艺术与文化论文范文第1篇

【关键词】 艺术作品；文化传播；意义；途径

艺术作品是从历史长河中遗留下的文化精粹，它凝聚着艺术家的思想和灵魂，镌刻着时代的印记，彰显着历史的脉络。将艺术作品呈现在大众视野之下，本身就是一种对作者创作精神的展现，更是一种艺术文化的传播。

一、作为符号的艺术作品

在社会传播中，任何信息都携带着意义，而任何信息也都必须通过符号才能得到表达和传递。作为非语言符号的艺术作品，也必然担负着符号的基本功能——表述和理解功能、传达功能、思考功能。德国著名的哲学家、美学家卡西尔认为：艺术是一种承担了特殊“表现”意义的符号，是一种在激发美感形式媒介中的表现，是大不相同于一种言语或概念的表现[1]。艺术家将其所要表达的思想赋予艺术作品，那么艺术作品就成为了承载着艺术家艺术思想的符号。而作为精神内容的意义或艺术家的艺术思想如果不转换为具有一定物质形式符号——艺术作品，是不可能在时间和空间中得到保存的。

二、艺术与文化

美国文化学家克鲁伯和克拉克洪在《文化：概念和定义的批判性回顾》中提出：文化包括各种外显或内隐的行为模式，通过符号的运用使人们习得并传授，并构成了人类群体的显著成就；文化的基本核心是历史上经过选择的价值体系；文化既是人类活动的产物，又是限制人类进一步活动的因素[2]。艺术作为一种特殊的文化形态或文化现象，在人类文化乃至人类文化发展的过程中都占有举足轻重的地位。苏联美学家卡岗认为：艺术是它所属的文化的反映和代表，从这种意义上讲，艺术起到了“文化自我意识”的作用，因为艺术仿佛是一面镜子，文化从中照见自己，从中认识自己，并且只有在认识自己的同时，才能认识它所反映的世界[3]。

三、艺术作品与传播

传播活动也可以简单的理解为符号化和符号解读的过程，即传播者将其所要传递的讯息或意义转化为符号，传播对象对接收到的符号加以阐释、理解其意义的过程。那么艺术家从创作作品到艺术作品被呈现在大众视野并被大众所解读的这个过程就可以视为一种传播行为。有些事物由于过于熟稔，大众已经对其失去了应有的感觉。而艺术能够捕捉到这些司空见惯的美好，海的声音、声调的韵律、人脸的轮廓、风景中光线的舞动，并将这些融入到艺术作品中，同时注入作者的思想。艺术作品常以这种鲜活的呈现去传播意义。

四、艺术作品与文化传播

从19世纪传播一词进入公共话语，美国文化一直存在着两种不同的传播概念：传播的传递观和传播的仪式观。传递观很容易理解，即一个讯息在空间传递和的过程。仪式观是指在时间上对一个社会的维系，不是分享信息的行为，而是共享信仰的表征[4]。在这里，我们将不去探讨和追问这两种观点的对立与偏颇。因为本身这两种对立的传播观并不需要彼此否定。大众对艺术作品的解读就是讯息—艺术文化在空间传递和的过程。艺术作品除了能体现出作者本身的思想之外，在某种程度上，它呈现着一个社会文化发展的态势。从仪式观的角度来看，传播的起源与最高境界，并不是指智力信息的传递，而是建构并维系一个有秩序、有意义、能够用来支配和容纳人类行为的文化世界[5]。艺术作品通过自身被附着的意义所建构出来的艺术文化世界，来吸引大众参与，并不是单纯的传递与获取信息，而是一种对现实的呈现。艺术作品的这种对文化的呈现以及大众对其的解读过程，就是一种艺术文化的传播。

