，以构思奇妙、节奏明快、动作夸张优美而见长。表演特点是善于运用灵活生动的形体动作。这种动画表演的艺术夸张基于对现实生活细致的观察和精心提炼，需要符合人物心理的逻辑发展；同时要求动画表演也具有一定得可信性或真实感。

表演是由演员扮演角色，通过演员的表演或人体动作、表情来塑造形象、传达情绪、情感从而表现故事情节的技巧。演员作为一个创作者，需要以自己的认识水平去分析与认识角色，以自己的创作方法和专业技巧去塑造人物，并且在整个创作的过程中把握着创作的方向。影视演员需要掌握和磨练自身的外部表现工具--形体、五官、声音、语言以及各种技能，并掌握一整套表达人物思想情感、内部心理活动表现的技巧，演员依据剧本，在导演指导下进行二度创作，将人的艺术形象从剧本体现到银屏上。

表演艺术的创作主要表现在独特的再体现和鲜明的性格化，又能形象而生动地表现出隐藏在剧本字里行间的深邃的作者意念，并对剧作的人物形象作有个性的补充和体现。这种再创作，就要求影视演员有一定的思想水平和较高的文化和艺术修养，只有这样具以较深的理解力，丰富的想象力和形象的表现力，从而达到演员与角色、生活与艺术的统一，体验（即内部）与体现（即外部）的统一。

在动画片制作中，原画设计师根据导演和画面分镜头剧本的指导，来了解分析动画角色，不但是为了使动作更流畅而参照自己的表演动作，更通过对角色的理解，通过设计师想象力体现出角色的生存形态，使动画角色性格特征层次丰富，不再简单、死板。

动画制作之前就规划出了角色性格特点和行为模式，编剧，导演，配音演员、原画设计师或是动画设计师都会对角色的塑造起一定程度的作用。而原画设计师是使角色“活”起来的直接创作者。

受创作手段的限制，即使动作设计再精细的动画片也无法达到像真人一样丰富细腻的表情动作，所以动画片中的表情动作是有一定程式的，是对人类真实表情与动作的高度提炼，同时经过夸张处理，使每种表情都有所区分，区分越细化表情就越丰富。比如动画制作中很重视角色面部动作的表情性，面部表情与言语表情的动作配合。人体的各个部位的肢体语言都能表达情感，而最重要的情感表达部位还是面部。面部五官表情虽然经过简化，归纳为喜怒哀乐四大类，但其组合变化微妙丰富。不同的情感，都能够通过面部的五官细微变化中准确地传达出来。原画设计师只有熟悉了其动作规律和变化特征才能展开角色表演情感的创作。

动画工作者仅仅掌握动画基本运动规律，创作出的角色动作符合运动法则，还谈不上是在创造表演。一个动画角色能活动起来，并不代表角色已经“活”了。要想动画片里的角色“鲜活生动”起来，关键在于角色的动作看起来具有自己的生命力，即使角色的动作看起来是受他自身意识得约束控制的行为，就是要通过塑造角色动作表演来体现其情感和思想意识活动。只有创作的角色动作中包含了根据角色性格和剧情需要的表演成分才能算是有了动画表演。

事实上再简单的角色动作，在运动过程首先都是思维意识的活动体现。比如，角色思想意识活动，外在最先表现出来的往往是目光和眼神，在处理动作时就要把握交待好眼神的变化，即视线的变化，这就是角色动作的心理暗示，角色的肢体动作都与眼神相配合。眼神的表现在动画表演中很重要，因为眼睛是心灵的窗户。再比如现实生活中的真实人物眨眼的方式和动画角色的眨眼动作完全不不同，动画中角色眨眼都是为了表演效果的需要。只有设计动作时有意识的塑造角色“心（意识）”到，才能“神“（眼神）到，然后动作才能到（位）。而经验不足的原画设计师往往容易忽略表现和交代这类重要细节的表演，容易把动作设计的类似机械式无意识的感觉。

奇麟笔认为在创作动画角色的动作表演中分两个层次：第一个层次把握好角色自然的物理性的动作原理，第二个层次是把握好角色内在主观的活动的反应。而后者经常被初学者忽略。

目前国内的3D动画往往最缺乏的就是“动画表演”的成分，经常把重点都集中在三维动画制作的人物模型、材质、灯光等效果设计上，或陷入“调动作”的误区，在角色动作表现上死板僵硬、很不自然。不懂动画表演，忽视动画创作的表演艺术特性，动画角色就如行尸走肉，失去了“灵魂”。

像把“挤压、拉长、预备动作、缓冲动作”等这些动画基本动作原理与“坐、卧、走、跑、跳”等这些运动规律做好的动画，只能算是动作顺畅的动画。要做到角色表演精彩的动画，就需要原画设计师仔细的挖掘角色性格和内心世界。动画片中的角色就是由动画师操控着的演员，演出着各种不同的悲欢喜忧。所以，做动画的人一定要先融入角色，通过揣摩出角色的心理情绪变化和动作差异，再将这种变化应用在对角色动作的设计中，这就是动画的表演。

动画属于影视艺术，原画设计师承担其实就是角色表演者的任务。动画的表演力就是赋予假定角色或虚拟模型以生命与灵魂，使它们像真实存在的一样鲜活和自然。这也是动画师的主要设计绘制工作。而动画表演的优势还在于能表现出真人无法表演的美感与效果，这也是动画创作很吸引人的地方。动画创作也是源于生活而高于于生活。动画表演以生活化为基础，并加以戏剧化的夸张美化及镜头处理等综合手段，将形体动态与感情传达给观众。动画设计师不仅须要有技术能力去控制动画角色的形态，还必须有关于把握动画角色运动节奏与时间的敏锐感觉和艺术表现力。

比如学习动画中基本的走、跑、跳是运动规律，在现实中由真实演员人表演不会有走、跑等的运动动态错误的情况出现。而动画来创作走、跑、跳就复杂多了，绘制者要具备有表现角色型态的美术造型能力，还要有了解运动规律，正确表现出连贯的动态的能力。奇麟笔在平时带片指导原画和教授原画课时发现，初学者和经验少的原画设计者往往把注意力集中在处理动作流畅与动作规律正确上，而容易忽视了动画角色特点、性格、运动动机、情节及环境影响表演层面的表现上。很多国产动画片不论角色男女老幼、高矮胖瘦，一旦走、跑、跳等运动起来，动作很明显都如出一辙，都是统一的教科书式的标准运动规律姿势模式。这都是由于绘制者不注意观察生活，缺乏生活体验，不去研究动画角色特点，忽略或不会善于动画角色表演的结果。

