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插画艺术论文

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插画艺术论文

插画艺术论文范文第1篇

数字插画艺术是伴随信息技术的发展而产生的,不同于传统的手绘插画,其创作手段主要依靠的是数码设备,其创作素材也主要来自数字信息,因此利用本身特点的数字传播方式是最便捷也是最节省资源的;而作为近几十年来才出现的新型的艺术形式,数字插画艺术不可避免地受到各种当代艺术思潮的影响,因此艺术家、设计师及其作品与欣赏者的接触和交流变得越来越重要;比起传统架上绘画,插画艺术是开放的,新兴的理念更容易在插画艺术中体现。上个世纪后五十年以波普艺术为代表的流行文化,最早便是以动漫插图,广告招贴画的形式出现的。而数字插画艺术因其创作与传播的特点,在此基础上更进一步:如今的数字插画艺术以多种多样的形式出现,包括书籍、招贴、广告、展示、动画等,更贴近生活,也更商业化。

二、数字化的传播、展示与交流平台——新浪微博

新浪微博是由新浪网推出的仿效twitter提供微型博客服务的网站。所谓微型博客,是指用户可以通过网页、WAP页面、手机客户端、手机短信、彩信等方式消息或上传图片,而消息长度限制在140个字数。因此微博也被称为“一句话博客”。用户可以将看到的、听到的、想到的事情写成一句话,或发一张图片,通过电脑或者手机随时随地进行分享。而同样在微博注册的朋友、家人通过关注功能则能一起进行分享、讨论等互动。新浪微博旨在为大众提供娱乐休闲生活服务的信息分享和交流平台,因此微博的特点也是相应十分突出的:首先,其信息、收取便捷,门槛极低。用户可以随时随地传播和接收信息。微博长度短,但内容不限制,所见所闻,所思所想,生活琐碎和宏大主题均可。其次,新浪微博的传播方式呈裂变,充分体现了自媒体的概念,每个人都可以成为信息的中心。用户通过关注功能可以直接获得关注对象的信息,也可以通过转发使关注自己的其他用户获取这一信息。最后,新浪微博的影响力是巨大的,覆盖的领域也极广。从内测至今微博月活跃用户1.438亿,日活跃用户6660万,其中包括大量政府机构、官员、企业、个人认证账号,其影响力可见一斑。不过随着微博影响力的增强,不实信息的传播所造成的负面影响也得到了重视,新浪微博设立了不实信息曝光专区,意在提示各位网友在信息时要更加审慎负责,以免对其他网友造成误导。

三、数字插画艺术通过新浪微博获得的传播与展示

结合以上所述,新浪微博这一平台在传播信息、交流互动方面是极具优势的。而从现实层面,新浪微博也是当下中国影响力最大的信息平台之一。数字插画艺术在这一平台的传播,不仅是被其巨大的影响力所吸引,也是遵循自身定位的客观要求。数字插画艺术是带有商业目的性的,这是其最主要的特点与限制因素。数字插画艺术家创作主题确立往往与投资商或者市场的需求息息相关,但也正是因为商家的支持,才有数字插画行业如今的蓬勃景象。插画艺术家们的创作中充满幻想、惊奇、神话、未来等奇幻主题,想象力丰富,吸引眼球。题材的广泛,创作手法的多样以及艺术表现的自由恣意显得与纯艺术绘画没有什么不同,但在插画行业不够规范、市场商业需求多元化的背景下,数字插画艺术的创作则要求掌握多种设计软件、艺术风格和表现语言。因此一个很好的交流与信息反馈平台对于数字插画艺术的创作是很重要的。

