人体结构绘画教学
前言：想要写出一篇令人眼前一亮的文章吗？我们特意为您整理了5篇人体结构绘画教学范文，相信会为您的写作带来帮助，发现更多的写作思路和灵感。
人体结构绘画教学范文第1篇
1 人体结构在动画教学中的重要性
人体结构，顾名思义研究的是人体骨骼和肌肉的结构，以及在动态姿势中各体块之间的关系。动画内容的载体是动画形象，动画形象的设计绘制离不开对人体结构的理解，所以动画教学体系中人体结构训练是非常重要的一课。动画片按美术风格可以划分为Q版、写实版两大类，现在国内动画片主流的类型为Q版，写实版较少，究其原因在于写实版对创作人员提出了更高的人体结构和动势规律的要求。另外，一些动画类学生毕业后从事的是游戏角色设计，这类职业对人体结构的掌握提出了更高的要求。
2 动画中人体结构和绘画专业人体解剖的联系和区别
很多动画学生甚至老师并不清楚动画中人体结构和纯绘画中人体结构的学习究竟有什么不同。两者在人体结构在学习训练上既有联系又有区别：
动画人体结构的训练和绘画中人体结构的学习在初期的切入点是一致的，随着学习的深入，差异性也随之增大。在写生上，绘画专业的绘画作品强调的是每幅作品之间的区别，写生者希望通过自己细致入微的观察，描绘出模特独一无二的体貌个性，而动画写生却希望从中寻求某种共性，类似于“杂取种种合成一个”的方法。动画写生要尽可能简化、概括，提炼出最重要的线条，这是动画的加工工艺决定的。在默写上，动画的特点更加明显。默写是在对人体动势规律熟悉之后，对人体瞬间运动状态的“编造”，创作的往往是平时写生所画不到的“高难度”动作，如腾飞、跳跃等，这些都是在高度理解人体构造、深谙人体动势规律后才可实现的。
动画人体教学，只有厘清以上两者之间的关系，才能使人体结构教学的方法清晰起来。
3 科学训练方法的探索
人体是部复杂异常的“机器”，206块骨骼639块肌肉，面对如此复杂的人体结构，什么样的训练方法更适合动画学生，这是我们一直在思考的问题。笔者通过教学实践发现可以从以下几个方面入手：
3.1 临摹
临摹绝不等于单纯的“照着画”，临摹是吸收营养的过程，因此临摹的作品要认真挑选，首先要选择结构严谨造型准确的画稿，笔者并不推荐初学者大量临摹欧美或日韩的写实漫画作品，欧美写实漫画结构严谨然而作者个人风格过强，比例一般比较夸张，日本写实漫画对人体韵律把握美妙到位，但有些作品肌肉穿插关系上严谨不足，初学者容易产生误解，因此需要寻找中庸而准确的造型临摹，如一些专业的人体结构绘画教程。
临摹要具有整体意识，适当的画些辅助线条以确定临摹对象的精确位置，还必须培养圆雕意识，如临摹正面的时候也要思考其侧面、背面的状态，分析人体肌肉的穿插关系，这点至关重要，关乎临摹的意义。
3.2 写生
人体写生时要避免出现局部“合理”整体“走形”的情况，可运用几何形体归纳法，所谓几何形体归纳法就是将人体看成一个个几何形体的组合，几何形体归纳就像建房子扎的框架一样，一切尽在“框架”之中，如胸腔，骨盆可以归纳成一大一小两个立方体，四肢可以归纳成八只啤酒瓶状的几何形体，该方法有助于整体理解人体结构，观察其透视关系。
3.3 默写
（1）默写的意义。默写是临摹、写生后的一个必然方向，也是迈向动画艺术的关键一步，默写有更高的要求，是作画者在熟知人体结构和通晓动势规律之后的创造性劳动，相对于写生和临摹它更接近于日后的动画角色设计和原画设计。
（2）默写的方法。默写也可采用几何形体归纳法，但这一方法在临摹时有局限性，比如我们用几何形体归纳一精彩的动势时，瞬间的奇思妙想可能就悄悄流逝了，我们需要寻找一个能在更短的时间抓住瞬间灵感的方法，“火柴人”训练法可以轻松胜任这一任务，所谓“火柴人”就是将人体按关节归纳成一根根的火柴杆状，如四肢可用八根“火柴”代替。这一方法可以有效记录下一瞬间的身体状态、动势，呈现一气呵成之势，然该方法也存在一定的问题，“火柴人”过于平面，对于研究透视关系比较不利，这需要较强的基本功才能克服。
（3）默写的原则。1）牢记人体重心所在。所谓重心就是人体重量的中心，位于肚脐附近。重心作用着人体姿势状态的变化，是设计人体动势时必须考虑的问题，只有解决好重心问题的动作才是合理可信的。2）性别决定动势。简单说来就是男女的动势规律不尽相同，如走路时男性是手臂带着肩膀摆动而女性则相反，因此做人体默写时要把握性别的不同导致的动势的差异性。3）性格决定动势，如内敛型和外向型性格表现出的动势是截然不同的，如同样为坐姿，外向者可能双腿自然分开，昂首双臂抱于胸前，而内敛者则可能双腿并拢双手放于身体两侧，身体微前倾。理解掌握默写的原则可使我们在默写时不至迷失方向，达到事半功倍的效果。
4 结束语
人体结构的学习绝非一朝一夕一招一式能解决的，它的学习也像其他绘画形式一样没有真正意义的捷径，都需持之以恒的坚持。笔者深知仅此文两千言难述人体结构学习之全部，谨以此文抛砖引玉。
参考文献：
[1] 何云，高妍玫.动画人体默写训练教程[M].高等教育出版社.
