工艺美术运动的产生背景

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工艺美术运动的产生背景范文第1篇

“工艺美术”运动遵循拉斯金的理论，主张在设计上回溯到中世纪的传统，恢复手工艺行会传统，主张设计的真实、诚挚、形式与功能的统一，主张设计装饰上从自然形态吸取营养。他们的目的是“诚实的艺术”。他们的设计主要集中在建筑、室内设计、平面设计、产品设计、首饰设计、以及书籍装帧、纺织品设计、墙纸设计和大量的家具设计上。他们受到拉斯金美学思想的影响，但对于拉斯金强调的设计服务的社会主义的倾向，即设计应该为广大人民群众服务，而不是为少数权贵服务这个立场却并不完全认同，他们一方面反对机器美学，主张手工艺传统，另外一方面则主张为少数人设计少数的产品。这个运动大约开始于1864年前后，即莫里斯成立自己的设计事务所时期，由沃尔特・克兰和C・R・阿什比传到美国。

“工艺美术”运动起源与背景

19世纪下半叶，装饰艺术、家具、室内产品、建筑等，因为工业革命的批量生产、维多利亚时期繁琐的装饰使设计水平下降，从而促进了对设计的改良运动。这次对设计的改良运动的产生受到艺术评论家拉斯金等人的影响，参考了中世纪的行会制度，并得名于1888年成立的艺术与手工艺展览协会。

自英国工业革命后，生产力和生产条件的改变也同时改变了社会的经济、政治和文化，从而使设计进入一个新的领域与时代，这就是现代设计。虽然大量的工业产品投入到市场但是设计却远远落后，艺术与技术分离，二者不相结合，一方面工业产品外观简陋，设计粗糙没有美感，另一方面仍然使用手工生产为少数权贵使用的物品。

社会上的产品明显两级分化。但是社会的发展必然导致工业产品在消费中的统治地位，因为工业产品可大规模生产，成本较低，能为大众所接受。当时，设计师们主要面临两个问题，一是维多利亚风格的延续；二是不少知识分子对工业化来临的不接受。所以在1851年英国水晶宫举办的工业展品博览会成为人们对工业化设计认识的重大转折点。因为此次展览中，工业产品占很大比例，外形都相当粗糙，这引起了拉斯金等英国一部分艺术家和理论家的反感。他们通过批判机械化大生产，批判早起工业革命造成的负面影响，进而倾向于回归中世纪古典传统手工艺。以莫里斯为首的“工艺美术”运动开始在民众中倡导“手工艺与艺术结合”的理念，提出工艺产品要“美观与实用”的口号，打破艺术与手工艺的界限，努力使艺术与技术结合并创造出为大众接受的产品。

虽然工艺美术运动有相当大的一部分是对工业化的反应，但是从总的来看它既不是反工业的，更不是反现代化的。一些欧洲艺术家认为机器是必要的，但是它们只应该被用来减轻简单、重复的工作的劳苦。同时一些工艺美术运动的艺术家也认为产品应该是廉价的。这些试图寻找机器的效率与手工艺者的技巧之间的结合的人，觉得一个真正的艺人应该能够让机器做他想要做的事情。他们的这个想法与工业时代许多人相信的人类成为机器的奴隶的想法正好相反。

尽管在这个运动中设计师的个人特征比在古典式的设计中更突出，但是在这个运动中也有一些共同性的特征：“新哥特式”的影响、粗糙式和“乡村式”的表面设计、重复设计、竖直的和拉长的形状。为了表现出一个工艺内在的美，有些产品故意处于一个没有完成的状态，表现出一定的粗糙和坚固的感觉。在这个运动中也有一定的社会主义背景。这体现在要让艺人从他们的产品中获得满足的目标，这个运动认为琐细的机器生产的工业化过程使得工人丧失了这个满足。

“工艺美术”运动寻求将所有的工作结合到一起。设计师也用他自己的手来完成创造的每个步骤。“工艺美术”运动中也有些艺术家，比如莫里斯更喜欢为批量生产做设计，但是他们要求生产过程不导致劳动分工和艺匠手艺的丧失。莫里斯本人就设计了许多极易生产的地毯。

威廉・莫里斯的思想与设计

威廉・莫里斯是英国维多利亚时代的艺术家，工艺美术运动的产生大多数得益于莫里斯个人的努力。德国工业同盟和包豪斯同样是以莫里斯的思想为起点的一种继承和发展，从莫里斯到包豪斯是一个相对完整的发展阶段。但是，莫里斯对现代设计起到积极带头作用的同时，他又努力使历史车轮倒转，背负着传统与现代双重任务走向设计艺术的征途。

莫里斯最具代表性的作品之一是“红屋”的设计，使莫斯利找到了自己的艺术方向，得到前所未有的造物。“红屋”是莫里斯为自己未来婚姻所做的准备，由他的好友建筑师菲利普・韦布设计，莫里斯负责室内设计。“红屋”外观采用清水红砖、红瓦屋顶，造型简洁单纯毫无矫揉造作。内部室内设计大胆不受拘束，包括壁炉在内的设计无任何时期的繁冗装饰，完全功能化设计，简洁质朴。莫里斯设计了一个大型的书柜与长椅的组合体，也叫高背长椅，白色漆，明朗大方，装饰简洁。这种“纯粹与自然，以本质示人而毫不掩饰”的气质，明确预示了二十世纪的风格。这种纯粹品质的获得，得益于普金和拉斯金的思想传承。