五、艺术文化传播的框架

所谓框架指的是人们用来阐释外在客观世界的心理基模，所有我们对于现实生活经验的归纳、结构与阐释都依赖于一定的框架，框架能使我们确定、理解、归纳、指称事件和信息[6]。《传播关键词》这样来定义框架：框架就是选择的原则——刻意强调的、阐释的和呈现的符码。艺术作品的传播过程必然会涉及到框架的选择。只是艺术作品的框架是隐晦的，不易察觉的，这种艺术文化的传播是通过看似不经意的框架来建构意义的。简单说来，艺术家在创作作品的时候对主题、作品的表现形式（包括造型、线条、色彩等）、作品元素等的选择就是一个框架选择的过程。不同的主题所表达出来的内涵与意义必然是不同的。即使是同一主题，选择不同的表现方式，颜色、造型的不同，或是元素的不同都会表达出截然不同的意义。艺术创作的过程就是一个框架选择的过程，不同的框架折射出不同的思想内涵，通过框架来凸显作者想要表达的艺术思想。这种艺术文化的内容是艺术家刻意强调和阐释的，从某种意义上说，艺术作品的文化传播是一种带有选择性的传播。

六、结语

无论是艺术作品的创作者，亦或是生活大众，我们都应该深刻的认识到艺术作品对艺术文化传播的意义。艺术作品，以鲜活的形式为我们建构了一个艺术的殿堂。这个虚构的世界，却折射着社会现实与文化历史，更通过艺术作品的物质表现形式，将艺术文化世代传承。

【注 释】

[1][德] 恩斯特·卡西尔.人论.甘阳译.上海译文出版社，2004.198.

[2]彭吉象.艺术学概论.北京大学出版社，2006.55.

[3]马克思主义文艺理论研究编辑部编选.美学文艺学方法论（下）.文化艺术出版社，1985.368.

[4][5][美] 詹姆斯·W·凯瑞.作为文化的传播.丁未译.华夏出版社，2005.P5，P7.

[6]Owen Goffman Frame Analysis[M] .Philadelphia：University of Pennsylvania Press，1974.10-11.

【参考文献】

[1]郭庆光.传播学教程[M] .北京：中国人民大学出版社，1999.

艺术与文化论文范文第2篇

城市公共艺术的目的之一就是通过移情使受众群体产生亲社会行为，这既是公共艺术范畴的事也是文化社会心理学领域研究的内容。

公共艺术是近年来崛起的新的艺术形式，其概念学术界虽无权威的定义，但都认同公共艺术是以大尺度的、户外的、互动的形式为主的艺术。公共艺术的形式多样，可以是雕塑、可以是壁画、版画也可以是灯光艺术、纤维艺术、装饰艺术甚至行为艺术。它的核心在于：服务对象是社会公众，作为民主语汇它传达的是公共意志和公共精神，不是某个权利阶级的愚民工具。公共艺术具有公共性和参与性，要求将艺术的话语权下放到社会公众手里，艺术家是公共艺术活动的参与者而不是主宰者，社会公众对于艺术的态度不是远远瞻望而是平等对话。

当代社会心理学的主宰性理论视角是社会建构论，并在本世界迈向文化动态建构论。文化动态建构论关涉每个个体的文化命运，如文化认知和知识激活、文化认同和文化融合等重大主题。1我们每个个体宿命地生活在某种在地文化脉络而不是某种文化实体中，假借地方性的文化资源，我们成长为有地域烙印的人，依靠不断修补和提升的认知力，人逐渐穿越地方性的文化场景，加工异文化的体系，建构生动而动态的“多元文化的心智”（multiculturalmind）。

江汉路是指汉口江滩上，南起沿江大道，北至解放大道，贯通中山大道、京汉大道，全长1600米，宽度为10至25米，是武汉具有百年历史的商业老街。汉口江汉路是武汉城市的文化缩影，对于老江汉路的记忆，《汉口竹枝词·歆生路》有记载“前花楼接后花楼，直出歆生大路头，车马如梭人似织，夜深歌吹未曾休。”歆生路即现在的江汉路，由此可见，江汉路作为商业街由来已久，现在的江汉路更是时尚的聚集地。这里是老汉口文化与现代时尚碰撞的地点，在这个特殊的地区，公共艺术穿越时空将两个时间段的文化，连接柔和在一起，组成现在展现在大家面前的和谐景象。对江汉路文化社会心理的分析研究，对于创造更贴合武汉市民的故乡情节，又能对出来武汉的人讲述汉口昨天和今天故事的公共艺术意义深远。