人体结构绘画教学范文第2篇
关键词：人物速写；高职院校；绘画技巧
人物速写虽然是一种艺术表现形式，但更多表达的是绘画者自身的情感。绘画不是一蹴而就的，需要绘画者长期基本功的积累和训练，而人物速写更是复杂。高职院校是我国人才培养的摇篮，高职美术教授学生速写技能是为了培养学生绘画的意识，艺术创作技巧，从而提升日后的工作能力。鉴于此高职院校应全面改革以往的美术课程教学模式。对人物的绘画创作应该把握基本特征，好的作品能够让观赏者感受到作者的思想、情感在其中的融入。为了促进高职院校美术教学水平的全面提升，本文就人物速写绘画的技巧进行详细分析。
一、人物速写简析
速写的基本要求就是创作者能够在较短的时间内完成作品的绘制。多数人认为速写的核心在于速，但事实上，写才是速写的核心。通过写，将人物的基本特征和作者的情感在作品中表达出来，完成速写作品的勾勒。而写的基础是要用作者的真实情感来描述，只有这些才能正确的描绘出客观事物。通过对我国多年来累计的优秀速写作品进行分析不难看出，优秀的作品均具有自身突出的特征，而这些往往与作者实际经历息息相关。高职阶段的学生毕竟人生阅历较少，要掌握速写技巧，一方面要加强理论知识的学习，使学生具有设计创作的基本功；另一方面要教授学生如果运用多种创作手法，打开思维，善于创新。目前人物速写在美术考试和能力测试中是重要的评价科目，这体现了社会人才培养对这项技能的重视程度，可以全面激发学生的创作灵感，使其在作品中融入自身的审美理念和个人情感。
二、人物速写教学现状与认知
近年来，高职院校已经将人物速写纳入主要教学内容。并且人物速写也是美术类学生参加高考时的必考科目，而学生考入高职院校后如何继续进行速写技法的学习是本文的研究重点。多数省份美术统考中都会把人物速写作为考试内容。然而高职院校在进行美术教学时常会遇到一些问题，高考过后，学生的思维陷入呆板，一些学生对技巧的掌握不够完善。而在技巧的进一步提升中，受到高职阶段教学方式的制约，对现实生活缺乏观察，很难捕捉到人体的特征。人体各个部位的比例具有一定特征，学生观察能力不够，在绘制作品的过程中，不能将形态差异很好的表现出来。因此，在高职教学过程中加强学生速写技法的学习十分必要，能够促进学生绘画能力的提升，并能够将自己的情感和个性融入到作品之中。
三、人物速写的注意事项
速写表达的不仅是作者的情感和心声，更是作者细微技法的真实体现。最早的速写是以草图的形式表现出来的，既可以认为速写是一种线条艺术，也可以认为是一种书写艺术。也就是说，人物的速写，注重线条的凸显，绘画者通过书写流畅的线条，增加人物的灵气。目前，速写不在向以前那样以草图的形式来描绘，而是逐渐形成了一种独立的绘画风格。但对于刚刚学习速写的学生，不能一味的强调速度和线条，而是要以提升基本功为前提，更注重写而不是仅强调速，使其作品更加生动的表现出来。在高职院校中，进行人物速写的学习可分为三个阶段，第一阶段加强技法的慢写练习，而第二个阶段则是要加强静态向动态的转化。最后一个阶段是实践创作，使学生的作品不仅具有技术上的优越性，还能表达出个人情感，这一阶段要求学生多做练习，要求对人物的面部特征、头部结构进行反复的绘制，一个作品完成后要紧接着第二个作品的创作，从而提升绘制速度。为了实现这一教学目标，在教学过程中应该注意如下事项：一是学生在速写时要逻辑清晰，特别是在画面上要体现出作者的气势，做好气息的把控。二是要有适当的放开，不能只守着人体的结构与比例不放，这一期间的灵感创作很重要。三是速写作者要控制好自身的情绪，使作画者始终保持积极的状态。
四、人物速写的绘画技巧要点
1、人体比例