“红屋”的设计不仅仅是从功能出发，部分吸取英国中世纪特别是哥特式风格细节来设计住宅建筑，摆脱维多利亚时期繁琐的建筑特点，同时还在于莫里斯从系统性设计方案出发，设计了整个建筑的室内、家具等等。“红屋”的建成引起设计界广泛的兴趣，使莫里斯感到社会上对于好的设计、为大众设计的广泛需求。他希望能够为大众提供设计服务。之后便开设了自己的设计事务所，叫做“莫里斯―马歇尔―福尔克纳绘画、雕刻、家具与金属制品美术工匠公司”，这个公司的成立被视为现代设计的发端。

莫里斯还是一位积极的社会主义者，他曾说过：“人既然要劳动，那么他的劳动就应伴随着幸福，否则他的工作就是不幸的，不值得的。”这体现了他主张社会平等和反对压迫的思想，但在其晚年却出现了矛盾的现象。一方面他的社会主义理想进一步发展，另一方面他的设计又变得越来越复杂和昂贵，他所接受的设计委托多是豪华宫殿的室内装修设计。这就导致了我们要想全面了解莫里斯，就必须将他的理论与他的实际工作分开。前者体现了他对未来乌托邦式的理想，后者又不得不与英国工业化的现实相适应。这种理论与实践脱节的现象正是这一时期设计改革家们的共性。莫里斯是一位复杂的人物，在政治上和设计上他是激进的，但他又深深地迷恋传统，间或还体现出强烈的浪漫色彩。他曾写道：“我的作品以这样或那样的形式实现了我的梦想。”

“工艺美术”运动对现代设计的影响

“工艺美术”运动对于设计改革的贡献是重要的，它首先提出了“艺术与技术结合”的原则，反对“纯艺术”，提出“工业产品要美观与实用”的口号，提出“艺术是所有人的艺术”，“艺术为大众”和“打破艺术与手工艺之间的界限”等一些可贵的美学思想。

在这场运动的影响下，美国在19世纪末成立了许多工艺美术协会，如1897年成立的波士顿工艺美术协会等。美国工艺美术运动的杰出代表斯蒂克利，受到沃赛作品的启发，于1898年立了以自己姓氏命名的公司，并着手设计制作家具，还出版了较有影响的杂志《手工艺人》。他的设计基于英国工艺美术运动的风格，但采用了有力的直线，使家具更为质朴实用，是美国实用主义与英国设计运动思想结合的产物。此后又相继出现了以法国、比利时为中心的“新艺术运动”，可以认为是将英国“工艺美术运动”扩展到欧洲大陆， 例如在“工艺美术”运动的设计强调“师承自然”，这种思想就被“新艺术”运动所借鉴和使用。以德国为中心的对于标准化、大批量生产方式探讨的“德意志制造联盟”到格罗庇乌斯创建的“包豪斯设计学院”无不受到“工艺美术”运动的影响。

从这个意义上来说，“工艺美术” 运动以新的装饰反对繁琐的装饰，主张精致、合理的设计，并保存了手工艺，对现代设计思想的形成有重要的影响。借鉴于此，我们的现代设计也应到古代传统造物思想中汲取营养，丰富现代的设计元素。例如我们可以借鉴经典的古典图案如明清家具中含有的纹样图案，将其运用到现代设计中来，既结合古典的美，又与现代相结合，充满人情味。尤其在现代，工业化大生产给人带来了方便和快捷的同时，也给人们带来负面影响，使人际关系变得较为冷漠，缺少人与人的沟通，在此种情况下，简洁、舒适、清新、环保、自然、人性化就成了人们所追逐的热点，而我国古代的“天人合一”的理念就越来越被现代的人们所接受。

结束语：

正如前面所说，“工艺美术”运动作为现代设计运动的先声，其影响较为深远，因而威廉・莫里斯也被称为“现代运动之父”。从整个现代运动的发展来看，受莫里斯影响的“工艺美术”运动更多从理论上做好了准备，虽然出现了理论与实践相脱节的现象，但其思想的影响无法磨灭。后期因为英国传统手工艺的根深蒂固，现代运动的中心转移到德国，通过“包豪斯”发扬光大，而真正的具有实践意义的“现代主义”却在美国落地生根。如此的转折反复，向我们展示了手工艺设计向工业设计过渡的复杂性。

工艺美术运动的产生背景范文第2篇

一、未来主义的特点

（一）顺应时展——对工业革命的“推崇”