对动画表演的学习应该从学习动画创作之初就给予足够的重视。并将表演课程作为独立的学习内容纳入日常创作学习中。从模仿开始，多看多学，仔细揣摩角色性格与动作特征，逐渐摸索并体验动画表演的表现手法。动画设计师“表演”水平的高低，虽然部份取决于个人天赋，但更多的还是依靠后天的勤奋努力，平时留心观察，勤加训练，对自己的动画表演能力不断提出更高的追求目标，就可以通过动画表演水平的提升，提升动画片的整体表现力，为动画角色注入更多的活力。

对动作运动规律的理解与掌握只是动画师的基础必修课，真正的目标是如何将角色塑造绘制的有血有肉、有情，性格鲜明的展现给观众。做优秀的原画设计师也要具备文学、美术、电影、音乐、舞蹈、历史、地理、自然生物等多方面的文化修养和生活底蕴。这些对于动画创作来说都具有重要的作用。

作为动画设计师，业余时间应该多观摩各种优秀的电影、电视剧、舞台剧，参考学习知名演员的表演技巧，还要在日常生活中注意观察周围人群，不同年龄、不同性别、不同阅历的人群行走坐卧的姿态、说话的表情，行为动作的细节，都各不相同，要多多观察并切身体会。生活是创作的源泉，生活阅历越丰富，文化修养月深厚，将会对动画师的创作和发展带来很大的帮助和支持。

优秀原画设计师应该是出色的演技派表演展示才能，因为动画明星们的表情、动作、甚至对白语气都来自原画设计师的表演才能发挥。原画设计师们在创作前，往往要预先将动画人物的动作反复亲身预演多遍。找到动画表演中的感觉，在体验过程中体会、分析、把握动画表演中角色的情感、动机以及动作。而镜子就是原画设计师们观察自我表演的最便捷实用的工具。当遇到不易把握的动作和表情时，原画设计师会在镜子面前自我反复演绎多遍（奇麟笔在平时创作动画的过程中一直借助镜子做观查工具，也一直强调学生和跟片的原画设计使用镜子），以便于更真切地体会把握动画角色的表情和动作。还有一点要切记的是，原画设计师的表演也要有度，避免沉迷于自我表演情绪中不能自拔，反而忽略了动画表演对观众的感受。也还要注意动画角色人物性格的前后统一性，行为举止的一致性。

动画创作论文范文第3篇

关键词：网络会议软件；动画教学；网课

0前言

0年疫情期间，我国的大、中、小学全面进行线上教学。各大院校的不同专业都只能采用各类线上会议软件完成当学期的教学，然而在“网络授课中遇到了很多困难”[1]。作为青岛电影学院动画专业的一名教师，在线上完成大二“动画美术设计”课、大三“动画创作”课和大四的“毕业论文和答辩”顺利完成当学期的教学任务。本篇文章，结合包含理论、实践和答辩等不同维度的教学内容，针对不同年级不同程度的学生，总结了通过线上教学软件的教学经验和网络会议软件在教学工作中的具体应用。

1如何运用网络会议软件进行动画基础的网课

笔者作为动画专业的教师，主要教授大学本科二年级的美术设计（角色/场景）基础课，这门课虽是基础课但需学生大量的实践和作业的交付才能确保同学们完成这门课程的学习。无论是线上还是线下教学，笔者的教学方式是每次上课开始先点评上周的学生作业，每个同学展示自己的作业教师逐个讲评。这样的教学方式对美术设计课非常重要，因为每位同学的创意和程度都不尽相同，只有这样细致地辅导和将每位同学的问题展开讲，学生才能掌握共性的错误和这次练习的要点。不可否认，“网络授课与传统教学间存在着巨大的差异”[2]，但网络教学虽不能面对面，却不会影响美术设计课实质的教学。由于与分享屏幕的功能相比较现实教学中的投影设备更清晰，画面离每位同学的距离更近，细节展示也更加清晰；由于不是在大教室，用耳机或电脑扩音设备教师的讲评对每个同学来说是一样的音量。除展示作品更方便、清晰外，网络授课还可在学生们的作业上直接进行修改，细节大家都可看到而且如需要的话每位同学都可进行修改。这种授课模式，在这学期疫情已允许复课的情况下我们也沿用下来，作为加课和补习的手段进行，广受同学们的好评。(参见图1）

2如何运用网络会议软件进行动画实践的网课

网课授课期间，笔者还负责大三同学的偶动画创作课。这门课在平时的线下教学中是检验之前理论和动画基础的重要环节。重实践和手把手辅导的创作实践课在线上进行非常有挑战性。由于偶动画需要分工和流水线式的配合，线上有些内容无法完成。应对的方法是将原本计划的拍摄计划进行修改。先进行一些用电脑制作的特效镜头，以及选出一些比较适合的镜头用3D建模的方式进行拍摄。用线上会议软件进行创作实践课时，会布置给学生寻找和搜集跟自己创作相关的影片案例，并在线上课时进行拉片和分析技术的内容。这样的形式在线下比较难于实现，因为不太可能让同学们将课下准备的视频拷贝到教师机中进行分析和拉片。线下上课时拉片课基本属于教师的主场，在网课期间利用远程会议软件在每个同学的电脑中直接调取画面进行拉片和分析，调动起学生们的积极性，也会更主动地进行分析和思考；此外，由于同学们各自在家无法协作，也淋漓尽致地体现同学们各自的特点和长处。（参见图2）

3如何运用网络会议软件进行毕业班的辅导和答辩

在疫情网课期间，还有当届要辅导的大四毕业生论文写作和毕业答辩的课程。对于艺术创作类专业的毕业论文写作，教师需根据艺术类专业学生的特性和专业特性来进行引导[3]，毕业答辩准备亦是如此。第一次用网络答辩形式，无论是辅导教师还是学生都面临很大的挑战。笔者负责6名毕业生的论文辅导工作，跟线下上课时一样，毕业班由于人数比较少且课时少的原因，此前的论文辅导工作也有很多内容通过微信群来进行辅导。但这次除论文的辅导还需线上答辩的教学任务，所以除使用微信群进行辅导也需用网络会议软件进行预答辩的辅导。论文的辅导工作每周用微信一对一进行辅导，跟之前没有什么区别，在此不做赘述。众所周知，论文写得好是基础而论文答辩得好也相当重要。作为论文辅导教师，如学生论文准备得很好但答辩时发挥失误相当令人惋惜，接下来笔者主要说说运用网络会议软件进行预答辩的工作。用网络会议软件进行预答辩不是课程中计划好的，而是第一次进行网络答辩的同学们由于独自在家没有同学可以讨论，心里感到非常没底才进行的小型虚拟预答辩。虚拟预答辩无论是使用软件还是时间长度都跟正式网络答辩没有区别，只是人数更少而已。经过两次预答辩，笔者辅导的6名毕业生都在网络答辩中获得优异的成绩。这种利用网络会议软件预先进行答辩的辅导方法，笔者沿用到了复课以后的1年毕业班，同学们都觉得这种方法很好。不但可对自己论文中论点进行阐述的清晰度和时间掌握的精准度进行检验，也可缓解同学们对正式毕业答辩的紧张感，让学生更有把握和自信。（参见图3）