人体比例是人物速写初学者最先应该掌握的技法。一般情况下，人物的比例都是固定的，学生应具备扎实的理论基础，对常态下人体比例关系有正确的认识。可以通过边学习边掌握的方式来加深对人体比例的认识。当然人体绘画要恰当的运用技巧，不能生搬硬套某些固定的标准，好的作品来源于作者的观察和构思，创作之前对人体的真实比例进行了有效的观察才能做出完美的画作。人体的比例也各不相同，如小孩的头部发育与成年人基本相似，但身体上的发育与成年人明显不同，观察过程中要注意细节。通常老年的骨骼会有一定程度的变形，不能按照绘画标准中的七个半头来绘制。对于一个成熟的画家而言，应该明白创作来源于生活的道理，因此要善于在生活中捕捉细节才能使作品更加优秀。高职院校的学生要对差异和细节有正确的理解，对美术中人体正常比例有准确的掌握。
2、掌握人体的运动规律
对人体的了解是人物速写的基础，特别是对运动规律的了解。人体的运动主要是依靠脊椎和下肢完成的，因此要求绘画者在日常生活中要对作品和现实中人物的胸与髓多做观察。特别要注意人体的中心位置，使作品能够对人体结构的基本特征有准确的描绘。人体产生运动并执行运动过程的主要部位是躯干和腰，作画时对腰部的扭动位置要描绘恰当。从高职教学的实际出发，对人体运动规律的绘画教学主要包含了三个方面：一是对人体进行概括和简化。对人体的头部、躯干以及位置特征有正确的认识，绘画创作与日常生活不同，要求学生对人体结构关系有全面掌握的同时，并了解其变化规律，作品既符合技术上认知，也符合艺术上的个性化要求。二是对人体的运用进行概括和简化。人物速写要求作者能够展现出作品的形态和神态，对其在时空中的运动方向有准确的把握，将表象记在脑海之中，完成作品从形到神的转化。三是对场景进行概括和简化。概括和简化的方法在人物速写教学中十分重要，通过简化可以使学生在短时间内对人物的形态和结构有正确的了解。场景也是绘画中的重要元素，场景具有多变性，这就需要作画者善于观察。准确地掌握了这三个方面的简化技能，能够使初学者人物速写的能力得到极大的提升。
3、人物速写的表现技法
高职美术教学中实践环节欠缺，这也是影响教学效率的关键所在。速写技法的掌握是整个教学过程的关键，学生要善用通过简洁的线条来呈现作品。下面我们将讲述几种表现技法：一是明暗表现法，人物速写如果没有场景和光线的映衬将显得单调，而采用明暗表现方法能够将作品的立体感更好的呈现出来。主要是借助光在物体上的照射，营造出一种体积感，引发观赏者产生视觉冲击。二是线面结合表现法，除了掌握线条的绘制技法外，面绘制也是速写应具备的技巧之一。在绘画作品的创作过程中，通过线面的结合，观赏者将感受到一种虚实结合的感觉。在人物速写过程中，以写实为主，通过写实将人物的特点准确的描绘出来，使人物的形态和神态更加生动。
五、总结
综上，人物速写是美术创作的必备技法，该技法的掌握需要有一定的生活经验。对于高职院校美术教学而言，人物速写技法要从技术上和情感上同时教学。培养学生人物速写技法，促进学生绘画能力的提升，教师不仅应该教授学生速写过程需要注重的细节，特别是对人体比例的掌握，并且要与实际相结合。就目前的高职院校美术教学来看，大部分是注重基础技法的体现，而忽视考虑作品中情感的融入，这一点需要特别注意，教师要在日常的教学中慢慢的影响学生，使学生意识到人物速写中融入情感的重要性，并通过自身的努力创作出更多更优秀的作品。
参考文献
人体结构绘画教学范文第3篇
关键词： 油画基础教学 空间 体积 结构
绘画是具体的实践操作过程，不能把它和抽象意义的观念相混淆，过分夸大观念的意义就会逐渐远离绘画的本体，然而轻视绘画观念对于绘画过程的参与指导又会陷入盲目肤浅的境地。这里我们强调的是写实绘画基础训练中所应培养建立的诸如空间透视、体积、结构等基础绘画观念，它是学生绘画基本素质的具体体现，对一些所谓的特殊观念不做分析。如果对此理解不够就会造成顾此失彼的问题：比如注意结构顾不了形体，顾了形体又忽略了结构；注意了透视变形、体积块面，却失去了形体的整体感受，等等。这些问题的解决就是我们整体运用各种绘画观念的过程，也正是探索油画艺术奥秘的乐趣所在，譬如有一天我们在下笔的时候既体现了造型、色彩，又体现了轻重、方向等笔意变化，我们的画面将会变得多么可人。