顺应时代的潮流是艺术运动能够延续和发展的主要原因之一，但文中所说的并不是“水波逐流”的概念。而是能够抓住时代的脉搏，凭借自身的优势结合社会需求，从而拥有鲜明主张的艺术运动。在这里并不是要批判类似于发生在19世纪下半叶英国的工艺美术运动，因为他们所处的时代背景明显是不同的。工艺美术运动起源于在1851年英国伦敦海德公园的水晶宫所举办的第一个世界博览会，当时展览会上的与工业产品及其不搭的“丑陋”设计，引起了当时观看展览的约翰•拉金斯与威廉•莫里斯的注意，在展览结束后的几年里拉金斯一直努力企图通过理论来改变产品装饰，但一直由于缺乏实践的支持在当时并没有引起社会的广泛关注。直到作为工艺美术运动的践行者威廉•莫里斯为自己所设计的婚房——红房子的出现，这才引起社会的广泛关注，由此已引发了轰轰烈烈的工艺美术运动。但是工艺美术运动是在面对工业革命的迅速发展下产生的，当时艺术家对工业产品的产生持有不接受的反对态度，因为他们认为：“工业化进程一方面极大的促进了生产力的提高另一方面也引发了各种社会危机（事业、贫穷、童工等）一些具有民主思想的艺术家将这些社会问题归结于工业和机器”，所以他们对工业产品和工业革命发展持回避态度，并转向中世纪和自然界的设计风格，倡导手工艺产品。工艺美术运动也由于自身的“逆流而上”和自身的缺陷，像威廉•莫里斯所开凯尔姆斯科特出版社一样被淹没在历史的洪流之中，最终被新艺术运动取代。与工艺美术运动不同的是未来主义运动发端于20世纪的艺术思潮，当时人们已经历过第一次工业革命，并且始于19世纪中期的工业革命正在如火如荼的进行中。面对科学与技术结合产生的巨大创造力和生产力，正如未来主义的代表人马里内蒂在其未来主义的宣言中说到：“我们断言一种崭新的美——速度的美——使得世界更加的丰富多彩。一辆跑起来像机关枪一样发出尖利啸叫的汽车，远比萨摩色雷斯的胜利女神更美。”很多的艺术家和知识分子积极响应工业革命和大工业生产，他们赞美机械化生产。除此之外，未来主义运动还是意大利人为了找回原本是整个欧洲效仿对象的历史自信，所开始的一场主张与传统决裂的反传统运动。

（二）自由与反叛意识——强调运动的特质

“艺术史上没有一次运动像意大利未来主义一样，将矛头指向对传统的一切思想观念、文化，表现出极端的反叛意识与行为，亦没有有着反传统的主题、机器时代的元素符号与属于未来主义特有的动荡、眩光、激昂的感情。”这些评论正如1909年2月20日意大利诗人马里内蒂在巴黎《费加罗报》上刊登的首篇《未来主义的创立和宣言》。宣言讴歌现代工业文明、科学技术使传统的时间与空间的观念完全改变，因而主张未来的文艺应当反映现代机器文明、速度、力量和竞争。除此之外，宣言还诅咒一切旧的传统文化，强调现代都市是机器加速的动感世界，认为在枪林弹雨中转动的车轮和一直围绕在我们身边的工业噪音要比希腊的女神还美，主张彻底清除一切博物馆、图书馆和学院，为此他们高喊：“我们要歌颂战争，我们要催毁美术馆、图书馆，我们要在现代的首都歌唱革命，继续不断地燃烧书架，打开运河，淹掉美术馆的圆顶。”未来主义大师的安贝尔多•波菊尼的作品便是意大利未来主义主题的最好阐释，他在《街道进屋》中描绘的空间既然不是让人想要近距离接触和进入的空间，对于画作为观众所带来的舒适、愉悦空间代入感完全的消失。取而代之地是一个高速旋转、滚动的危险“物品”，在一定程度上刺激观者的感官，积极的调动人们的各个神经细胞，让观众随着即将倒塌的房屋及飞奔的马蹄一起体会画中的城市生活。除此之外还是有他的《空间中连续的独特形式》雕塑、《城市在上升》等作品无一不在宣扬作者的特立独行外，还具有未来主义运动的典型特征。由此可见未来主义剑走偏锋，以富有节奏感的运动代替传统艺术的沉思，以赞美机器和速度来凸显题材，以工业革命最为描述主题，倡导创作的自由和反传统的意识主张。

二、未来主义运动影响下的平面设计

（一）未来主义运动下影响下的平面设计特点

未来主义起源于文艺复兴的发源地意大利，他们有着浓厚的理论基础和在文学方面颇有建树的大家。所以对在经历过思想解放、又有理论积累的意大利发端的未来主义来说，它在理论观点的梳理和成型上具有先天优于其他艺术运动。未来主义在初期就形成了有着明显的反传统、倡导现代工业城市的理论指导，例如未来主义运动发起人——意大利诗人、文艺批评家马里内蒂在《费加罗报》发表的《未来主义宣言》，以后又相继发表《未来主义文学宣言》、《未来主义与法西斯主义》《未来主义戏剧宣言》等，一整套的未来主义理论主张。对于艺术评论家来说他们战斗的武器就是手中的笔，战斗的场地就是刊物和书籍，所以马里内蒂并不满足于在仅仅用别人的场地作为战斗的场所，他自己在1913年参与创办未来主义刊物《莱采巴》，并以此作为自己为未来主义奋斗的战场。他们在理论中强调的关于主题思想的阐述更是影响了20世纪其他文艺思潮产生了影响，包括艺术装饰、漩涡主义画派、构成主义和超现实主义、平面设计等，其中影响较大的是现代平面设计。现代设计和现代设计教育的重要奠基人之一、著名设计理论和设计史专家王受之教授在其《世界平面设计史》中曾谈到：“现代主义中未来派、达达派和超现实主义、（荷兰）风格派、至上主义、俄国构成主义，在这个世纪直接影响了视觉传达的造型语言和视觉传达。”其中的未来派也就是现在文中谈到的未来主义。它在平面设计中的主要影响就是自由版式和自由字体的运用，未来主义下的平面设计强调无政府主义式的、反常规设计。在马里内蒂《未来主义与法西斯主义》文中，它的版式设计和文字便是未来主义下的平面设计表现特征的典型代表。