1.传播主体

在新浪微博平台上作为信息传播的主体首先必须是微博的注册用户,虽然微博采用一种针对明星名人进行实名认证的系统,与普通用户区别开来,同时也可避免冒充名人微博的行为,但微博功能和普通用户是相同的。因此在新浪微博中用户的分类是很明确的:普通用户(一般是个人用户)、个人认证用户(一般是名人、明星,名称后面有个黄色的“V”)、企业认证用户(媒体、企业、机构等,名称后面是蓝色的“V”)。而数字插画艺术的传播与展示也是围绕这三类主体进行的。个人用户方面主要包括插画艺术家、商业插画设计师、插画专业学生、业余同好等。成名的艺术家、设计师会通过专业的艺术网站或是建立个人网站来作品,这在网络普及之初便是常见的。但弊端在于专业性太强的网站难以被大众发现,限制了访问的流量,因此信息的交流便容易滞后且狭隘。通过新浪微博以及类似的平等、广阔的交流平台,插画艺术家、设计师的作品信息的传播将得到极大的扩展,来自大众的反馈也变得即时、准确。尤其是对一些不知名的设计师、学生来说,这样的网络环境是很重要的,他们能够通过网络平台得到他人的意见或者更多人的认可。在线媒体用户主要包括各类插画专业、设计专业以及动漫、游戏网站和电子杂志。在互联网的时代,插画的艺术生产与以往有很大不同。早期的插画属于一对一的约稿创作的状态,而在网络时代,插画的创作是开放式的,插画家可以根据自己的喜好进行创作,把作品放在网络上进行传播,其传播形式、转载的数量等等都是不可控制的。因此各类提供插画艺术家、设计师投放作品的网站应运而生。而随着动漫、游戏产业近年来的蓬勃发展,作为在其产品设计与宣传环节担任重要角色的插画设计则与之联系愈加紧密。与个人用户作品在微博不定时、零散地投放不同,这些在线媒体用户主要通过微博一系列的主题征稿活动来吸引专业创作人员以及大量的同好,同时也达到宣传自身产品、扩大影响力的目的。企业/机构用户包括艺术机构、教学培训机构、设计公司、主流媒体等,他们在微博设立一个专门的企业认证用户,作为其信息和产品展示在微博中的“门户”,同时也用于筛选可以合作的插画家、设计师。这类用户主要看重微博广泛的影响力、庞大活跃用户流量以及较低的宣传成本,但在微博注册的认证用户只是其众多的“门户”之一。

2.传播特点

新浪微博是一个信息门槛极低,主要定位面向大众生活、娱乐的信息交流平台。数字插画艺术本身更侧重于商业性,普通大众在消费艺术作品时,往往只是为了获得一种感官或精神上的愉悦。因此在更贴近大众的微博平台,数字插画艺术相关的信息更容易引起注意,得到“转发”与“评论”。目前新浪微博中从事数字插画创作、设计的用户,其主要服务对象包括广告、影视、游戏、动漫等产业,这不仅与新浪微博这一平台的定位有关,也符合数字插画艺术本身的创作特点。从信息传播的内容上看,主要分为两个部分:一方面是商业宣传和媒体话题炒作。这两者有互通之处,但涉及媒体话题的插画创作比较随性、调侃,而正规的商业宣传则要严谨得多。例如每当有新的电影、电视即将上映,便会有该电影的宣传微博出现,海报与剧照信息;新游戏的公开测试与销售同样也会在微博进行大量插图、海报、设定图的;更多的是商业广告中的插画创作和数字招贴设计。另一方面分布零散却数量极大的信息传播内容来自微博广大的个人注册用户,也就是那些插画艺术家、商业插画设计师、插画专业学生、业余同好等的个人微博。这些个人用户通过微博平台对插画创作进行交流、分享,往往结合着个人生活的点滴,更能为大量的普通用户所接受,甚至生活中某个颇具话题性或者吸引眼球的主题会引发大量不同风格的插画创作。

四、结语

插画艺术论文范文第2篇

关键词:艺术本体论;数字插画;视角

艺术本体论,主要研究艺术的本质问题,包括“艺术是什么样的存在”,“艺术如何存在”,及“艺术与其他存在的关系”等相关“元艺术学问题”。21世纪以来,随着多媒体技术的长足发展,艺术与科技的结合,产生了众多新媒体艺术形式,改变了人们对艺术的固有认识,也形成了艺术学研究的全新领域。作为数字媒体艺术的一个重要组成部分,数字插画艺术近年伴随影视、游戏产业的火爆而逐渐进入大众视野,其文化影响力不容小视。当前,针对数字插画的研究,多集中于技术与应用等方面,从艺术学的视角对数字插画系统研究成果还较为薄弱,本文试从艺术本体论的角度探讨数字插画艺术的属性、价值和特点。

1 数字插画艺术是什么样的存在

1.1 艺术与技术的争论

首先,驾驭任何一种艺术形式,需掌握相应的表现技巧,工具材料也是通过一定的技术手段加工而来,作为数字插画,同样依赖作画材料与表现技巧。由于创作材料的非物理属性,决定数字插画缺少传统绘画有的“工艺性”,更多表现在“技术性”。工艺性的缺失,数字插画在表现力上更多的是模仿传统绘画的“质感”,此外,借助于滤镜、渲染技术,画家个人风格对作品的影响不再直接,这也是部分学者对数字插画艺术价值诟病的理由之一。