二、公共艺术建立的江汉路市民的自我认同与文化自觉

1.认同是维系人格与社会以及文化之间互动的内在力量

所谓认同是个体认同自己属于哪个群体、那个社会位置、哪种文化的过程。勒温（Lewin,1948）曾提出：为了保持一种健康感，人需要一种强烈的群体认同意识，成为某个群体的成员可以给个体带来一种有助于促成正面自我概念的归属感。文化认同是社会认同的重要内容，它将个体所属的文化以及文化群体内化并产生归属感，艺术认同是文化认同的重要内容。在江汉路设置公共艺术作品的初衷亦是增强市民的文化认同，通过公共艺术提升归属感。2公共艺术的重要特征之一是参与性，这种互动的特性正好暗合了认同的来源，即认同是维系人格与社会以及文化之间互动的内在力量。

公共艺术与地域文化有着极为紧密的关系。一件好的公共艺术作品，必须具有三个重要因素：鲜明的地域性、构思的独特性、艺术的惟一性。鲜明的地域性是指作品具有的丰厚文化内涵与底蕴，深刻地体现一个民族、一个国家或一个地区、一个城市的过去、现在与未来，作品成为该地域一种精神的力量象征与展示。

由于在历史上曾经是租界，江汉路的老建筑多为近代租界建筑，在当代统称为“海派建筑”，江汉路上的“旋宫饭店”、“花旗银行”等建筑就是此类风貌。在第二次鸦片战争后沦为租界，江汉路作为汉口最繁华的区域之一，集结了璇宫饭店，孙中山亲笔所书“精益求精”店名的精益眼镜店，为抵制日货而开的国货百货大楼等老字号。在2000年2月开始动工，改建步行街至今，江汉路就在项金国等公共艺术家的努力之下，进行的不只是俞孔坚讲的那种城市化妆运动。营造属于汉口人的公共空间，就不能是“领导说了算，专家靠边站，老百姓门外看”的态度。

2.汉口的老市民生活片段与公共艺术产生的文化自觉

江汉路步行街上众所周知的公共艺术《热干面》、《挑水》、《验光》、《纳凉》由湖北美术学院雕塑系主任项金国教授设计，每个都以真人大小铸造，取材于老汉口的普通人。摆放在蔡林记附近即现在佳丽广场旁的，透着浓浓武汉味的《热干面》（图1）是老少皆宜的早点，是武汉独一无二的生活，与每个武汉人的生活息息相关。《挑水》（图2）则再现了武汉缺水时期，家家户户需有“水牌”才能担水回家洗衣做饭的历史。《纳凉》则是30年前至今武汉在炎热的夏日，特有的“竹床阵”的景象，在没有空调的日子里，武汉家家户户都将竹床搬到马路上，竹床的长龙就是“竹床阵”，特有的纳凉方式从地域的生活方式，渐渐变成市民文化的一部分。这样的取材，才是能体现公众本地情节的取材。这组公共艺术中那些具有历史感的、为人熟悉的因素，会给行走在步行街上的人们带来平衡感和归宿感。

武汉人对自我城市的认知，往往来源于对城市表象的摄取，同自我的主观意识，文化习俗等相结合得到的总体认知。这种认知与地脉文化有着及其紧密的联系，正是飘香的热干面、长龙竹床阵，让武汉人有家的感觉。虽然人的认知因个性心理特征有所差异，但是同为武汉人，相同的生活经历，让我们透过热干面有了对武汉这个城市准确的认识。正是江汉路上的这些公共艺术作品，让人们对于武汉这座城市的历史人文有了更直观的认同。同时，江汉路也通过这些公共艺术结合街道两旁的古典建筑、江滩及武汉特有的凤鸟纹等楚文化特有的元素符号一同体现武汉无与伦比的魅力。并通过公共艺术在提升江汉路的美誉度的同时，让在江汉路上漫步的市民获得地域文化认同感，并经由认同产生的归属感得到个体幸福的。

三、江汉路公共艺术的社会情绪与情感分析

当下步行街上公共艺术的设置，不仅仅是商业驱动的风生潮起，更是城市发展的大势所趋，也是市民的社会情绪情感的表达。公众在江汉路的公共空间中与“热干面”、“挑水”对普通武汉人的生活的歌颂、树立在街头的武汉的最有特色的动物“白鳍豚”雕塑，是对自然的崇敬和对生态的呼唤。这些公共艺术与市民的自身的文化认同，个性心理以及社会认知相互作用或彼此相互作用产生了某种正面的体验，是城市公共艺术的创作初衷之一。