（二）未来主义运动对平面设计构成成元素的影响

在现代平面设计之前的招贴设计的基本构成元素图形、文字等一些基本的元素，并且它们的作用基本上是记录储存人们思想意识、历史变迁的一些具有简单的社会功能。等到发展到近代的时候，随着工业革命的产生和人们经济水平的提高，它从原本的艺术体系绘画、雕塑中独立出来，成为一门独立的学科，设计一词开始产生，平面设计一次也开始被人们广泛应用，并且拥有很多明确的划分。就现在而言，平面设计是把平面上的几个基本元素包括图形、文字、字体、插图、色彩标志登等符合视觉传达目的的方式组合起来，是指成为批量生产的印刷品，达到准确的视觉传达功能目的，同时给观众设计需要达到的心理满足。而把未来主义对平面设计的影响可以说是涉及平面视觉构成元素——字体、插图、色彩、图形、版面以及平面广告的视觉流程等具体的视觉要素的方方面面，而具体的把未来主义运动在平面设计中运用的践行者就是佛塔那多•德皮罗，他把未来主义的艺术纲领中强调的“共时性”彻底的践行到他的商业广告设计中。

三、总结

通过未来主义运动与工艺美术运动的对比基础上，所刨析出的未来主义的特点可见，能够直击人心、勇敢的介入当下并反应时代特点的美术运动总是能在艺术式中占据有利的发展位置，并且在其他领域也能产生深远影响。由于未来主义强调运动和自由的主张，所以通过对在未来主义影响下的平面设计特点以及平面设计的构成元素，可以发现未来主义对平面设计的影响主要体现在平面设计中的自由版式和字体方面。综上所诉，我们可以通过对未来主义对当时平面设计影响，来系统地了解当时平面设计风格、特点转变的原因，由此补充前人在未来主义与现代平面设计方面的确实。

作者:张培源 单位:山东工艺美术学院

参考文献：

[1]张乃沃.中世纪建筑艺术与工艺美术运动的家具设计.[J].装饰,2004:5

[2]马勇建.现代主义20讲[M].上海社会科学出版社,2005

[3]钱江.绘画传统的决裂与颠覆：未来主义与达达主义.[J].艺术评论,2013:8

[4]余珊珊译.未来主义的基础宣言.吉林美术出版社,2000

工艺美术运动的产生背景范文第3篇

关 键 词：现代设计 装饰 设计风格 变迁

起始于18世纪下半叶的英国，以大工业时代为背景的情况下变化和发展的现代设计历经18世纪末和19世纪的萌起、20世纪的发展和成熟进入21世纪多元化的发展。装饰自人类之初就存在于创造活动中，在现代设计时期装饰更是设计活动中不可分离的构成要素和内容，它以形式美的审美特质，激发人类爱美的欲望和对审美的需求，在某种程度上现代设计实践和设计理念中装饰动 机和形式的变化，表现为一种螺旋式的轮回。

一、自然主义装饰动机——现代设计萌芽期

西方现代设计萌芽期，经历了工艺美术运动、新艺术运动，其设计理念中都强调了设计的形式美，通过装饰赋予设计生命活力，进而为人们的生活增添情趣。

工艺美术运动的发起者莫里斯曾在1880年发表的《生活之美》说过：“不要在你的家里放一件虽然你认为有用，但是认为并不美的东西。”表明工艺美术运动虽然主张设计的诚恳，反对设计上哗众取宠、华而不实的趋向，讲究简单、朴实无华和良好的功能，但亦重视设计的形式美感，手法上推崇自然主义和东方艺术形式的装饰，特别是日本式的平面装饰特征，采用了大量的卷草、花卉、鸟类等为装饰的动机。

工艺美术运动自然主义的装饰风格在染织品设计中的表现尤为突出，莫里斯本人最热心于纺织品的纹样设计，其设计图案往往采用植物的枝蔓和花卉为动机，枝条中有小鸟歌唱，充满浪漫的自然主义气息，其追随者莫顿·阿比延续了这种自然主义装饰动机，自己开设染织工场，生产各种地毯和挂毯，称为“汉姆史密斯式”。其次在书籍装帧、陶瓷设计、家具设计中都有体现。（如图1）

1865年，琼斯在《装饰的句法》一书中曾声称：“形式的美产生于波浪起伏和相互交织的线条之中。”预示了后来以弯曲线条为主要装饰形式的新艺术风格（Art Nouveau）。新艺术风格在工艺美术运动之后大约19世纪末20世纪初开始在欧洲流行，新艺术运动的理想是为尽可能广泛的公众提供一种充满现代感的优雅，接受了工业材料和制造工艺，但在形式感方面不喜欢过分的简洁，强调装饰性。