然而,驾驭任何一种艺术形式,除了技巧与材料外,还需创作者的艺术直觉和素养,这一点数字插画与传统绘画没有本质上的区别。所以,传统艺术的大部分审美标准,对于数字插画仍然适用。应注意的是,数字插画虽是绘画,但首先是数字媒体艺术,对数字插画艺术的价值评判,不能简单以传统绘画标准套用之。数字插画创作的繁荣,商业成功之外,更代表一种文化观念和审美方式初见雏形,我们应以全新的艺术观来评价数字插画艺术。

1.2 绘画与设计的争论

数字插画自诞生以来,就带有浓厚的商业性。“设定”是数字插画创作的主要任务。在创作方式上,其与设计也有很大的相似之处,均使用素材拼接,套路化的造型与标准化制作方式,这让数字插画看上去更像设计。

另一方面,数字插画创作基本以写实性、具象性为主,重视经典绘画法则的运用及对各种绘画风格的借鉴,具有绘画的审美特点,当然,对于不同类型的数字插画,其设计性和绘画性的比重也是有所区别的,简单地说,游戏海报及绘本的绘画性最高,概念设定和矢量插画更偏重设计性。

2 数字插画的存在方式

2.1 数字插画的物理存在

前面讲到,数字插画不具传统绘画的材料实体,任何以自然媒材为手段的绘画,均依靠材料对光线的反射与吸收呈现视觉形象,数字插画因其虚拟性,视觉图像的存在是利用计算机软硬件控制屏幕三色光源的混合实现的。

传统绘画创作,是画家与材料的“对话”,对材料的控制与妥协,形成了画作的整体“有序”与局部“无序”的奇妙关系,最终成就了个人的绘画风格以及画种的艺术特点。

数字绘画的实现首先依赖程序,程序的特点主要表现在两点:一是精确性,二是规范性。所谓精确性,指软件对基本图形控制的精确,如Photoshop的圆头笔刷是绝对的正圆。对压感笔压力感应的数值调节,色彩饱和度、不透明度的数值控制又体现了规范性。数字插画师为了对抗这种局限,会采用制造肌理效果增加画面的随意性,营造“画味”。

2.2 数字插画的功能存在

数字插画是一种工具性绘画,这一点和传统的插画具有一致性,所谓的工具性,指依附于其服务对象而存在。对于“插画”一词的解释,狭义概念如1998年版的《现代汉语大词典》所述,“艺术性的插图。插在文字中间帮助说明内容的图画,包括科学性的和艺术性的。”不过,数字媒体艺术时代,插画的使用范围和定义要宽广得多,虽仍然是依附于其服务的主体对象,但创作的自由度和艺术独立性远高于传统插画,不过即便如此,当前的数字插画创作仍然未能突破“依附性”“工具性”这个局限,表现为以下几点:

第一,数字插画作为一种工具性绘画,其价值往往依附于服务对象,一定程度上,功能性大于艺术性。

第二,文化内核的依附性。依附于西方商业流行文化,创作主题和风格高度套路化,全球创作主题的高度统一雷同。

第三,依附于商业社会和数字娱乐产业的土壤,文化的原生能力和动力不足,限制了当前数字插画师艺术潜力的发挥和个人艺术修养的提高。

2.3 数字插画的文化存在

后现代主义、视觉文化和大众艺术这三个坐标系可以较为完整的定义数字插画的文化存在方式。首先,数字插画的艺术特征符合后现代主义的特点,主要表现在价值多元化、文本空心化和商业化等方面。特别是文本空心化,如巴尔特(Roland barthes 1915~1980年)认为,“文本之外,别无一物”,艺术只是一种文本,文本背后没有任何终极神旨和崇高追求。当前数字插画创作极度追求“视觉奇观”等个性化的视觉图像审美,正是后现代主义思潮带来的影响。其次,视觉文化和大众艺术也是后现代主义艺术发展的基本特点,二战结束后,西方艺术的分化趋势逐渐明显,特别是进入20世纪70年代,随着波普艺术、装置艺术、行为艺术等先锋艺术的崛起,一度让部分西方学者认为“绘画已死”,进入90年代,随着大众传媒和电子计算机技术的发展,图像的创作在商业的刺激下又前所未有的繁荣起来,大众化参与和传播,让数字绘画不再有传统绘画的“精英”门槛,这一切共同构成了今天的学者所津津乐道的“视觉文化”或“读图时代”,昭示着视觉艺术的复苏或“回归”。