4如何在网络会议中调动学生的积极性

以上是用线上课时期笔者上的三种不同课程运用网络会议软件时的具体情形，虽有很多课程中用线上课的形式对授课有很多好处，也有很多课程在后来沿用了网络会议软件进行授课，但线上授课它还是有很多的弊端。接下来笔者主要谈谈线上课教师们普遍会遇到的：学生容易跑神儿，无法调动积极性的问题。在网课中，虽每台设备都开摄像头，但由于无法对学生进行实时监控且时常进行分享屏幕的方式、无法得知学生是否在听课并集中注意力。笔者用以下的方式调动学生积极性，让课堂气氛既紧张又活泼。（参见图4）

4.1点名和提问

“点名”和“提问”这种方式比较老套，线下课时如果一个班级的考勤情况不稳定，我会在授课中间时点名。也会观察同学们的精神状态对心不在焉的同学进行提问，网络授课可用相同的方法使同学们注意力都“在线”。

4.2学生分享屏幕进行拉片

在平时线下上课时，电影学院有大量的拉片课程，通常教师用投影进行拉片，有需要讲授的地方暂停进行讲授；在线上进行创作课时，同样是拉片的内容，笔者选择了不但教师进行拉片分析，同学们也可选择短片进行拉片的方式进行分析。这样不但适合主动性已很强、有一定专业基础的大三学生，而且可调动他们的积极性，以自己的视角选择影片进行分析；另外，学生选取的影片是自己感兴趣的影片，播放和分析起来都更有热情。

4.3学生分享屏幕展示作业

在线下授课时需讲评作业的课程，通常是班长事先将同学们的作业收齐然后教师统一进行投屏和讲授、分析；在线上课时，大家都使用网络会议软件，可通过每个同学分享屏幕、分享自己的作业，然后教师以讲评的方式进行授课。这样，每个同学都会参与授课的环节中，注意力自然不会分散。

5运用网络会议软件进行网课的优势和劣势

在互联网高度发展和普及的今天，使用网络会议软件进行会议或是授课已比较常见。经过0年的疫情，让所有人对这种方式都被动适应了，整体来说，虽然网络授课教学效果还不尽如人意。针对现在的大学科目还有很多无法替代线下教学的内容和部分。但是，也有一些可以沿用到线下复课后的便捷方式。

5.1优势

由于使用互联网会议软件，首先它的便捷性毋庸置疑。对假期或临时安排的补习课程在方便程度上几乎跟线下授课比是一种飞跃；其次，网络会议软件的分享屏幕功能可将很多在电脑上进行练习和分析的课程更方便地进行展示，学生的参与度也更高；最后，网络会议软件可在一些30人以上的大课中免去后排同学看不清楚、无法被教师关照的问题。

5.2劣势

对于很多一对一辅导或理论性强，需教师面对学生进行演讲和互动的课程，线下授课的优势还是不可替代的。线上授课时，教师无法跟学生进行“情绪共振”，由于无法互动即兴的精彩发挥也比较少，所以原本很精彩的课程在线上也显得枯燥；另外，线上授课也不适合一些需要集体协作的课程，比如偶动画的拍摄课程和一些电影灯光等的实训课程都不适合在线上通过网络会议进行。

6小结

通过以上笔者网课授课经验的总结，复盘了0年网络授课的实践，获得了一些经验，也反映出网络授课中的一些优点与弊端。作为广大人民教师的一份子，通过0年疫情艰难时期的网络授课，见证了国内网络教学形式的改革和进步，也总结自己的一些教学方法，希望在复线下课以后的时期也能用上这些科技带来的更加便捷和方便的技术，提高教学效率、优化教学内容。

参考文献

[1]赵红玲.肺炎疫情下广播电视编导专业创意类课程面临的困境———以中原工学院影视剧本创作课程为例[J].河南教育（高等教育），1（01）：56-.

[2]韩康.高校图书馆在网络授课中的职能探究[J].教育信息化论坛，1（03）：17-19.

动画创作论文范文第4篇

[论文摘要]本文从动画造型设计的多元化特征入手，分析了符号化造型语言在动画创作中的表达，同时在符号化角色造型方面以国内外成功的动画片为案例探讨了符号化的角色造型在动画创作中的作用，从而证实了符号化的角色造型是现代动画造型语言中的一种重要分支。

在一部动画片中，角色造型的设计是非常重要的。从动画开始发展到现在，造型设计一直都在不断的探索前进中，角色造型正在尝试更多元化的设计风格。

一、动营造型的多元化特征

动画造型的表现形式是多元化的，如借鉴中国传统年画和古代寺观壁画的传统手绘动画片。具有代表性的有《骄傲的将军》、《小鲤鱼跳龙门》、《人参娃娃》等：借鉴民间玩偶的泥、木、竹、等材料和形式的木偶动画，国内拍摄了《雕龙记》、《孔雀公主》吸取中国皮影和民间剪纸的外观形式以及传统戏曲服饰特点的剪纸动画，国内制作的有《渔童》、《金色的海螺》等：脱胎于中国画中的写意花鸟和写意山水。把中国水墨虚虚实实的意境和轻灵优雅的画面带入动画片，这就是水墨动画，代表作有《小蝌蚪找妈妈》、《雁阵》、《牧笛》和《山水情》等水墨动画片，堪称中国动画的一大创举。不同的动画风格l使其的造型语言会有很大差异。但在造型艺术中少则多的原则是非常适于动画造型的基本规律。少则多是指造型语言简洁而丰富，即以最小的造型元素表现出对象的形态、结构、情感、动态等重要的特征，这是动画造型的基本功。造型艺术中所有形式与手段都可以在动画中运用，只是加工时其简繁程度不一而已。同一形象可以尝试用各种形式进行造型练习，这对造型语言的丰富十分有效。