新艺术运动风格受工艺美术运动的影响，延续了自然主义装饰动机，但在装饰形式却避免对自然的完全模仿，表现为崇尚热烈而旺盛的自然活力，主张保留其内在的某种具有生命活力的装饰性因素，寻找自然造物最深刻的本质根源，发掘决定植物、动物生长、发展的内在过程。

新艺术运动在西方各国的名称各异，但是风格上保持了相对的统一，大批设计师参与到该风格的设计中来，创作了大量优秀的新艺术风格作品。如法国埃克多？吉玛德的巴黎地铁入口，比利时维克多·霍尔塔布鲁塞尔都灵路12号住宅室内设计，西班牙安东尼·高蒂居埃尔公园，美国芝加哥学派路易·沙利文“斯科特”百货公司入口设计等等。这些作品中典型的装饰纹样都是从自然草木中抽象出来的，流动的形态和蜿蜒交织的线条，充满了内在的活力，体现出蕴含于自然生命表面形式之中的无休无止的创造过程。（如图2）

二、形式追随功能，反对装饰——现代主义运动

现代主义设计大师米斯·凡·德·罗提出：“少就是多”，奠定了现代主义运动功能主义的特征。“现代设计风格”是为全体大众服务的，通过倡导“功能第一，反对装饰”的设计宗旨使设计大大降低了成本，从而达到民主的目的，这是现代主义运动批判“装饰即罪恶”的主要根源。

现代主义运动兴起于20世纪20年代的欧洲，经历了德国工业联盟、荷兰风格派、俄国构成主义运动的发展到包豪斯学院的建立成功确立了现代主义设计思想，二战后传播到美国最后影响了全世界。

从装饰观念上来看，现代主义设计强调形式为功能服务，但并非不注重形式，相反强调形式的简洁和理性，采用非装饰的简单几何造型和中性色彩计划，以适应标准化和批量生产。尤其是包豪斯学院在基础课程中三大构成理论的确立，为现代设计风格的无装饰的装饰效果奠定了理论基础。但是从另一方面来看，现代主义最后发展为单纯到极点、少则多、冷漠而理性、千人一面的国际主义风格，势必会引发对它的反对，以及装饰动机的再次复苏。

三、工业发展大潮流下装饰动机的延续——装饰艺术运动

装饰艺术运动是与现代主义同时兴起的设计运动，受现代主义运动的影响，展开了对工业化、机械化的设计形式语言的探索，从而采用大量新的装饰动机使机械形式及现代特征变得更加自然和华贵，并设法把豪华、奢侈的手工艺创作和代表未来的工业化特征合二为一，与之前的艺术风格有所区别，从而产生新的艺术风格，但本质上与之前的工艺美术运动和新艺术运动都同为“装饰”运动。

在工业发展的大潮流下，装饰艺术运动能延续对装饰动机的坚持，这与它的精英主义，或者说为一小部分富裕阶级及权贵服务有关。我们可以发现，装饰艺术运动影响到的国家主要有法国、美国、英国等工业革命最彻底的国家，但它的影响力是全世界的，甚至在中国上海也能找到装饰艺术风格的作品，这些国家和地区的共同点是物质丰裕，经济发达，聚集了大量的社会财富。装饰艺术运动的这种传统设计立场与在意识形态上追求无装饰的，强调民主性、大众性的现代主义设计有本质上的区别。

装饰艺术运动常用设计语言的源泉多样，使得装饰艺术运动不像复古主义那样抱着历史样式不放，也不像现代主义那样完全抛弃历史，它走的是全新的一条路。当时考古学上的重大发现、传统艺术及原始部落艺术的启示、舞台艺术影响，给设计师众多的灵感。在设计形式上，装饰艺术风格往往以贵重金属、宝石或象牙等高档材料表现出来，因而给人以新奇和时髦的造型感受，弥漫着贵族高雅的情调；造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰，色彩强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色，造成强烈、华美的视觉印象，与以往讲究典雅的设计风格的色彩运用大相径庭，在其独特的色彩系列中、鲜红、鲜蓝、橙黄、鲜橙以及金属色受到特别的重视，达到了绚丽夺目甚至金碧辉煌的效果；趋于几何但又不过分的强调对称，趋于直线但又不过于直线；在色彩上具有鲜明强烈的色彩特征与以往讲究典雅的设计风格的色彩运用大相径庭。在其独特的色彩系列中、鲜红、鲜蓝、橙黄、鲜橙以及金属色受到特别的重视。通过色彩的运用，使其设计达到了绚丽夺目金碧辉煌的效果。（如图3）

四、装饰动机强势回归，历史、折衷主义、戏谑、文脉主义表象下对个性、情感、生命力的追求——后现代主义运动

1966年罗伯特·文丘里在他的著作《建筑的复杂性和矛盾性》提出“少即是乏味”，成为一场反叛现代主义设计的思潮和设计运动的宣言。

这场运动在20世纪60年代萌芽，于70、80年展壮大，它的出现主要原因是随着物质的不断丰裕，传统现代主义单调、缺乏人情味、理性而冷酷的面貌不再适合人们的审美需求，由此引发了追求富于人性的、装饰的、变化的、复杂的、个人的、传统的、表现的形式，以塑造多元化特征为目标，设计风格多样的后现代主义运动。从严格的理论上，后现代主义并未进行本质的变革，而是单纯从形式因素的角度批判和反对现代主义，是一种风格样式。