艺术与文化论文范文第3篇

中国古代艺术审美教育，讲究琴棋书画一体，诗书画印相得益彰，从而达到综合审美教育的培养目的。我国的书法教育历来追求“心正则笔正”，通过笔墨来“正风俗，移教化”，所以人们常说“字如其人”、“琴音表德”。倘若把一个人的道德水准看作他学问的终极标准，那“琴棋书画”则是这一标准的具体表现。技艺的培养建立在德行修养的基础之上，也体现在自我人格的完善中。正如孟子所言“学问之道无他，求其放心而已矣”。在“以德立艺”的优秀传统中，发扬我国传统艺术教育思想，运用审美意象的感染力，提高人的综合艺术素养，进而实现人的全面发展和人格的完善健全，这是中国当代艺术教育值得思考的话题。中国传统艺术教育还有“神乎其技”的传统，高超的技艺往往会被神化，如顾恺之“画龙点睛”的传说、王羲之“画雨即下雨”的传说等。然而“神乎其技”必须“进技于道”，这才可能达到中国古代艺术教育的终极目标。“神乎其技”需要艺术研习者反复揣摩、刻苦训练，故有“熟能生巧，巧能生精，精可生慧”之说，并逐步克服呆板技法的束缚，在表现手法上运用自如。正如“庖丁解牛”表现的那样，不但表现出高超的技艺，也在认知层次有所提高。传统艺术审美教育在长期的历史发展进程中，积累了丰厚的经验，形成了优秀的教育理念与教育传统，发掘中华优秀传统文化中艺术审美教育的经验，对当代高等艺术教育有着十分重要的启示意义。现在我国高等学校一直以培养“以德立艺”“德艺双馨”的艺术人才为目标，这恰与中国古代的艺术审美教育理念相契合。随着我国现代教育体制改革的不断推进，艺术教育作为素质教育的重要内容之一备受瞩目。然而，艺术教育真正的实施和发展状况却不尽人意，来自社会大环境的压力加大，大学生就业机会相对减少，对专业知识技能要求的不断攀升，人们把更多希望寄托在学校培养的技能上，加上追求升学率以及与实际操作矛盾的教育教学方法，使得艺术教育在实际中没有得到足够的发展重视，甚至没有发挥其应有的素质效应。

二、高校艺术教育传承中华优秀传统文化的途径

(一)加强普及，积极引导，形成潜移默化的渗透力

艺术教育与中华传统文化相结合，即艺术的普遍性与中华传统文化的特殊性相结合。在艺术教育中，应自始至终以中华传统文化为基准。高校应当将艺术教育融入到每一位大学生的学习生活中，通过艺术教育提高学生的艺术审美能力和个人修养，然而，目前绝大部分高校将艺术教育课设为选修课，并不能实现艺术教育的普及，其原因在于部分大学生在入校前没有接受过艺术教育，缺乏对文学艺术的理解、缺少在艺术教育工作过程中的兴趣。如果完全采取自愿的原则使大学生对艺术教育课程进行选择，那么很可能导致部分大学生失去接受艺术教育的机会，无法弥补艺术教育的缺失，但如果采取强制性机制措施对所有大学生进行艺术教育，则有可能适得其反，导致部分大学生因不解、反感而对艺术教育产生厌恶、抵触情绪。因此，高校应当研究合理的教学体系，采取恰当的方法和形式，引导学生接受并学习中华优秀传统文化，增加艺术教育的影响力，提高学生的审美能力和个人文化素养。

(二)精心设计，注重品鉴，发挥经典作品的吸引力

高校艺术教育应当改变以往重艺技训练的思想，逐步转向重艺术欣赏和艺术审美的教育理念。大学生已经不是年龄的黄金时期，在艺术技巧、技法等基本功训练上，要比中小学生费力耗时。然而，大学的艺术教育，又不允许学生投入过多精力。面对这些“艺术技能”训练，显然不能成为大多数高校学生的兴趣所在。与初等教育学生相比，大学生知识储备优势明显，他们的认知与思维能力在大学学习中得到了很大程度的提高。因而，对于理性认知能力较强的大学生，可以尽可能地通过参观博物馆、艺术馆以及各种形式的艺术演出等，更多地去接触和感受艺术。另外，也可以不定期地举行各种艺术讲座、举办艺术活动等，在思想上积极引导，结合现场感受，促使大学生从理论上掌握中华民族艺术的特点，探寻蕴藏在艺术深层的民族文化精神，领略中华传统文化艺术的独特魅力。艺术教育应当是一个循序渐进、潜移默化的过程，通过不断学习和剖析经典艺术作品，从而达到提高大学生审美鉴赏能力乃至个人修养的目的。