3 数字插画与其他数字艺术的关系

数字插画与电脑游戏、影视动漫,均属当代流行文化的一部分,具有文化共生关系,代表了数字时代视觉艺术的发展趋势。

近年来出现的交互式影像艺术、虚拟现实等实验艺术,虽同属数字艺术,但更倾向观念性,创作动机与传播途径与商业艺术完全不同。不过,数字插画艺术如果能与当代数字实验艺术相结合,对于提升数字插画艺术整体的艺术品位是具有积极意义的,例如上海中华艺术宫的大型多媒体动画《清明上河图》,就完美地体现了平面绘画与多媒体虚拟现实技术结合所产生的令人震撼的审美价值。

4 结语

数字插画艺术的繁荣代表了网络时代大众文化心理、审美观念、审美方式的变化,是后现代主义背景下视觉艺术发展面貌的集中体现,本文从艺术本体论的角度出发,从技术与艺术和文化等多个方面梳理数字插画艺术的属性,价值和特点,对于厘清业内外对数字插画的整体认知,具有一定启示意义。

参考文献:

[1] 王受之.世界平面设计史[M].北京:中国青年出版社,2002.

插画艺术论文范文第3篇

关键词:艺术设计;插画设计;教学

中图分类号:G42 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2014)05-0255-01

一、艺术设计学科插画设计教学的现状

由于近年来高校扩招,面对一群水平参差不齐的学生,高校不能采用同一个标准进行教学。而以学生的学习成绩划线,只认可学生的考试分数,不太承认学生其他方面的天赋或个性发展,这对于艺术设计教育来说是存在一些误区。艺术设计的学生思维比较活跃。因此,艺术设计教师应正视学生个性差异的客观存在,注重因材施教,端正教学态度,明确培养目标,探索出适应艺术设计学科的教学新思路,改进教学方法,才能适应高校艺术设计教育的发展。

二、作为艺术设计教学的插画教学模式改革

(一)改革插画教学课程结构,以培养应用型人才作为教学目的

插画教学成为了现代高校艺术发展的一个闪亮点。信息技术与网络技术的进步,使插画的表现形式呈现出多样化风格。每一种风格特征的插图都有自己的使用价值和美学价值,体现了时代性和文化特征。高等图案科开设的专职业教育的课程教学目标。

学习基本知识。这是高校公认的课程教学目标,艺术设计插画教育课程必须首先确定明确的能力目标。在进行插画设计课程教学过程中,教师向学生介绍插画设计的历史、插画设计的定义,插画设计设计的运用范畴,以及对国内外插画设计的表现追溯。通过讲授插画设计的基本知识,使学生对插画设计有整体上的一些了解。接下来,教师向学生讲授插画设计的审美特征、表现形式及创作方法。从插画设计的审美特征:平面化与简化、夸张与变形、对比与统一、节奏与韵律四个方面分析。插画设计的表现形式:插画设计的视觉元素:点、线、面、肌理四个方面分析。从生活中寻找创作的灵感,将点的视觉元素组合在一起并在插图中组合运用,达到了很好的视觉效果。让学生认识到插画同样是艺术形式的同时,有意培养他们的个体意识和审美情趣。插画中表现的线条使视觉表现干脆而强烈,更具视觉冲击力。插图画面中具有强烈的形式感,利用点、线、面的穿插,使线条和线条之间的层次,更具装饰性。让学生所获得的造型能力训练成为今后插画创作和设计顺利过度的阶梯,真正使插画基础训练的过程对以后插画创作与设计起到事半功倍的效果。通过教师在课堂的教学,让学生了解插画设计的审美、构成元素、色彩、构图、创意。为学生在将来进行插画设计创作时,有理论依据。

(二)改革插画教学课程方式,激发学生的创造性思维和动手能力

掌握单项技能。学生通过对插画设计的基本知识的学习,把插画设计的基本知识运用到插画设计的实践中。通过插画的实践操作,理解插画设计表现的基本形式。按照艺术设计专业教育的定位,例如插画设计中的造型能力和构图能力、某些绘画软件的使用技能等。

电脑绘制插图有多种软件工具,常用的软件Photoshop、CorelDRAW、Illustrator。学生在插画创作过程中,要积极地学习和掌握已经存在的各种工具和材料,熟悉它们的特性和表现技巧,同时也要积极地去尝试、探索新的工具和材料,创造出更加新颖、更富有表现力的插画。最好的训练方法是在完成实际教学课题过程中对各种单项技能进行实训。为上好插画设计课。教师应先从理论上给学生深入讲解,从赏析中外插画作品入手,分析中外插画精品中的各类形式和艺术特色,在此基础上先让学生临摹插画设计作品,通过临摹范画来体会其中奥秘、难点。