罗伯特·斯特恩曾将后现代主义的特征归纳为文脉主义、隐喻主义和装饰主义，在设计形式上喜欢用古典的建筑元素，因受大众化和通俗文化的影响，往往戏虐地使用古典元素，同时喜欢采用隐喻的设计手法，广泛使用各种符号和装饰手段强调建筑形式的含义及象征作用。后现代主义的设计领域主要是建筑设计，文丘里、查尔斯·穆尔 、詹姆斯·斯特林、迈克尔·格雷夫斯等设计大师都曾留下优秀而经典的后现代主义风格建筑作品。（如图4）

后现代主义以强大的包容力融合了多种装饰动机和手法，其开放性又使它并不排斥似乎将成为历史的现代主义风格，因此在后现代主义运动逐渐消退后，新现代主义、解构主义、高技术风格、新民族主义等等设计风格或流派层出不穷，以及当下对环境、人性的关注，我们的设计进入多元化时期，

值得注意的是，在80年代的后现代主义时期掀起对20、30年代装饰艺术运动风格的研究风潮，相隔半个世纪的两种风格之间有了千丝万缕的联系，再次验证了经典的设计风格和样式会经历几十年甚至几百年轮回一次，比如在西方传统设计史中对古希腊、古罗马古典样式的复兴出现多次。

西方现代设计不到两百年的历史发展中，装饰动机和形式不断变化和轮回，这与社会物质和人文环境有很大的关系。我们可以看到物质基础是设计能够注重装饰的前提，不管是工艺美术运动、新艺术运动还是装饰艺术运动的服务对象都是有钱阶级，甚至到后现代主义阶段也是源于人们的生活逐渐富裕起来了，对美的需求增强，而反对装饰的现代主义的设计理念追其根由是为了节约成本为更多没有钱的大众服务，因此，物质条件决定装饰动机和存在价值；另一方面装饰手法的变化与社会人文环境息息相关，英国传统田园式的浪漫主义情怀推动了现代主义萌芽期对自然主义装饰形式的热爱，而古埃及帝王陵墓——图坦哈姆墓黄金制品的考古发现、非洲原始部落艺术的推广甚至摇滚乐的传播都影响了装饰艺术运动风格，当下我国对传统文化的挖掘与提倡，推动了设计领域新民族主义风格的兴起。

总之，装饰是现代设计不可分割的一部分，对西方现代设计发展过程中装饰动机和形式变化规律的分析和把握，有助于我们更清晰的认识当下设计的发展的动态和趋向，帮助我们找到与时代气息契合的装饰理念和手法，以适应现代人追求简约而不失细节的审美要求，引领人们走出充满诗意的、生活情趣的和生命活力的人生。

参考文献

[1] 王受之.世界现代设计史.中国青年出版社，2006.9

[2] 朱怡芳 宋炀.中外设计简史.中国青年出版社，2012.1

[3] 朱和平.世界现代设计史.合肥工业大学出版社，2011

[4] 敖力琦. 现代西方装饰艺术设计思维探源.东北师范大学2008.6

工艺美术运动的产生背景范文第4篇

关键词：新艺术运动；自然主义；曲线；植物

一、产生的背景与其风格特点

19世纪末，随着西方工业革命相继完成，欧洲经济空前发展，人的能量和价值被充分的彰显，对于机器大生产的粗制滥造已经不能满足人们的精神和物质的需求。 而当时设计界到处弥漫着由工业革命造成的廉价、俗气的装饰品和过分矫饰的维多利亚装饰品，使传统的装饰艺术成为了一个为装饰而装饰的东西。弥漫欧洲的繁琐矫饰的维多利亚风格和巴洛克装饰风格以及工业时代大生产所产生的粗糙低劣的机械化产品 ,引起设计师的普遍反感 , “新艺术” 运动出于对以上潮流的反对重新掀起传统工艺的重视和热衷。

新艺术运动完全放弃任何一种传统装饰风格，完全走向自然风格，强调自然中不存在直线，强调自然中没有完全的平面，在装饰上突出表现曲线，有机形态，而装饰的动机基本来源于自然形态[1]。这种风格中最重要的特性就是充满有活力、波浪形和流动的线条。象是使传统的装饰充满了活力，表现形式也象是从植物生长出来。