二、符号化造型语言在动画创作中的表述

在动画中符号化造型设计风格主要可以表现在具象和抽象两方面，具象具有鲜明的形象特征，是对现实对象的浓缩与精炼、概括与简化、突出与夸张其本质因素的一种表现形式：抽象是以图形符号或几何图形的组合来表达某种含义，造型简洁，具有强烈的现代感和视觉冲击力，给观者以良好的印象和深刻的记忆。而符号化造型设计就是一个抽象的概念，它往往通过视觉刺激而产生的视觉联想来传达其形态包含的内容。

目前符号可以区分出以下三种不同的类型：指示符号、象征符号和图像符号：其中指示符号，如路标就是道路的指示符号，而门则是建筑物出口的指示符号：象征符号比如红色代表着革命，桃子在中国人的眼中是长寿的象征：图像符号中比如肖像，就是某人的图像符号。人们通过形象的相似就可以辨认出来。图形符号还是人们最初记录和传递信息的重要工具，图形符号仍有语言文字无法取代的独立意义，所以在动画创作中，符号与动画角色造型更是会有着必然的联系。符号化的造型语言在动画创作中是完全可以得到充分发挥的。

三、符号化造型在动画创作中的特征

角色造型是将动画的造型设计为可视的形象：因此，动画中的角色造型从现实到非现实会有巨大的跨度与多样的变化。但是。无论是取决于自然界的形象或是匪夷所思的幻想形象，都离不开它们作为表达人类精神和情感的载体这一特征：而符号化造型在动画创作中如何塑造一个更为丰富的动画形象起着越来越重要的作用。

1、符号化造型在动画创作中的隐喻性

动画创作中角色类型的选择十分重要。动画角色的类型很多，但是一部成功的动画中一定要由一个可以抓住观众视线的角色类型。比如反派角色、英雄角色、可爱角色等角色类型。无论动画片中角色有多少。都要有一个角色是代表整个动画灵魂的。而这个角色的选择就是最重要的。其主要抓住人物的性格特点。宫崎峻动画中的人物与事件设置一直以具体生动的形象为目标。因而观众都能从他的作品中看见一个个丰富的动画人物，在《千与千寻》中宫崎峻却在神仙澡堂中添加了一个符号性的人物——无面人，他只有一张悲哀的面具，丧失声音，只靠吞吃别人来发声。这个角色在表面上看是平板无性格无感情的，但是在它身上却负载了导演四年来对人类现实的更深的思考，现代人广泛利用手机和网络等通讯设施，企图让彼此之间的沟通更加方便迅捷，但从另一个角度来说。人们把自身都隐匿在这些工具之后，说着程式化的话语，一味地求索，脾气极端暴躁粗野，最终丧失了与人交流沟通的能力，这便是我们人类社会中无数人的缩影，在每个人心中都孕育着“无面人”，那是正失去交流和沟通，生活在自我封闭中的一张张得不到关心的失去表情的悲哀的面孔。这样一个符号化的寓意式设置。反照出现今社会的众生之态。但是宫崎峻也并未就此让大众在形态揭示后感到苦痛的悲叹，千寻面对无面人的友善相处，甚至最终感化了它：无面人被感动的结果也向人们证明只要大家都彼此真心地面对面地交流。热情是能把悲哀的面具熔化的。

动画创作论文范文第5篇

本文从中国动画的历史梳理开始，结合中国动画创作和市场两个方面，探寻中国动画的艺术创作规律。中国动画创作经历了20世纪50年代末到60年代中期和70年代末到80年代中期的两个发展高潮，新世纪中国动画俨然又要迎来它的又一繁荣时期，中国动画不是作为一个独立的个体而存在，中国动画不仅要拥有国内市场，更要走向世界。经过七十多年的动画探索，中国的动画创作达到了一个很高的艺术水准。但是在市场上稍许欠缺，中国动画人也意识到这个问题。特别是在美国日本等外来动画的冲击下，中国动画面临巨大挑战，中国动画制作者面对动画现状，显示了他们的魄力，在动画的制作体系和发行体系上都做了改进，借鉴吸收国外先进经验，为己所用，并取得了良好的市场回报。与此同时我们也不能忽视中国动画存在的一些不足之处。应在保持民族特色的同时，使中国动画有更好的发展。影片的艺术水准为其长久的生命力提供保障，而良好的市场回报也为艺术再创作提供资金。如何在艺术性与商业性之间找到一个完美的契合点，是本文所关注的。

动画作为一种艺术创作，在中国的发展前景是非常广阔的。新的世纪，让我们展望中国动画的灿烂未来！

序言

动画艺术是一种世界性的文化。从动画诞生以来，各国的动画交流就十分广泛。中国动画作为世界动画的一分子也闪耀着它夺目的光辉。中国第一部动画长片《铁扇公主》，在国内外引起广泛影响，发行到了新加坡、马来西亚、日本等地区，打响了中国动画片对外输出的第一炮。中国动画片也自觉地将自己纳入到世界动画片的轨迹当中，与世界动画发展保持一致。随后，中国动画片频频在国际上获奖，引起世人的注目，声誉鹊起。中国动画片便在世界动画影视长廊里占据了不容忽视的一席之地，并散发着它独特的魅力。可是中国动画片发展到现在却陷入了沉寂，从21世纪的90年代至今，中国动画片没有了以前的繁荣。在中国的动画片市场上充斥的大多是美国和日本的动画片，在人们周围的生活用品、印刷品当中流行的更多是加菲猫、史努比等外来卡通形象。对民族动画寄予厚望的广大观众对民族动画呼声甚高，国家也大力地扶持民族动画事业，中国动画艺术家也为国产动画的发展花费大量心血，国产动画虽有起色，但尚不尽如人意。国产动画面临着巨大的挑战，如何在新世纪获得更好的发展，抢回国内市场，同时走向世界，是动画创作者的当务之急。国产动画发展缓慢的症结在哪里？如何探寻一条适合中国动画发展的道路是现在国产动画亟待解决的。

第一章历史篇

中国动画曾无比地辉煌过，这也证明中国动画是有实力的，有适合它发展的艺术规律。对中国动画发展脉络有一个了解，对今天的动画创作是大有裨益的。既可从中借鉴吸收优良传统，又可发现总结中国动画的不足之处，找到一条在新的社会发展时期的发展道路。