掌握综合技能。教师在指导学生掌握单项技能的同时,可以在仿真的任务或是公司里的真实项目中训练学生的综合技能。公司里的真实项目是对学生学习插画设计能力训练的载体,让学生可以直接了解市场需求,并且结合自身所学的专业知识应用到市场中,达到学以致用的效果,把课本上的理论知识和市场的实践相结合。让学生通过参与真实的项目从而练成解决实际问题的技能。指导学生在实际工作中真正训练出解决实际问题的综合能力。高等教育课程目标的最终目标,就是理论联系实际,让学生具有实战能力――解决实际问题的综合能力。插画设计课程不是单纯让学生掌握专业知识体系,而是要求学生掌握技术、知识,去完成某种指定的工作活动。所以,结合上面讲到的课程评价标准,插画设计教育课程的新改革有以下几点:教师要以插画基础知识为导向,突出能力目标,以学生为主体,以插画实训为手段,设计出知识、理论、实践一体化的插画设计课程。

参考文献:

插画艺术论文范文第4篇

关键词:纯艺术绘画 商业美术 CG插画

一、纯艺术绘画与插画的历史沿革和演变

纯艺术在20世纪60年代后产生了巨大变化,一方面,它不再从单纯地描绘物体和现实表现入手,而是走了一条标新立异的理念之路。所以,这造成了艺术教育与市场需求之间的一些落差。另一方面,市场上大量的海报和各式的商业美术仍需要人来完成,但在艺术教育领域内,其又拒绝和市场的需求配合,认为这是一种媚俗和降格的表现。所以,逐步地在教育领域内出现一种能起到接轨效用的学科建设,插画则正式承担了这一历史使命。从某种意义上说,插图是现在美术的核心,而纯艺术则是非绘画行为。笔者在四川成都美术学院教书多年,曾多次思考,绘画专业和插画专业的区别是什么?答案是,插图是动手画;艺术可以仅仅动口讲,画得也可以没有章法等。在有些学院中,绘画专业设置颇多,但在就业的时候,近80%的学生选择与商业插画相关的专业,如广告和游戏美术,仅从学生比例看,我们也可以看出社会和市场对纯艺术家和插图艺术家的需求有何不同。

二、插画与绘画的关系

所有插画都是从17、18世纪纯艺术慢慢发展过来的,当时很多画家也是插画家,一方面给教堂画画,自己也刻一些版画,如西方美术史上开拓浪漫主义艺术的先驱――戈雅等,甚至在某些时期,插画家与艺术家的工作性质没有区别。那些文艺复兴的大师们,他们也是在教会和皇室的委托下才完成各种各样的艺术创作的,创作也要计算成本和回报,表达的内容也是根据客户的要求和愿望,也和插画一样是叙事性的。

绘画追求的是一种永恒的东西,是人类文化研究的一种方式和人类精神世界的一种体现,同时也是历史的见证。插画则更像一种快餐,甚至在有些学生的思想里会认为其可以一画成名。其实,插画是绝对要画好的,且要有一个标准和分寸。插画不单纯是像纯艺术作品一样一定要画得很大,还要把它抠得很细,把像素抹得很均匀。现实中,很多插画家能够出名主要在其丰富的画作数量,而不是只在于画了几张多么细致精美的作品。

在插画中,对绘画要求比较高的有两种:一种称为日式的插画,有的人也叫它日本漫画;第二种称为美式的插画。这两种对绘画来讲相对要求较高,但在教师指导下学习的时候,到底选择日式还是美式的插画是个大问题。因此,客观地讲,风格选择的标准一般从以下两点出发:第一是市场选择的角度,比如说某个市场比较适应某种风格,那就应该多鼓励学生多做哪样的风格;第二种是根据学生的兴趣选择,兴趣所在就有更多的能力在。而事实上,这两点有时很容易被一些教师忽略。

插画从某种程度上,服务的是大众。如果没有市场,插画的需求何去何从。绘画和插画两者在本质属性和社会功能上是绝对不同的,创作者在画插画的第一天就必须清楚地认识到,画插画并不等于是单纯会成为纯艺术家,像拉斐尔的名作《海拉斯与水仙女》,还有很多世界名画,体现的都是当时的时代背景和审美情趣,而成为当时时代的一种文化见证。