一、空间观念
“对于写实绘画，空间是一种虚幻空间，即视觉空间，画家们在二维空间的画面上表现三维空间的世界，即再现出貌似立体真实的视觉幻觉画面。关于绘画的虚幻空间，美国符号美学的创立者苏珊・朗格曾说，这种虚幻空间是各种造型艺术的基本幻象。构图的各种因素，色彩和形状的每一种运用，都用来创造，支配和发展这种单独作为视觉存在的图画空间。”［1］
写实油画的画面是有限的，而它所表现的范畴和反映的纵深感却是无限的。室内摆设的静物和广阔的自然风景都可以在同样大小的画面上得以显现。当我们面对一张空白的画布时，应该将平面的画布看作一个具有无限纵深感和宽阔感的空间，当我们手中的笔在画面上移动时可以感触到空间的前后远近推移，可以想象出视觉所及的所有客观和主观物象及空间形态关系。
画面的空间观念在学生练习中有着非常重要的作用。我们画一组有花的静物，不能单纯地理解为表现花的基本形状、体积、明暗和色彩，而应理解为表现以花为主体的一组静物在画面空间当中的不同分布关系。首先想到的是花及其次要物体在画面上的位置和占有的面积及周围空间的各种关系，然后才是如何表现这组有花的静物。
在写实油画中，空间的表达与形的透视变化和色彩的透视变化密不可分，因此，在基础训练中，必须明确并努力实践这一要点，从而强化空间观念的建立。
1.形的透视变化
对形的透视变化的准确把握是创造画面空间的最主要方法，也是画面构图的基石。虽然在油画教学中老师会三令五申透视的重要性，但犯这一错误的情况却是屡见不鲜，尤其在外出写生时表现得尤为突出：有的学生会将房屋等建筑物的消失线的方向弄反，有的学生随意地抬高或降低视平线，将远山随意升高或压低，殊不知你在画面上的任意为之会出现“失之毫厘，差之千里”的错误。分析以上情况，原因如下：（1）缺乏对基本透视知识的掌握理解；（2）缺乏对透视知识的主动把握和运用。要解决以上问题，首先要让学生掌握平行透视，成角透视，倾斜透视，曲线透视，阴影和反影透视的基础知识，其次要让学生明白绘画毕竟是个相对感性的手工制作活动。在绘画中我们不可能像绘图那样去寻找准确的灭点、余点，况且我们所谓的定点观察其实并不能真正做到，因为在画画时人不可能保持绝对的静止，这样一来，就出现了多视点、多视域、多视平线的情况，与焦点透视的规律产生了矛盾。此时，我们就需要探索一种简便适用的方法来准确把握透视关系，因为影响透视变形剧烈与否的关键因素是透视缩短的比例，同一个形及空间的透视变化是通过其比例变化来完成的，所以我们可以直观地称之为“透视缩小法”。
2.色彩的透视变化
由于空间距离的远近而引起物体色彩的透视变化称为色彩的空间透视。“这个理论首先由达・芬奇在16世纪早期总结出来。它基于这样一个事实，即我们周围的空气在任何时候都不是完全透明的，它总带有一点淡淡的蓝色。因此，在远处的物体比近处的物体更加模糊，且色调偏蓝。当然，这种效果也会随天气情况而变化的。在浓雾天气，百尺之外的树也会是灰蒙蒙的一团，而晴朗的天气里它在百米之外仍然清晰可辨。然而，无论气候情况如何，随着距离的增加，物体都会变得朦胧起来，而且颜色发蓝发灰。所以我们的潜意识已经学会把这种现象理解为距离产生的效果”。［2］在风景写生中，由于空间距离深远开阔，这种色彩透视变化的规律格外突出。而画静物时，空间变化不是很大，色彩的透视变化程度也相对较小，但要在画面中处理好空间关系仍需认真对待。
综上所述，写实油画的空间处理不外乎形与色彩两方面。形的透视变化是画面产生空间感的骨架，是色彩变化的依据；而色彩透视变化则给画面带来空气感的氛围，赋予画面以特殊情绪和灵魂。这是写实油画家的基本观察方法，是写实油画的基本艺术规律，也正是写实油画生命力所在。
二、体积观念