(三)发掘传统，开拓创新，把握传统与现代的结合力

中国传统艺术文化是中国几千年发展过程中伟大劳动人民的思想精华、智慧结晶。徐复观先生在《中国艺术精神》中指出:“我国古代的教育以音乐为中心”，而“乐的正常本质，可以用一个‘和’字总括”。“和谐”一直以来被儒家所推崇，并以音乐为教育的中心主题，在音乐的感化中，人与人的关系变得“和敬”“和顺”“和亲”，进而呈现出社会的和谐统一。肇始于魏晋时期的中国山水画，是人们将自己复杂的内心世界和思想境界寄托于山水自然、表达于笔墨之下的产物。我国古代的建筑艺术更是将人们的居住环境融于自然，形成了中国独特的园林景观艺术。另外，中国的传统艺术器具也渗透着和谐之美，例如竹笛的清脆悠远、古筝的悠韵寂寥、琵琶的轻拢慢捻、二胡的绵邈深沉。当今大学生面对这些中华传统文化艺术时，在领略民族音乐、民族绘画艺术时，在感受传统园林艺术时，一定能体味到中华传统艺术在当今时代背景下依然未变的和谐、温暖、自然以及宏大的精神魅力。高校应当结合当今的时代背景和特征，开拓创新，引导大学生了解中华传统艺术，培养大学生的民族文化品格，并最终将中华传统文化艺术的精神传承下去，将中华传统艺术文化的精华发扬光大。

三、结语

艺术与文化论文范文第4篇

论文摘要：文化艺术修养能丰富人的知识、培养创新能力、塑造完美的人格形象,良好的文化修养是创造性活动的内驱动因;艺术修养有助于学生创造灵感的诱发。本文就如何加强文化艺术修养，来提升艺术学生的创新思维能力，为社会经济发展培养出具有创新能力的专业设计人才进行了探讨。 

 

一、艺术设计学生创新意识现状 

艺术设计是人类为了实现某种目的而进行的一项创造性活动，其基本特点是实用与美观的结合，即赋予设计物功能和审美的双重作用。设计活动是一项以审美创新为主旋律的创造性活动，设计过程就是围绕解决问题而进行的审美创新的过程，可以说没有创新，艺术设计失去了生命活力，也失去了生存的价值。在知识产权已经普及的今天，艺术设计本身所体现出的创新意识、创新能力等，更加受到了社会、企业、以及设计者本身的关注和重视。创新已成为艺术设计引领市场的灵魂，对于身为设计专业的学生来说，创新更为重要，是他们今后走上社会能否很好生存的法宝。然而就目前高校艺术生的创新能力来看，尤其是民办院校艺术生，普遍存在以下情况： 

（一）主动创新意识不强 

受传统应试教育模式的影响和制约, 有的学生缺乏创新的欲望, 头脑中未形成一种追求创新的意识; 有的学生不满足于现状, 想超越现实, 却又缺乏行动的信心; 有的学生虽然认识到创新的重要性, 但在生活中又不够主动, 缺乏创新的毅力, 一遇到困难就退缩, 没有勇气挑战新的事物; 在学习过程中,主动思考问题, 主动提出问题的学生不多。 

(二)拓展创新思维的想法不够 

创新思维是人们在认识事物的过程中，运用自己掌握的知识和经验，通过分析比较、综合提炼、抽象加工，再加上合理的想象和感悟，产生新思想、新观点的思维方式。创新思维是创新能力和方法的先导，是培养学生创新能力的重要环节。传统的 “老师授课, 学生听课” 的艺术理论知识教学模式, 缺乏必要的启发教育和学习讨论, 学生按照同一思维模式接受教师的教学观点和教学内容，在创新思维的深度和广度上、在观察的细致性和全面性等方面比较欠缺，不能拓展新思维。有的学生想去创新, 可他们不知道从何入手, 缺乏指导他们去创新的力量, 传统教学模式所灌输的单一思维方式, 未能为拓展学生创新思维提供必要的环境条件。 