一、艰难的创始期

谈到中国动画，不能不提及万氏兄弟（万籁鸣、万古蟾、万超尘、万涤寰），他们可谓中国动画片的鼻祖。在极其艰难的条件下，他们于1926年摄制了中国第一部动画片《大闹画室》，

揭开了中国动画史的一页。紧接着在1930年又摄制出《纸人捣乱记》。此后，万氏兄弟便不

辞劳苦、坚持不懈地致力于中国动画的创作。在反对日本帝国主义和左翼文化运动的影响下，万氏兄弟拍摄了大量的抗日作品如《血钱》、《航空救国》、《民族痛史》、《新潮》，和提倡国货的《国货年》、《漏洞》，以及一些儿童寓言片《鼠与蛙》、《飞来祸》、《龟兔赛跑》等20余部黑白动画短片。直至20世纪40年代，万氏兄弟创作了中国动画第一部长片《铁扇公主》，发行到东南亚和日本地区，并受到人们的热烈欢迎，为中国动画走向国际作了很好的铺垫。太平洋战争爆发后，万氏兄弟被迫中断了动画创作。而以钱家骏为中心的当时的一批动画人也绘制了以抗日为内容的动画短片《农家乐》，随后又绘制两部短片。中国动画片在创作初期就时刻与时代气息紧密相联。同时最早一批的动画人也显示了他们百折不挠的精神，具有强烈的民族使命感。

二、民族风格的探寻之路

新中国成立之后，中国动画片开始了它更为广阔的发展。早在1947年，人民艺术家陈波儿和日本动画专家方明（持永只仁）等创作了新中国第一部木偶片《皇帝梦》和动画片《瓮中捉鳖》。他们在人员不足、设备简陋的艰难条件下完成摄制工作，为新中国动画片的发展揭开了序幕。

中国的动画片在此后的发展中便自觉开始了民族风格的道路的探寻，这是时代和世界环境使然。1957年上海美术电影制片厂建立，特伟任厂长，此时中国动画人已发展到两百多人。有万籁鸣、万古蟾、万超尘、钱家骏、虞哲光、章超群、雷雨、金近、马国良、包蕾等一大批著名艺术家、文学家先后加入到这一行列当中，为中国的动画事业发展做出巨大的贡献。

建国初期是中国动画片蹒跚学步的时期，中国动画人积极学习国外先进的动画技术和艺术，主要是苏联和南斯拉夫，在动画技艺上有了很大提高。同时在动画的风格上不免受到这些国家动画的影响，如《小猫钓鱼》（1952）、《小梅的梦》（1954）、《野外的遭遇》（1955）等影片便留有苏联动画的影子。特别是1956年《乌鸦为什么是黑的》在国际动画节上获奖，令人沮丧的是与会者以为这部影片是苏联的影片。这个误会使中国动画人深刻意识到：“对他国动画亦步亦趋的模仿是不会利于中国动画电影发展的。”只能导致中国动画的消减。“只有搞民族化，才是中国动画电影的出路。”其实中国早期的动画电影也有这个倾向，万氏兄弟的《纸人捣乱记》便是模仿美国的动画制作，追求的是逗乐搞笑，仅是一部简单的噱头闹剧而已。事实上这也是动画娱乐本性体现，影片给人们以娱乐消遣，才会有观众，才会有市场。同时它在人物的造型设计上仍具有民族特点。

在1957年，上海美术电影厂厂长特伟提出了“探民族风格之路”的口号，从此开始了中国动画的民族风格建设。中国动画艺术家从中国传统文化艺术当中汲取营养，为己所用，力求表现出中国独有的风格，并取得了骄人的成绩。在动画片《骄傲的将军》当中，民族特色十足，将军的脸谱化便借鉴了京戏人物造型，在动作的设计上也采取了京戏的风格。影片的背景音乐恰到好处地运用民乐，在将军彷徨无助时，琵琶古曲“十面埋伏”响起，画面与音乐完美地结合在一起，达到烘云托月的效果。这部仅30分钟的动画片充溢着浓郁的民族化气息，给人以耳目一新之感，对当时的民族化探索起了极大的鼓舞作用。同时，中国的动画艺术家们积极地致力于新的动画艺术手法的探索和动画技艺的提高。在发展中国动画的一大片种木偶动画时，著名的木偶片导演靳夕、钱远达，曾在20世纪50年代远赴捷克学习，师从德恩卡。靳夕的第一部代表作《孔雀公主》，故事情节动人。后来，靳夕拍摄的《谁唱的最好》在技术上非常完美，但在意识形态上却受到了局限。当时的文艺政策较为教条，由于过分强调了“政治挂帅”、“革命传统”、“主题至上”，限制了木偶片的进一步发展。钱家骏在1957年导演的《拔萝卜》和1958年导演的《古博士的新发现》就注意开掘动画片的童趣、童心。在1958年中国动画人研制了中国第一部剪纸片《猪八戒吃西瓜》，为中国动画增添一个新品种且富有鲜明的民间艺术特色。接着又拍摄了剪纸片《渔童》（1959）、《济公斗蟋蟀》、《金色的海螺》（1963）等影片，吸收了中国皮影戏和民间窗花的艺术特色，将动画形象塑造得生动丰满，也使中国的民间传统艺术得到发扬。到了20世纪80年代，剪纸片技术日益成熟，在此基础上，美影厂又研制成功剪纸“拉毛”新工艺，拍出了水墨风格的剪纸片《鹬蚌相争》，该片荣获第十三届柏林国际短片电影节银熊奖、南斯拉夫第六届萨格勒布国际动画电影节特别奖、加拿大多伦多国际动画电影节特别奖和文化部1984年度优秀美术片奖。1985年出品的《草人》也获得好评，在日本第二届广岛国际动画电影节获儿童片一等奖和国内文化部1985年度优秀美术片奖、全国少数民族题材电影“腾龙奖”美术片二等奖。这一片种在国际国内都得到认可，且受到广大观众欢迎。此外，在1960年又摄制了折纸片《聪明的鸭子》，情趣盎然，活泼生动。同一时期又发明创造了水墨动画片，可谓是最具中国风格的动画片，它将中国的水墨画与动画电影相结合，使中国特有的笔墨情趣完美地再现于银幕，形成最具中国特色的艺术风格，震惊了整个世界影坛。《小蝌蚪找妈妈》（1960）、《牧笛》（1964）可以说是其中的代表作。富于韵律的画面、诗的意境，给人以美的享受，动画艺术也达到一种审美的境界。