任何物体都是有厚度、有体积的。现代主义绘画之父塞尚主张将自然界的一切物体都当做圆球体、圆柱体、立方体、圆锥体等几何形体去理解，这对强化物体的体积感很有帮助。“初学素描的时候，最重要的是培养一种把任何东西都看作是简单几何形体的习惯。必须坚持这样做，它可以使你感受到形体的完整性，略过初学者容易关注的琐碎的细节。尤其是这样做可以让你从大体块着眼，增进你从整体出发的思考能力，应当使之成为一种本能的习惯”。［3］
当我们想在一张纸或一块画布平板的表面上创造一个写实造型的时候，能够运用简单几何体块来呈现形体是最有用。造型上与之有关的各种难题，诸如总体形状、比例、方位、块面、细节、明暗，还有线条，都可以作为简单几何体块来考虑，给予一一解决。
我们可以举这样一个例子，就是用体块的方法画一个头颅的侧面。初学者容易陶醉于细节的描摹，结果很可能画出一个很歪曲平面的造型。但如果你先把这个头颅理解为从正面看是一个蛋形，从后面看是一个球形，细节的描绘服从于总体形状，这样画看起来就显得整体有力。
我们要明确一点，体块并不等于方形的或是比较硬的笔触。在油画学习中，有些学生一味地在画面上摆笔触，觉得这样就能增强画面的体积感，孰不知这样的认识是相当片面的。试想，古典绘画大师的作品，笔触大都隐藏于画面之中，但画面所传达出来的体积感、厚重感却是那么撼人心魄，这一情况不得不引起我们深刻的反思。
在这里我们还需要强调的是，体块也并不直接等于体积感，只有准确、确切的体块才能达到表现体积感的目的，反之，它就会起到肢解、破坏形体的作用，从而远离造型的目的，使绘画者处于机械被动的状态。比如在学习中也不乏这样的例子，在人体写生时，有些学生面对一个活生生的、丰满圆润的女人体，竟然将对象在画布上肢解成支离破碎的大块小块，然后进行拼装，结果可想而知。这一现象警示我们，体块只是手段，体积感才是目的，我们应该将体块的方法转化为体块的意识，从而建立起很强的体积观念，调动一切绘画手段，诸如线条、明暗，去表现物体的体积感。
三、结构观念
结构这一词常常被笼统地理解为物体的构造，但结构在绘画中的含义比较广泛，绘画的结构是绘画的内在形式，是构成绘画各种艺术形式的骨骼。它不仅包括物象本身的结构，即解剖结构、光影结构、形体结构，而且包括画面的构成结构，即形式的结构。初学绘画者为了建立绘画的结构观念，适宜分阶段有侧重地对各种结构知识进行专项训练。比如画人体时，可先侧重解剖结构的学习研究，其次逐渐介入其它结构因素的强化训练。当然，绘画从来就是一个整体的能动操作过程，分阶段训练的目的是为了整合各种结构因素最终转化为绘画语言，为画面效果服务，切忌机械死板地片面对待。
掌握解剖结构是获得人物造型能力的根基，即所谓的“透过现象看本质”，“庖丁解牛”说的也是这个道理。物象的外部形态也体现着一定的结构关系，尽管它决定于内在的解剖结构，但它仍然有自己的外部结构特点。大自然中解剖结构是生动的、多变的，如果没有形体结构去归纳、概括，画面就会出现琐碎，会使绘画过程变成被动的，绘画者将陷入极度的苦恼之中。人体写生时为了表现出人体的造型特征，就必须在人体结构基础上动用人的理性思维进行形体结构的概括。“结构是人的理智创造出来的，人体本来没有结构，有的只是解剖，结构是人认识人体解剖的方式。解剖是向无限细致发展，而结构相反，是向概括和简化发展。结构意识是面对自然时的组织和布局”。［4］光影结构是自然物体在不同的光线和照射角度下呈现出的特定状态，准确恰当地把握光影结构对烘托画面氛围，逼真地再现客观物象会起到重要的作用。然而，光影结构是可变的因素，形体是不变因素，在特殊的光照角度下形体呈现的明暗现象会破坏形体的完整感，因此，我们不能完全照抄自然现象的光影明暗效果，要从理解形体的角度出发运用明暗。基于准确形体结构上的丰富明暗层次变化，是进一步深刻理解和生动表现对象的手段和方法。明暗光影的变化是受形体结构所制约的，把笔多用在结构转折处，自然能做到形色结合，反对脱离形体结构的明暗层次的涂抹。