（三）文化艺术知识的缺乏导致创新思维滞后 

在全国高考中每年的美术考生大军浩浩荡荡，蔚为壮观。由于高考对文化课单设了一个艺术类的文化考试科目，所以在高中时就把学生分了类，优秀的学生学理科，次一点的学文科，文科中再次的学生为了找出路，无奈地报考艺术设计，但他们没有绘画基本功，大部分考生匆忙补习三个月的素描，色彩就应对考试，考生中真正酷爱艺术设计的并不多，再加上本身文化艺术底子就差，在大学的设计学习中，运用相关知识进行创新思维的能力就比其他一些同学滞后。 

尤其是在21世纪，流行时尚文化的冲击，偏重于用电脑进行各种活动，轻视了书本的知识，忽视对文史知识的提高，尤其对传统文化，如戏曲、书法、艺术鉴赏等知识知之甚少，更不用说去进行启发式联想创意了。曾有教师在一堂广告设计课上布置学生以中国传统佳节为主题设计公益广告，要求文案撰写贯穿古代文人诗词作为烘托。不少学生由于对中国传统文化知之甚少，文案中的诗词文不对题，人非人、事非事，不知其意，错字连篇，闹出了让人啼笑皆非的笑话，创新谈何而言，思维方式也只能一度的停留在模仿借鉴上了。 

二、文化艺术素养在艺术创意中的重要性 

（一）文化素养在艺术创意中的重要性 

艺术设计，实际上是设计者自身综合素质（如表现能力、感知能力、想象能力）的体现。各个专业虽然对设计知识的着重面不尽相同，但对于“大设计”概念的关于美、节律、均衡、韵律等的要求是一样的。不论是平面的还是立体的设计，设计者首先要面对的是对所设计对象的理解——对设计对象相关的背景文化、地理、历史、人文知识的理解。没有文化根基，驾驭艺术设计时就难以达到纯熟的境界，难以挖掘艺术的深意。在设计作品中注入相应的文化内涵，已成为增强艺术设计作品感染力不可或缺的手法。尤其是中华民族具有悠久的历史文化，创造性地运用和发展本民族的特色，创意思维的源泉将会连绵不断。 

一个典型的实例，中国联通的标志是由一种回环贯通的中国古代吉祥图形“盘长”纹样演变而来。标志造型中的四个方形有四通八达，事事如意之意，六个圆形有路路相通，处处顺畅之寓，而标志中的十个空穴则有十全十美之意，洋溢着古老东方的吉祥之气。其创作的灵感来源于对中国历史文化和东方文明的传承观念的提炼，这就是典型的文化对创意的影响。 

（二）艺术修养在设计创意中的重要性 

艺术素养是创新灵感的来源之一。艺术修养，属于美育的范畴, 它主要指:文学艺术欣赏、审美能力、艺术才能等方面的教育培养。具体包括: 视觉艺术、听觉艺术、综合艺术、造型艺术，以及自然美、环境美的熏陶。艺术修养最终体现为审美的感情、判断和鉴赏能力。在人的成长过程中，对陶冶人的审美情趣、提高人的思维能力、增强人的判断能力起到潜移默化的作用。一部优秀的文学作品、一支动听的乐曲、一幅优美的画卷、一座造型高雅的建筑，无不给人以美的愉悦、感情的升华、心灵的震颤,让人体会到高尚、优美、庄严、宁静, 不仅能使人的大脑得到充分休息， 而且在艺术活动中能激发学习的兴趣和灵感。 