此时的动画创作达到前所未有的高度，可以说20世纪50年代末到60年代中期是中国动画的一个高潮。也是民族风格成熟的阶段。动画片《大闹天宫》上下集（1961、1964）在造型、设景、用色等方面借鉴了古代绘画、庙堂艺术、民间年画的特色，又将中国传统戏曲的表演艺术融入，描述了家喻户晓的孙悟空，使这一形象跃然银幕，化无形为有形，“挖掘各种艺术表现手段；具有鲜明的民族风格和精湛的艺术技巧”。国外评论说：“《大闹天宫》不但具有一般美国迪斯尼作品的美感，而且造型艺术又是迪斯尼式的美术片所做不到的，即它完全地表达了中国的传统艺术风格。”“是动画片的真正杰作。”

中国动画片所达到的艺术水准不仅得到国际的首肯，而且使具有中国民族特色的动画片深入到世界民众当中去。中国动画片因为它独到的民族特色而独立于世界动画之林，散发着它独特的艺术魅力。中国动画片在海内外获得越来越高的声誉。

可是由于“”的影响，中国的动画事业受到了阻碍，发展缓慢。“”结束后，百花开放，我国的动画事业也迎来了它的第二个春天。中国的动画人以更大的热情投入到动画创作当中，秉承以往的“民族风格”的道路，在题材内容、艺术形式和制作技巧等方面，进行新的开拓，并取得可喜的成绩。同时由于实行开放政策，扩大对外交流，中国的动画业也更多地与国际接轨，呼吸更多的新鲜空气，呈现出一片生机盎然的景象。

1979年中国第一部彩色宽银幕动画长片《哪吒闹海》问世，这部被誉为“色彩鲜艳、风格雅致、想像丰富”的作品，深受国内外好评。民族风格在它的身上的到了很好的延续。动画片《三个和尚》是继承了传统的艺术形式，又吸收了外国现代的表现手法，在发展民族风格中做了一次新的尝试。动画片《雪孩子》画面优美富有诗意；《南郭先生》表现了汉代的艺术风格、格调古雅；《火童》结合了装饰性造型和民族艺术特点。同一时期的影片中，还有《两只小孔雀》、《画廊一夜》、《狐狸打猎人》、《好猫咪咪》、《愚人买鞋》、《黑公鸡》、《小鸭呷呷》、《人参果》、《淘气的金丝猴》、《假如我是武松》、《蝴蝶泉》、《天书奇谭》、《兔送信》、《三十六个字》等也延续这一创作思想。1984年的大型动画片《金猴降妖》，又一次将孙悟空搬上了动画银幕，塑造了一个感人的孙悟空形象；在表现手法上通过将传统的民族风格和抽象绘画的手法和现代音乐融合，探索民族艺术的新发展。动画片《夹子救鹿》淡雅而抒情，具有敦煌壁画的古朴风格。剪纸片《草人》模拟中国工笔花鸟画的形式。此外，《女娲补天》，《抢枕头》、《海力布》、《水鹿》、《大扫除》、《网》、《偷东西的驴》、《巫婆、鳄鱼和小姑娘》等，也都富于民族风情。

三、20世纪90年代以后的新发展

在动画发展到20世纪90年代至今，中国动画创作相对于世界动画发展出现缓慢趋势。在美日动画的冲击下，同时也由于缺乏市场化操作，动画的回收相对较慢，中国动画以往是纯国家投资，私人不愿投资，从而导致动画者的流失和中国动画业的发展缓慢。中国动画要改变以往的操作方式。为重振国产动画，美影厂历时四年摄制了动画片《宝莲灯》，这是中国迄今投资最大的一部影院动画长片，故事取材于中国的民间传说，在画面、人物造型上都精心设计，音乐制作极为考究，同时现代高科技的运用也为影片增色不少，给人以耳目一新之感，获得了观众的好评。同时还有《气球上的五星期》、《马可波罗回香都》、《哎哟，妈妈》等一批优良的动画片诞生，给动画注入了新的活力，动画片呈现出欣欣向荣的景象。

综观中国动画这几十年的发展，可以看到中国动画始终致力于一条本国特色的道路，在改革开放以后，在世界动画的大潮中也未放弃这一宗旨。动画片中洋溢着活泼清新的气息，给人以美的启迪。同时又十分注重教化意义，在动画片的创作中秉承“寓教于乐”，使动画片不致流于肤浅的纯娱乐搞笑。中国动画片经过几十年的苦心经营，营建了一个动画王国。

第二章创作篇

中国的动画创作从它创始初期就是积极开拓的，在动画的题材和艺术表现手法上都是丰富多彩的，讲述儿童喜爱的故事。但是有一个创作误区，就是纯儿童展现。动画片的创作对象就是少儿。虽然在创作初期动画片也与现实社会紧密相连，但在动画走入正轨后，动画创作的对象日益单一化。《小猫钓鱼》、《没头脑与不高兴》、《聪明的小鸭子》、《大闹天宫》等多是针对儿童进行创作；这种创作倾向延续至今，在中国的动画创作中留下一块空白，同时也给市场留下一块空缺。

相比之下美国、日本动画在创作上，思维非常活跃，题材广泛，有动物，有儿童少年，有缠绵的爱情故事等等。迪斯尼动画作品大都采取家喻户晓的童话故事为题材，以动画特有形式，配上优美动听的音乐，极力表现温情世界。以“博爱”为中心，动物拟人化，因此获得了儿童及家庭观众的喜爱。

迪斯尼制作的《花木兰》给中国人以巨大的冲击。《花木兰》是中国家喻户晓的故事，可是美国人却借用这一中国古代民间故事，进行动画再创作，拍摄了动画片《花木兰》，并且大受欢迎。这是美国改编它国的经典故事获得成功的又一范例。事实上，美国的《花木兰》只是借用了中国的花木兰的故事外壳，它的人物内核是美国式的，人物身上体现的是一种美国式的叛逆精神，将现念融入古老的传说中。美国人充分展开他们的想像力塑造了一个善良勇敢的花木兰形象，且片中充满了美国式的诙谐幽默，如极富特色的配角木龙和蟋蟀。《花木兰》在市场上获得了成功，可以说它有几个取巧的地方。首先，这是美国第一次根据中国民间传说改编的动画片。其次，东方一直对西方具有神秘的吸引力，而且通过动画这一手法是新之又新。美国人拍的花木兰会是什么样，每个人充满了好奇心，无论大人还是小孩。迪斯尼牢牢把握观众的心理，创造强烈期待感，市场的成功是必然的。美国人塑造的花木兰并非符合我们中国人心目中的样子，但是它在进行艺术再创造中体现的大胆想像是值得我们借鉴和学习的。