三、纯艺术绘画与插画的几个区别

(一)创作理念

纯艺术绘画以反映所谓的真实为主,而商业绘画却在于表达虚幻的感受。

从早期作品来看,纯艺术绘画起着记录历史的作用,更是一种对真实的极度模仿。一个社会的精神风貌、人文面貌都可以透过一个时代的纯艺术画作得到整体概述,尽管在艺术形式上有着变化和发展,但其实质却是没有改变过的。

而与之相反的商业美术就追求所谓的虚幻的真实,反映的是现实中所没有的、但是人们幻想并渴望的东西。如美国电影《蜘蛛侠》可以说是以假乱真,但事实并非如此。再如日本漫画大多描绘的是社会题材问题,或是宗教等的神秘,有些作品在形式上相当写实,但实质上却是虚假的、夸大的。

(二)审美对象

一件纯艺术作品的好坏不是大众说了算,而是由专业的杂志和艺术评论专门撰稿人来表达。这种话语权的独断性决定了画家和艺术评论家之间的微妙关系。而插画的评论则完全来自大众,所以我们常会在网络上看到大量的爱好者对自己喜爱的画家评头论足。

(三)推广载体

纯艺术绘画从某种程度上是富人和投资人的宠儿。插图绘画艺术则是一种完全的服务性质的艺术,所以它对应的是出版、游戏以及影视制作等大众消费载体。

(四)商业渠道

纯艺术绘画的流通渠道多在博物馆和私人收藏家以及拍卖行手里。插图绘画艺术则主要是广告、出版等大众渠道。简单来说,纯艺术需要靠炒作而搏利,插画则更算是靠民众赚钱。

结语

总之,绘画分为纯艺术绘画与商业绘画,两者之间既有继承,也有着本质上的截然不同。做插画家,首先要找准自己的定位;其次要建立自信心;再次,插画家难有一画成名的可能,除非个人创作和某些项目绑定,项目成名后插画家才被人熟知,这只能说明插画的附属属性。所以,一般人在开始真正进入插画行业的时候,一定要意识到一个问题,就是一定要让自己的画有内容,要添加背景,与所画的东西挂钩,否则其创作就只是一张图,缺少意义;最后,一个插画家,一定要学会能够站在大众的立场搞创作,这是插画家生存必需而直接的观念。只有明白了这些道理,一个职业的插画家,一个成熟的插画业才能应运而生。

插画艺术论文范文第5篇

一、速写在插画设计中的作用

要想培养出优秀的插画人才,插画教育就要重基础,而速写在插画设计中扮演着重要角色。速写是一切绘画形式的基础,也是插画设计中一个重要的基础环节。在插画教育中,设置插画设计相关课程应从广阔的文化背景研究转向插画艺术领域的基础性研究。这种基础性研究是必要的。不但如此,还应该为学生提供动态性的研究课程,如解剖课、动画基础课、人体动态研究等课程。相对于其他课程的学习,动态性的研究课程能够使学生完整而深刻地理解插画设计的角度与手段。在教学的后半阶段,应增设插画制作、市场调研等相关课程,使之与基础课程相呼应与衔接。将插画设计作品投放到市场上,实际上是插画艺术的商品化,插画艺术的商品化过程也是学生逐渐进行市场运作的过程。将插画设计作品投放市场后的一系列信息反馈会弥合学生对于插画制作流程的生疏感,从而减少学生就业的压力,为插画艺术走向市场做好过渡与衔接。也只有这样,学生才会对插画产业形成立体化理解。插画教育课程的设置应从难到易、从抽象到具体、从理论到实践,这样会开阔学生制作插画的视野,使学生找到插画设计方向。从长远来看,在与企业或市场的合作中,即使对于插画设计业务生疏的学生也能快速找到属于自己的设计语言。可以这样讲,由于速写在插画设计中起到关键作用,所以速写应被安排在插画教育课程体系中。学生如果没有好的速写基础,是很难画出好的插图的。虽然速写也在进行观念的更新,但是它对于插画设计的重要基础作用是不会变的,插画设计离不开速写这一根本。速写与插画创作有着密切的联系,插画创作需要艺术家体验生活,并从中提取精华,而速写是艺术家记录生活素材、表达感受最好的形式,其可以为插画创作提供丰富的素材。速写还具有很高的审美价值。一幅好的速写作品就是一件独立的艺术品。对于艺术家来说,速写是一种可以伴随一生的绘画实践。

二、如何通过速写提高插画设计水平