新艺术运动在建筑风格和室内设计方面，避开维多利亚时代折衷的历史主义。通过新艺术运动设计师的挑选和“现代化”某些洛可可风格中萃取的元素（例如火焰和贝壳的纹理），代替从历史衍生和高维多利亚风格的根本结构或写实自然主义的装饰。新艺术运动主张运用高度程序化的自然元素，使用其作为创作灵感和扩充“自然”元素的资源，例如：海藻、草、昆虫。相应地，其开始广泛使用有机形式、曲线，特别是花卉或植物等。日本木刻画以其曲线、图案外观、强烈对比的空间和平坦的画面，同样启发了新艺术运动。自此以后，从在来自世界各地的艺术家作品中，都能发现其中某些线条和曲线图案成为绘画中的惯用手段。简单的说，哥特式、洛可可式和日本浮世绘是新艺术运动的三大源泉。[2]一个重要事实是新艺术运动没有象某些其它运动(例如：工艺美术运动)那样否定机器的作用，而是发挥其所长。根据材料的使用(主要是使用玻璃和锻铁)，使建筑风格方面，也能找到象精雕细琢般的品质。到了20世纪初，这场运动已经在法国搞得有声有色、如火如荼了。

二、以埃克多・基马里为代表的新艺术运动作品分析

1.埃克多•基马简述

赫克托•基马于1867年出生于法国里昂，是法国“新艺术”运动时期，设计组织“六人集团”中成绩最为卓著的一个。是建筑师、家具设计、装饰艺术家。由于他的研究建筑，像其他许多法国19世纪的建筑师，进入了巴黎美术学校（Cole Des Beaux Arts)学习。那里他结识了理论家尤金艾曼纽维奥勒勒迪克。自1863年以来，这些理论家的思想，为新艺术的结构原则的提供了基础 。

基马的风格以自然装饰为主，他的建筑及装饰工程的特色是流线型、有活力的曲线的灵感来自大自然，如花朵、茎、卷曲的须和枝干。基马在 1895 年拜访了霍尔塔 (Victor Horta) 的塔榭尔住宅 (Hotel Tassel) 后，受到霍尔塔前卫的新艺术设计风格的影响很，改变了基马原本的保守风格。基马在基本造形上强调了纤细、质轻和有机曲线的自然装饰图案。以及使用了强烈对比的材料，如木材，铁和石头。所做的室内设计、家具、建筑、以及字体设计大部分以直线搭配曲线的装饰风格。

基马最重要的贡献是设计了一系列的巴黎地下铁的车站入口设计。在法国巴黎的 地铁站入口，他运用弯曲的铸铁材料，构筑出独拊一格的“地铁风格”(Style de Metro)，也因此成为法国新艺术的代表人物。在他晚年的时候，他所设计的风格又被称为“基马风格”(Style de Guimard)。他常以雾面玻璃当作地铁站的外观，主要是想让人们即使要走进了地下铁，仍可以看见外面朦胧的大自然。这种“设计与大自然合而为一”的风格，是他为人类提出的独特设计观。他不但创造了细长且卷曲的装饰字体设计，这种独特的风格，被称做是“面条风格”(Style de Nouille) 或是“鳗鱼风格”，他们是新艺术中最具代表性的自然有机装饰风格。

2.埃克多•基马艺术作品

埃克多•基马反对对传统的模仿,主张抛弃旧有的风格元素，不喜欢过度简洁，主张保留某种具有生命活力的装饰性因素，主张从自然界吸取设计要素，采用植物茎叶状的曲线形态。

为巴黎地铁所作的设计，所有地铁入口的栏杆、灯柱等全部采用了起伏卷曲的植物纹样。

青铜材质的出入口建筑框架，线条优美而诡异，仿佛具有生命般从地面生长出来，同时，如同花草藤级般卷曲伸展的“METROPOLITAN”的新艺术风格字体，出现在黄底的标识牌上，兼具识别性和艺术性。利用玻璃和钢铁材料完成了弯曲蔓延的类似植物图案的地铁栏杆和类似贝类的彩绘玻璃。经过一个世纪的考验至今仍是巴黎的一道亮丽的风景线。

（1）与霍尔塔作品的对比分析

埃克多•基马被公认的一件最优秀也最重要的作品是在(1894-1898)年在巴黎的贝朗榭公寓(Castel Beranger)。 其为一个小型的集合住宅,该组住宅有36个单元,而住宅最特别的地方为其大门的地方,利用铁件作有机的弯曲,形成一个富装饰性的大门。

霍尔塔（Victor Horata，1867―1947）比利时新艺术运动最富代表性的人物之一，他认为建筑如同雕刻、 绘画一样的艺术，因此同样应该具有自由的风格。他在建筑与室内设计中喜用葡萄蔓般相互缠绕和螺旋扭曲的线条，这种起伏有力的线条成了比利时新艺术的代表性特征，被称为“比利时线条”或“鞭线”。这些线条的起伏，常常是与结构或构造相联系的。霍尔塔于1893年设计的布鲁塞尔都灵路12号住宅成为新艺术风格的经典作品。在他的设计中，凡是能够运用曲线的地方，他都坚决放弃了直线及锐利的角度。他的建筑设计具有两个明显的特征：（1）注重装饰，受自然植物的编绳线条到处可见，在墙面装饰、门和楼梯中十分突出；（2）建筑暴露钢铁结构和玻璃面。