三、如何加强学生的文化艺术素养，提升学生创新思维能力 

（一）课堂上综合知识点，积极引导，变复杂为简单，变被动为主动艺术教育是应在教学过程中不断激发和提高学生敏锐的视知觉观察力、审美感受力和审美创造力。民办高校艺术生的性格特点在于他们对自己学习的自控力和自觉程度上很难把握，有些同学由于缺乏学习的主动性，上文化理论课时无精打采，更不用说课下读一些有关的专业书籍。对此，我们必须在平常的上课过程中就应该教会同学们养成多读专业书、多了解当代先进的艺术设计思想的好习惯，引发大家学习学科前沿知识的兴趣。同时还必须加强整合人文艺术教育的学科资源，让大学的艺术教育课渗透更多的人文内涵，而不仅仅是技艺上的传授。还要注意将美学、艺术史、设计史、艺术批评、艺术创作、艺术心理学等相关学科进行有效整合，加强专业指导和交叉构建。把复杂的艺术评论或者设计史通过简单有趣的方法概括归纳将给学生，同时让学生参与到调查、收集并研究不同时代，不同民族之间的作品，了解作品产生的时代背景和作者的生平阅历，进行ppt讲解，通过比较鉴赏并挖掘作品背后隐含的意义，这样学生的积极性也挺高了。 

（二）课堂外给学生提供资源、拓展知识，在实践中激发灵感 

利用我校艺术大楼图书阅览室这一平台，每学期购买一定量的图书学习资料，可以包括文学、史学、绘画、书法、雕塑、国内外优秀设计作品集、杂志期刊等，让学生定期的去借阅，并规定一学期至少要读两本书，并写出相应的提纲总结，把学到的知识进行一次公开的或者小班的课堂汇报，然后结合汇报给学生提出一设计主题，让其结合所看所学的知识进行一次贴近生活的设计体验，要紧密结合绘画技法、知识涵养和审美欣赏这三种与美术相关的能力在艺术创作中的运用，体现创作主体情感、意志、态度等个性化的元素，同时把这汇报和设计作为考核的一部分。那么这样学生的课外知识量不仅扩充了，而且也加强了思考的主动性，同时在开展设计活动的时候能自觉的引用课外知识，灵感也随着知识的丰富油然而生。 

（三）结合学生要求，举办各种艺术门类的专题讲座 

开办校园专题讲座一直是我设计专业所注重的，并且在这方面一直在做，学生从中还是学到了不少知识，但是这方面还做的不够好，应该涵盖各个方面，让学生自愿听讲、自愿参与、根据学生反映意见开展相关的讲座，这样无形提高了学生的参与感。高水平的专题艺术讲座集学术功能、教育功能于一体，能够帮助学生增强文艺知识，拓宽视野，扩展知识面，使学生学到许多在课堂上难以学到的东西，学生看的多，听的多，了解的多了就无形中会影响自己的思维模式，启发创作灵感。 

（四）走出校门，参与活动、增长见识、激发灵感 

走出校门，多去看看别人的东西，不论纯艺术绘画，还是设计作品，从中学习别人的长处，避免把知识禁锢于书本或是课堂。可以多参加一些各高校间的作品交流活动，参观一些名人画展，设计展；还可以经常去艺术馆、美术展览馆和历史博物馆去取取经；甚至在采风、考察活动中广泛了解当地民族特色文化，收集素材充实自己的资源库，目前很多艺术类高校都采取了最后一学期外出采风的模式进行教学，学生在旅途中将自己所看的，所经历到的用相机或者笔或者绘画的方式记录下来，在与他人的交流中虚心请教，比较观点、提炼精华、学习经验，慢慢的发现自己在多听多看多问中不断进步，从而获得更多的创作灵感。设计不是独立存在的行为，坐井观天的学习方式不可取，要在与其他学科的交流中寻找设计元素和构成方式。 

四、小结 

艺术设计的灵魂与本质在于创新思维。创新的能力来自一个人的素质、能力、文化蕴积和修养的综合体现。具有扎实的专业基础、良好的艺术修养和深厚的文化底蕴会让你感到设计工作别有一番情趣，让你在今后的职场中游刃有余。在今后的教学中加大学生文化艺术素质的培育，最大限度地开发学生的创造力成为目前我国设计教育应遵循的定位法则，也是提升学生的创新思维能力的有力途径。 

 

参考文献： 

[1] 杜大恺主编.清华美术3:艺术教育的当代境遇[j].北京:清华大学出版社,2006. 