物象的画面结构是物象结构在画面上优化整合的结果，它不同于物象结构，它也不是物象简单地在画面上的安排和局部的联系，而是物与“画”完全的融合，是画面构成的每一种形状、线条、明暗、色块、肌理等因素在画面中的合理安排和巧妙组合，是形成画面意义和画家所要表达意思的画面基础，是一种全新的结构体系，亦可称之为“构图”。野兽派的代表人物马蒂斯认为：“构图是一种艺术，画家运用这种艺术，以某种装饰手法把许多组成要素按他的处理排列起来，借以表达他的感情，在一幅画上，每一部分都将是明显可见的，他们扮演着画家要它们扮演的角色，不论这东西是主要的还是次要的……”在平时的写生训练中有两种倾向值得我们警惕：一是对画面构成感缺少认识，画面上出现的只是物像的形状“形”，而没有造型的“型”；另一种情况则相反，是只体现画面的构成关系而失去了物体的自然特质。对此，我们不可盲目偏向一方，不可走极端，最好两者兼顾，协调发展。
绘画作为一种艺术形式，任何程式化的机械操作都会抑制艺术思维的独创性、抒情性和综合性的发挥。这里提出各种绘画观念的建立旨在培养绘画初学者在绘画实践中对画面的宏观把握能力。学生在各自绘画实践的探索中，是不容易得到完善的结果的，这需要有经验的教师去引导他们，使他们得到一些他们必须得到的知识，从而建立起系统的绘画观念。
参考文献：
［1］苏珊・朗格著.刘大基，傅志强，周发祥译.情感与形式［M］.北京：中国社会科学出版社，1986：86.
［2］希尔沃德・莱斯特・库克著.诸迪，于冰译.向大师学绘画 油画技法［M］.北京：中国青年出版社，2000.10：31.
［3］罗伯特・贝弗利・黑尔著.朱岩译.向大师学绘画 素描基础［M］.北京：中国青年出版社，2003.8：81.
人体结构绘画教学范文第4篇
是借鉴绘画的基本知识,运用美术简练的绘画技巧,使美术简笔绘画与体育有机结合而形成的一种简图。体育绘图力求结构简单、线条清晰、动作形象。形态优美、惟妙惟肖地表现运动人体的动感、神韵与风采。
运动人体图
运动人体图是根据人体动态变化规律,运用高度概括和具有一定抽象的绘画手法,表现人体运动形态和运动技术结构的一种简图。人体图是体育绘图的核心内容。
教学组织图
教学组织图是指在体育教学训练课的组织过程中,根据教学内容、手段、对象、场地器材、队伍调动等因素进行科学的安排,将课的程序和方法等在教案上绘制成图。教学组织图包括教学流程图和体育游戏图等。
队列队形图
队列队形既是体育教学中的一个内容,又是团体操表演的基本内容。
战术配合图
战术教学与练习是球类运动项目教学训练的重要组成部分。在战术演示中的队员站位、跑位路线、运球及传球路线等配合要求,用文字表述极为不便,然而用战术示意图就可非常直观、清楚地反映出来。
场地器材图
场地器材在体育教学训练中的合理使用与安排,与提高教学质量关系密切。在体育绘图的使用中,场地器材图的应用很广泛,包括运动人体图都涉及场地与器材具体表现方法。
单线图
单线图除头部用圆形表示外,躯干和四肢都用一条单线来表示。在体育绘图中它是表现方法最简单,而且是易学易画的一种。它具有线条清晰和简便易行的特点,但表现力较差,常用于技术动作的速记和编写教案,应用范围较窄。
双线图
双线图是将人体的躯干部分用两条线来表示。它的突出特点是将躯干轮廓形态表现出来,能够较全面地表现人体躯干不同方位的动作形态,同时,双线图近似绘画中的速写,人体形态比较逼真生动,具有较好的绘画效果。但掌握双线图画法的前提条件,是必须掌握人体躯干的空间轮廓(运动)形态,既要掌握躯干的运动曲线,又要表现躯干的外形轮廓。
块面图
块面图除人体四肢(包括腰)用单线条表示外,人体的头、胸、髋由不同的几何图形表示。块面图有多种表现风格和形式,如稻草人图、木块图和黑体图等。它的特点是形体变化各异,具有一定的装饰性,有较强的直观感和立体感。在学习时要求掌握好体块的立体透视规律,以保证块面图表现方法的一致性。
轮廓图