随着科学的发展，传播手段的日益丰富和快速，世界各国文化娱乐艺术的交流都是十分广泛和便捷的。人们每天接收到各种各样信息，从而人们的思想观念和欣赏观念也发生巨大变化。人们需要新鲜的，富有刺激性、创造性的东西。以现代技术为依托的动画片也必然紧密关注人们的所思所想。

中国的动画片创作要跟上世界动画轨迹就必须更新创作理念。在世界动画发展中，特别是在美国影片的影响下，观众的欣赏口味也日益复杂，中国的动画创作者肩负重任，要创作出更多更好的为观众所喜爱的影片。中国的动画不仅要赢得国内的观众，更要走向世界。中国动画时刻与世界保持紧密联系，中国动画在新的世纪里要获得更好的发展，应做到以下几方面：

一、转化观念，突破思维定势

中国动画片创作一直秉承“寓教于乐”的宗旨，并取得了丰硕的成果，但是在这一过程中，出现了偏离，“教化”意义被过分强调。主题先行使创作受到阻碍，思想僵化。娱乐性的丧失使动画由大众走向小众。中国动画片的创作亟须改变传统的创作方式，可以说要走一条借鉴与创新的道路。以往的动画创作为我们提供了丰厚的艺术积淀，但是市场观念欠缺。观念的转化要做到市场观念和受众观念的同步转化。市场观念的转化将会在下一篇中论述。动画创作不要拘于传统，给自己套上枷锁，动画片创作中应有更为丰富多彩的世界。中国动画片创作中体现的一种思想就是：动画片是小孩的世界。中国的动画片也就是呈现幼稚的特色。而且在这种思想的影响下观众也养成这样的观片习惯：动画片是儿童片，是给小孩子看的。这种观念使动画创作的视野非常狭小，动画的题材也受到了限制，思想上放不开，表现在创作上的也就是缺乏想像力，从而使中国的动画丧失了大量的成人观众。且在“教化”思想下，动画片多摆出一副教育的面孔，而缺乏童趣，导致大人不看，小孩也不看的局面。中国的动画要改变过去单一的儿童表现，改变受众观念，使观众群丰富多样。上海美术电影制片厂历时四年的大制作《宝莲灯》在这方面做了尝试，这部影片的定位是6岁到80岁之间。可以说这是对动画制作者的一个挑战，要兼顾到差距如此大的观众群不是一件容易的事情。影片故事根据中国的古代神话《劈山救母》的故事改编。讲述一个英雄救母的故事，在影像风格和人物造型上都是经过深思熟虑的，并且添加了原作中不存在的小猴子形象，机灵搞笑，诙谐逗趣，获得了较为广泛的市场认同。

二、想像创造能力的拓展

中国动画题材多是充满童趣、动物故事、神仙传说。动画片是化无形为有形，是一个充满幻想的世界。观念的转化还需有非凡的创造力、想像力与之相匹配，才能使中国的动画业蒸蒸日上。

想像力、创造力表现在对影片故事的构架上、情节的编排上、人物造型的设计上，影片的背景刻画上等等艺术创造上。其实美国的动画创作有许多是借鉴它国的故事原型，进行动画再创作，如《灰姑娘》《白雪公主》等就是，《狮子王》也是演绎了《王子复仇记》的故事。在动画的创作空间上宽容度大，动画的内容也就丰富多彩，就能吸引大众。同样日本的许多动画创作也借鉴它国的故事人物原型，如《七龙珠》中的孙悟空，完全是日本人的重新创作的形象，与《西游记》里的孙悟空完全是两个人、可是日本人就根据孙悟空这三个字，创作了一系列的龙珠传奇，而且受到了大众的喜爱。同时艺术水准也很高，故事有深度。日本动画大师宫崎骏作品设定的故事不在乎时空，而强调画中有话，用作品去呼唤，呼唤人类对过去的认同与记忆、对未来的保护和探寻。影片能给人以深刻的思索。

在动画儿童化的思想下，中国动画在题材上鲜有爱情题材，在美国动画中多穿插一个爱情故事，如《狮子王》、《泰山》，似乎这也是主人公成功的一方面。在这样的影片当中主人公都是经历一番磨难，最后修成正果。上映不久的动画片《小鸡快跑》俨然是一个成人世界的寓言故事。等待着可怜无辜弱小的小鸡是屠宰，于是他们奋起反抗为赢得自由而抗争。一个动画版的集中营故事，这样的动画展现可以说不仅是给孩子看的；动画创作中融入了更多的现代人的思维和生活。大胆的想像，大胆的创作。好莱坞在1988年的动画制作《谁陷害了兔子罗杰》就是具有非凡的想像力的杰作，它讲述了一个现代童话，以“瑰丽、奇幻的色彩和异想天开的艺术想像力，不仅使孩子们十分着迷，许多成人也被它吸引而津津乐道”。影片创意独具特色，卡通角色与真人同台演出，卡通世界与现实世界纠结在一起。兔子罗杰的性格塑造极为成功，真诚、善良、无忧无虑、活泼可爱，而且“角色的造型设计，动作性强，妙趣横生”，“充分发挥了动画造型的特长，极尽喜剧夸张之能事”，将罗杰塑造得活灵活现，极富魅力。罗杰也成为了当年的动画明星。动画的创作需要创作者拥有丰富的想像力。美国动画以它的幽默滑稽，还有他的立体性思维取胜。美国日本动画体现在动画上的思维创造值得借鉴学习。

在情节的编排上中国动画还不是很完善，以《宝莲灯》为例，在故事情节的安排上缺乏力量，描写过于单薄，小沉香的成长过程寥寥几笔，在土地爷的指点下找到孙悟空历经磨难学成武艺，以坚强的信念打败二郎神，情节缺少细节铺垫，且人物的塑造过于脸谱化，坏人坏到底，缺乏性格依据，导致人物平淡，不生动。这是需要创作者对艺术感悟力和想像力进行深度开掘。

三、高科技手段的合理运用

科技的进步为动画的创作提供了便利和更好的表现手段。现在的动画制作高科技因素占很大的比例。《玩具总动员》便全是三维动画制作，还有《小鸡快跑》等。《恐龙》更将动画与实景完美结合，营造了一种视觉奇观。这样的影片获得了观众的认可。在《宝莲灯》当中也运用了3D制作，丰富影片的视觉效果。这是国产影片在高科技上的尝试，在以后的创作中科技手段的运用将会更广泛，将有更多更好的影片献观众。