艺术与文化论文范文第5篇

艺术类高校作为设计师培养的摇篮，培养学生的民族文化素养，增强学生的民族艺术鉴赏能力这种有针对性的设计教育势在必行。从教育出发，将民族文化融入到设计教育当中是解决问题的关键。

吉首大学美术学院立足武陵山片区，面对地方经济社会发展，培养文化素养宽厚、专业基础扎实、设计技能熟练的高级专门人才。主要通过以下几种方式进行教学，提高全院设计类专业学生的民族文化素养，强化民族意识。

一是通过课程教学，使学生系统地了解湘西的民间建筑、音乐、舞蹈、服饰、戏剧戏曲等门类艺术；掌握各门类艺术的基本属性、目的性、基本形式特征、发展规律、艺术风格等，从中总结出基本规律，探求其历史渊源，并培养学生从不同角度对民族文化与艺术进行了解并研究的能力；培养学生对民族艺术作品从形式美、内容美、材料美等方面，结合时代背景进行辩证分析，从中找出规律，总结特点，从而更好地应用于现代设计，提高学生的文化内涵与专业水平。

课程主要授课内容包括湘西戏剧文化艺术（大庸阳戏、辰州傩戏）、湘西歌曲艺术（桑植民歌艺术、土家族哭嫁歌、土家山歌、土语民歌、儿歌、酉水澧水船工号子）、湘西建筑文化与艺术（土家吊脚楼文化与艺术、苗寨建筑艺术）、湘西服饰艺术（土家服饰、苗家服饰）、湘西舞蹈（摆手舞、茅古斯）、湘西民间乐器（土家族打镏子、苗族咚咚喹）、湘西年画艺术、湘西刺绣艺术等。授课重点是湘西歌曲艺术（桑植民歌艺术、土家族哭嫁歌、土家山歌、土语民歌、儿歌、酉水澧水船工号子）、湘西建筑文化与艺术（土家吊脚楼文化与艺术、苗寨建筑艺术），难点是湘西戏剧文化艺术（大庸阳戏、辰州傩戏）等。

二是通过自编教材解决地域文化艺术的学习和研究。目前没有专门制定教材，需要老师自编，该领域的参考书有张士闪的《中国民俗学》（山东人民出版社，2008年出版）；齐涛的《民俗学导论》（山东教育出版社，2002年出版）；宁锐的《中国民俗趣谈》（三秦出版社，2003年出版）；郭立诚的《中国民俗史话》（百花文艺出版社，2005年出版），仅能作为参考，需要任课老师将民族文化与艺术“本土化”，但武陵山片区民族艺术的丰富，民族文化博大精深，如若要由单个任课教师完成自编教材任务量太大，又因民族文化涉及的门类艺术丰富，需要从各个门类对武陵山片区的艺术与民族文化有全面的、精准的理解，教学大纲仅仅为我们指明方向，需要进一步深化、模块化，将教材的模块与人才培养目标的三种能力结合起来。

三是扩大课程专业覆盖面。《民族文化与艺术》课程目前仅面向环境艺术专业开设，仅有24个课时。《环境艺术教学大纲》比较清楚地指出课程的内容大致外延，包括湘西的民间建筑、音乐、舞蹈、服饰、年画、刺绣等门类，也较明确地指出三点教学目标：了解大湘西有民族特色的文化与艺术、培养学生的民族意识、多方面提高学生的文化素养。介于课程特色与美术学院追求专业特色的关联，该课程可以基础课程或者专业方向课的形式循序渐进地进入视觉传达专业、数字媒体艺术专业、美术学专业的教学体系之中。

四是建立成熟的课程体系。课程的设置需要与人才培养的文化素养、专业基础、设计能力相结合，整个课程与单节授课都应将课程的内容的设置围绕文化的人、专业的人、设计的人展开。

课程的第一层需要重视武陵山片区的民族与艺术的厚度与广度，利用吉首大学的地域优势，培养学生的田野调研能力，善于从田野与现实生活中发掘设计资源与素材，并在调研中切身体会各种非物质文化遗产的精髓，培养其发现美的眼睛。

第二层面应关注环境艺术、视觉传达、数字媒体艺术、美术学专业人才培养方案的设置。在专业设置层面将课程前后进行合理配置，让课程优化值达到最大化。

第三层面是从具体的设计实践与课程中将设计艺术元素与设计艺术理念完美融合问题。将民族特色的文化与艺术潜移默化地渗透到各个设计领域，善于将现代创意理念与民族元素相结合，完成富有创意、特色、时尚的设计方案，形成本地域的文化印记，从而形成自身的文化创意设计的品牌。人才培养的三种能力与课程内容三大模块间的课程体系论证与实践是问题的重点。