轮廓图是依据人体各部位的外形轮廓特点,运用相对简单而概括性较强的轮廓线条来表示的。轮廓图的特点是对人体的主要部位表现得比较细腻,轮廓清晰,故而人体动作准确,形象逼真,图形直观优美。但绘图更为复杂,在掌握了一定的人体绘画基础后,方可较好地表现人体轮廓图。
体育美术字
它是变体美术字的一部分,只是它的内容从属于体育这个特定的范畴而已。它既保持着变体美术字的基本属性,又具有体育的特性。它的内容、使用范围都局限于体育这个领域。
装饰美术字
装饰美术字是用线条、图案或色彩对汉字的笔画或背景进行装饰,以增强字体的变化和美观。它以装饰的手法取胜,极具吸引力,最富有诗情画意,是变化体中应用范围最广泛的一种。同时在装饰美术字中,又有多种多样的手法,其中用得最多的是本体装饰、背景装饰、折带装饰、连接装饰、重叠装饰五种。
本体装饰
本体装饰是在字体的本身作一些线条和图案来进行装饰的方法。
背景装饰
背景装饰是根据字的含义,运用线条或图案设计一些背景,起到一种衬托作用,使词义更为突出、明显的装饰手法。
折带装饰
折带装饰是将字的各种笔画变成一条很长的彩带,在笔画的转折处用折带的方式进行处理,有的还把笔画之间连接起来,以产生一种飘逸感。
连接装饰
把字与字之间或者是字中的某些笔画连接起来,产生一种图案的效果,以达到装饰的目的的一种方法。
重叠装饰
是将字的某些笔画与另一些笔画,或者是一个字与另一个字的一些部分进行重叠的方法,以使之产生一种层次感。
人体结构绘画教学范文第5篇
关键词：素描教学；课程设置；结构；形式；材料
一、素描教学体系
乌克兰与俄罗斯在造型艺术上属于一个体系，在素描教学上也同属于一个体系。李天祥曾经在《乌克兰国立美术学院素描》一书的前言中指出：“这一体系源于欧洲文艺复兴，成熟于十九世纪，苏联时代集其大成，形成了今日与欧美有所区别的俄、苏体系。”①这一体系源于彼得大帝执政时期，在此期间，俄国全面学习西方，艺术方面则是按照法国和意大利的模式建立了皇家美术学院。皇家美术学院在造型艺术上严格遵循文艺复兴时期建立的造型体系，讲究透视、构图、结构、光影等造型手段和古典美范式的审美标准，通过从石膏像到人体的写生课程训练，以达到表现古典审美标准的理想造型。直到19世纪末期巡回展览画派的出现，才打破了这种标准化的造型要求，列宾、苏里科夫等现实主义画家是这一时期的代表画家。这批画家受到了法国现实主义思潮的影响，将目光集中到了普通劳苦大众身上，更多地关注现实、表达现实、批判现实，俄国绘画因此得到了发展，形成了继承文艺复兴的优良传统和深切关怀现实、表达现实的造型理念。20世纪初期，由于受到欧洲现代主义艺术的影响，许多俄罗斯和乌克兰的艺术家探索艺术民族化和现代化的道路，后来发展出了注重点、线、面的形式元素和表达情绪的抽象表现主义作品与理论。苏联时期艺术又回到了“功能化”的作用上，成为政治宣传的工具。这一政治上的要求逐渐在苏联蔓延，乌克兰国立美术学院也延续了这套体系，体现在素描教学上则是以具象写实的方法为出发点，以写生为主要训练模式。这套造型体系拥有独特的优势，使苏俄绘画在世界艺术潮流中独树一帜，具有鲜明的本土特征，但也阻隔了与欧美尤其是与其曾经学习的欧洲体系的艺术脉络。所以，许多画家在20世纪末期新世界格局形成后大量汲取现代主义的营养，在一定程度上突破了“苏派”的传统造型体系。如，乌克兰国立美术学院的素描教学较多地沿用了苏联模式的教学体系，以人物写生训练为主，重视基础教学，但在工作室教学中赋予素描教学更大的教学空间，教师有较强的自主性，能够按照工作室的研究方向形成自己的教学风格，所以在素描课堂作品中能够看到多元化的艺术价值取向。
二、素描课程设置