但是高科技的运用要避免两个误区：

一是高科技运用超过动画艺术本身。美国的动画制作在追求高科技的运用当中，动画的朴属性丧失。追求场面的精致豪华，可是故事情节模式却没有更大突破，在《恐龙》、《泰山》当中讲述的还是和《狮子王》差不多的内容。技术是附丽于故事的，内容大于形式。影片具有内涵才会有发展。纯粹的高科技展示，观众也会厌烦的。在动画片中拥有更多人文的东西，才会有长久的生命力。一个东西只具备商业属性，它就会逐渐消亡。在社会发展中要把握好艺术性与商业性之间的度。社会效益与经济效益良性互动，才会促进发展。一切都要以人为本。

二是对好莱坞的过度模仿。动画片制作可以借鉴国外优秀的东西。但是亦步亦趋的模仿，是没有出路的。在中国早期的动画创作中就意识到这个问题，当时很快就走出这个误区，拨正了方向。可是现在动画创作中由于要极力地迎合观众的口味，在人物的风格上便丧失了中国特色。在《宝莲灯》中，小猴子、噶妹的造型都是美国化的。小猴子带有明显的好莱坞印迹，虽然活泼可爱但是毕竟还是别人的。中国特色不是一个概念化的名词，不是讲述中国故事，就是中国的。还是那句话，影片的内核才是关键。动画制作要避免这个倾向。

第三章市场篇

在世界动画的发展中，动画更多是作为一种产业来发展。特别是美国在它的创始初期就很快进入产业化操作，在商业上获得巨大成功。虽然当时也出现了纯艺术追求的实验动画，但占主流的还是商业动画。美国在它的第一部大型动画片《白雪公主》获得空前成功后，在动画片的制作上更为投入，制作了《阿里巴巴和四十大盗》、《美女和野兽》、《灰姑娘》、《狮子王》、《泰山》等一系列的动画长片，且获得不菲的市场回报，形成一个动画操作体系。后发展起来的日本动画借鉴美国动画的操作模式也很快地在商业上站稳脚跟。

中国的动画创作艺术性都很强，而市场意识薄弱。中国动画人更多注重在动画片的艺术表现和形式技巧上的挖掘。这是有利也有弊的，在动画艺术水准上我们达到了一个很高的层次，可是市场的开拓却不够。发掘中国的动画市场是当务之急。

随着国际商业文化的交流更为广泛和快速，中国动画面临一次挑战，美国、日本动画受到了青少年的欢迎，占据国内的大部分市场。中国的动画片也在艺术性与商业性上寻求一个完美的结合点。中国的动画创作者从未放弃这一探索。动画前辈在动画创作中显现的坚韧不挠的精神也极大地激励后辈。在中国动画是有巨大的市场前途的，摆在动画人面前的是一条宽广的道路。中国动画应吸收目前世界动画制作发行上的优点，特别是美国的。中国的动画制作能力和美国、日本是不相上下的，中国拥有大量的人力和物力，技术手段也达到了世界一流。

中国的动画市场是巨大的，有无限的开发潜力。除了创作观念的更新外，市场操作也是一个重要的环节。中国动画发展要借鉴国外成熟的市场操作方式，并针对本国的特点灵活运用。上海美术电影厂在市场化操作上已进行了初步的试探，并且取得了成果。

一、市场化操作

1995年，上海美术电影厂首次尝试以社会集资、市场运作的方式拍摄了百集动画系列片《自古英雄出少年》，进入市场初战告捷，并且得到社会好评，为以后动画创作的市场运作开了先风。

1.制作体系的改变。《宝莲灯》的制作过程与我国以往动画片最大的区别在于：它采用了与国际接轨的动画电影的制作方式，对每一道工序都细化分工。从剧本编写到对白设计，从造型设计到电脑特技，从整体音乐到舞蹈创作，从先期对白录音到后期全数码制作，无不是市场化运作。

2.市场宣传的注重。以往对影片的宣传不是很强调，如今市场化运作加大了影片宣传力度。比如《宝莲灯》在市场宣传上就极为成功，影片还未放映就已经制造了良好的社会效应。影片最终获得了很好的市场回报。

3.衍生品的开发。电影电视后期产品，是动画片获得良好经济效益的渠道，拓展了动画产业的综合开发，录像带、VCD、文具、玩具、挂历、连环画等动画片衍生品的发行制作，提供了新的经济增长点。《宝莲灯》在后期产品的开发下就获得不小收益，而且也扩大影片的影响力。

4.与国外动画公司合作。动画片的制作可以和国外公司联合，取其所长为己所用。《马可波罗回香都》便是中国大连阿凡提国际动画公司和美国托尼文索公司合作完成的。这样，可以更好的发展动画产业。

二、影视合流动画力量积聚

1996年，上海美术电影厂和上海电视台实行“影视合流”，为动画片的制作提供了更好的空间。同时影视合流也为动画的放映播出拓宽渠道。电视动画栏目也培养了动画观众，保证国产动画的播出。电视动画有着巨大的发展空间。电视相对于电影来说，对于大众的消费更为接近，且电视的普及使电视动画的影响更大。因此针对中国国情，发展多集系列电视动画片是大有市场的。

但是在电视动画的创作中存在一个盲点，就是中国电视动画走的是电影动画的制作方式。电视沿用的是电影技术，从而电视的制作就比较缺乏主动权。电视台除了片头片花的制作，其余由电影厂来完成。没有专门的电视台进行电视动画制作，也缺乏人员和资金。影视合流为电影电视动画紧密结合提供了契机。电视动画制作也会成为一个开发重点，这为动画创作找到了更为完善的解决方法。

结语

本文从中国动画的历史梳理开始，对中国动画的创作规律有一个了解，在市场和艺术创作上力图找到一个结合点。通过历史观照，对中国动画在世界动画的发展中既保持独立又有所创新，提供一点看法。中国动画是有着巨大的市场潜力的。中国动画要突破思维定势，挖掘市场，使社会效益和经济效益形成良性互动。艺术水准为影片的长久生命力提供保障，但良好的市场回报也为艺术再创作提供资金。在新世纪里中国动画有更好的发展除与国际接轨外还要结合本国的特点，具体问题具体对待。中国动画是有着广阔前景，让我们一起期待中国动画的灿烂未来！

参考资料

1.尹岩《动画电影中的“中国学派”》

2.万籁鸣《我与孙悟空》

3.张松林《中国动画片必须走向世界市场》《中国美术电影发展史》《世界电影鉴赏辞典》