素描课一直是乌克兰国立美术学院的重要专业课程。在学时安排上，本科四年的总课时量为1377学时，仅次于油画课程的180时。在硕士研究生阶段则为351学时，也是仅仅少于油画课的594学时。折合到每一天来讲，就是周一至周五，每天5个专业课的学时中有2个学时为素描课程。这种大量的素描训练，造就了乌克兰国立美术学院学生过硬的造型功力。课程安排是从一年级起开始人物写生训练，从人物肖像逐步过渡到半裸胸像、人体半身像，再到全身人体。这样的训练要持续两年。时间的安排是每张作业4周，即40学时，均为长期作业。尺幅为肖像、胸像4开纸张，半身像2开纸张，人体1开纸张。这样的课程架构能使学生由浅入深地掌握人体造型原则，从而具备扎实的人体造型能力。大一、大二两年基础部的课程学习结束后，学生选择报考希望继续学习的工作室，导师本着择优录取的原则选择学生，实行双向选择，学生继续进入不同的工作室学习。乌克兰国立美术学院造型专业共有7个工作室，由7位导师各自主持，每个工作室按照导师的研究方向有不同的专业研究方向。这时的素描学时设置如同基础部，每天2/5的时间为素描课程，由专任的素描教师按照工作室的方向引导学生学习。工作室素描教学的课程设置与基础部的课程设置一样，由浅入深、循序渐进地增加课堂写生的难度。如，三年级第一张素描作业为男人体素描，在接下来的一学年里，学生要进行男人体不同动态、角度的素描写生训练。进入工作室的第二年，也就是四年级，开始进行女人体的素描写生训练，学生要在一年的时间里对女人体的不同动态及角度进行素描写生。在这两年的时间中，学生要对男、女人体进行全面的研究。到了五年级，也就是研究生阶段，开始进行双人体的素描写生训练。模特摆出不同的姿势，还会搭配衬布、静物等道具，这一阶段的素描要求对环境进行描绘。工作室的素描教学虽然有着严格的课程系统要求，但每个工作室在结合本工作室的专业特点的基础上独自设立适合自身特点的素描教学。如，自由创作工作室的主要教学目标是培养具有不同绘画风格面貌的学生，所以在素描教学中十分注重对基本规律的探究。教师尤其注重对结构知识的讲解，引导学生追求最根本的素描元素，因此要求课堂作业不过多地描绘环境、光影等表面因素。而宗教壁画工作室的学生将来要承担诸如教堂壁画等大型宗教绘画作品的绘制，体现在其素描教学中，首先是作业尺幅较大，在光线和衬布的设置上也较为讲究，经常设置不同的光源和不同质感的衬布组合，主要目的是训练学生处理气氛和通过不同质感的衬布营造画面氛围，较为注重光影、质感、环境等能够营造氛围的因素。风景创作工作室由于需要表现外光下的环境，所以在素描教学上设置有外光素描写生课程，目的在于使学生把握人物处在外光环境中的素描关系。大型纪念碑壁画工作室在素描教学中强调画面构成等形式因素，目的是为学生将来设计绘制大型装饰绘画打下基础。历史题材创作工作室则是让模特处在具有历史氛围的环境中，或是让模特穿着历史服装，这与该工作室的专业研究方向一致。传统架上绘画工作室则是选择具有生活气息的道具和人物姿态，强调画面感和绘画性的表现。
三、素描材料实践
素描的材料实践也是素描教学中的重点内容。在基础部里，教师要求学生用硬材料进行课堂写生，学生用铅笔描绘，纸张为白色素描纸，不允许使用炭笔、木炭条等软性材料描绘。这样做的目的是让学生掌握人体各个部位的结构组织关系，一笔一画地将人体整体和建构人体的各局部描画出来，不会因为材料而将局部一带而过，造成含糊、理解不清的结果。学生进入工作室以后全部使用软性材料进行描绘，因为在基础部中学生已经能严谨地描绘人体，已经掌握了人体结构，所以在接下来的时间里开始训练运用软材料增强素描的表现力。软材料素描一般使用牛皮纸，要先将纸打湿后裱在画板上，再在纸上刷一层明胶胶液，目的是便于擦和修改。软材料一般使用俄罗斯、乌克兰特有的素描材料，如索斯、歇宾、散基那、炭笔、木炭条等。索斯是常用的素描软材料，能够溶于水，可以进行干画法、湿画法和干湿结合法的绘制。索斯拥有不同的色彩，如灰色、棕色、白色等，所以可以结合不同的色彩进行素描作品的绘制。软材料素描在技法上一般是先做底色，这样能使画面形成一层色调，缩减了绘制中间色调的复杂工序，然后在这层色调的基础上继续进行绘画。画的过程中则是使用毡片蘸软材料色粉进行大面积铺色，再用笔勾线条和打调子等。
结语