霍尔塔的设计尽管大量使用曲线，但是已经较好地处理了装饰与功能的关系，从纯粹的自然主义倾向走向面向现代生活应用原则的现代设计意识。

（2）与麦金托什的作品对比分析

麦金托什（Charles R.Mackintosh，1868―1928）是英国格拉斯哥一位建筑师和设计师。他的直线家具的风格是以朴素的直线或方格网的平面构图为主要构成元素，它表现出一种简洁的直线、明快色彩的感觉。这种家具主要特征是趋于简化成直线和方格，属于几何因素形式的构图。麦金托什的希尔住宅椅。突出的特点是靠背很长，高度都在140厘米左右，高直的风格，靠背从底部到顶端都是采用梯状的直线，快到顶部采用了方格的结构，前面两椅腿从上到下由粗变细，也是采用直线的造型。整个作品都是为了追求一种高耸、挺拔的感觉，它的主调反映一种高直、清瘦的茎状垂直线条，体现植物生长垂直向上的活力。

三、结束语―线条的艺术

新艺术运动继承了英国工艺美术运动的设计和探索，受到东方艺术以及象征主义和自然主义的影响，形成了一种以回归自然，线条装饰为本质的装饰艺术运动。[3]从装饰线条的变化，从以曲线为主，到曲线和直线相结合，再到以直线为主，辅助以曲线装饰，可以看出当时设计大师对于设计的思考及他们设计思想的变化，这个过程是逐渐走向现代装饰艺术的。抛开新艺术的设计思想，仅从线条装饰的形式上而言，埃克多•基马那样的优美婉转灵动的线条和那样的惊人的线条装饰艺术，对于我们现代装饰设计的影响是深刻和广泛的，并且对于我们学习设计是非常有帮助的。

新艺术运动是各种设计潮流从19世纪流向20世纪的一条通道，开创了由传统设计到现代设计的过渡方向，是现代艺术设计的源流，至今仍深深的影响着现代的设计思潮。学习和研究“新艺术”的设计理念，对于设计师的创作灵感，探索新的建筑空间形式和语言风格，仍具有十分积极的现实意义。

参考文献：

[1]王受之.世界现代设计史.[M]北京:中国青年出版社,2002,第

66页.

[2]朱和平.世界现代设计史.[M]合肥:合肥工业大学出版社

2008,第31页

[3]薛阳春.浅析新艺术运动的线条艺术.[J]大舞台,2008,第5期.

工艺美术运动的产生背景范文第5篇

关键词：浮世绘；印象派；马金托什；日式民居；禅宗

1.日本浮世绘与西方室内设计

日本传统艺术传到西方有着偶然因素的存在但是更有着必然性的背景。日本在维新日盛的同时，19世纪下半叶的英国，正兴起了一场设计改良运动。这是一场反对工业革命生产带来设计水平下降的运动，叫作工艺美术运动。涌现了大批优秀的设计师，在建筑室内设计方面的比如以马金托什为核心的格拉斯哥四人组。然后运动又波及欧洲各国，出现了著名的维也纳分离派，建筑大师凡・德・维尔德等等，值得一提的是到了20世纪初期，日本工业化已经得到发展，而且正在积极向西方国家靠拢，这使得日本也掀起了一场“民艺”革新，成为工艺美术运动的一份子，幸运的搭上了这场运动的末班车，被看做运动的句号。浮世绘这种日本传统绘画风格就是在这个时候传到西方并且对西方美术、室内设计影响都颇为深刻。

浮世绘是日本江户时期特有的绘画方式，风格活跃在17―19世纪，而浮世绘在19世纪最的时候由盛转衰。与此同时在遥远的欧洲大陆也正处于被古典主义禁锢，人们冥思苦想准备打破禁忌寻找新风的时候，一块璞玉和一位伯乐在同一时期出现，给了二者碰撞火花的理由。这一时期中大量浮世绘的绘画作品被当做包装纸随着通商的货物漂洋过海到了西方，同时又十分偶然的被一些不得志却渴望突破的艺术家们看到，而那些从未见过的画风与色彩马上吸引了这批有性格的画家。在当时许多画家最直接的借鉴主要有两种：一是把浮世绘的画作临摹进画中，作为家中的陈设背景频繁出现，如马奈《左拉肖像》。二是让模特直接穿上日本和服进行创作，如莫奈的《穿和服的女子》，值得一提的是在画面中肖像背后的墙上挂着许多绘有浮世绘的日本扇子，可见这种日常用品也直接成为了那时欧洲室内装饰的潮流选择。由以上两点可以看出浮世绘的传入已经使得欧洲对日本艺术普遍认可，同时也可以通过绘画作品看到在当时室内装饰中，以浮世绘做为装饰元素已经成为一种审美的时尚和品质的象征。就在当时巴黎的街头巷尾几乎每一家画室、每一处沙龙都有了各式各样的和服、钉挂在墙上的扇子和浮世绘作品。

日本与西方各国艺术上的心有灵犀，给了许多设计师开阔视野的机会，在这种大背景下，日本浮世绘就成了设计师可以借鉴学习的非常重要的手段或素材，马金托什就是其中的代表人物。新艺术运动时期苏格兰的青年设计师查尔斯.马金托什开始在建筑、家具、室内甚至海报上进行自我的探索，希望能够以”旧的精神”来设计出新的风格。在他设计探索当中，接触到了日本舶来的浮世绘艺术，对浮世绘当中绘画线条的使用方式产生了浓厚的兴趣，特别是日本传统艺术当中简单的线条，通过不同的排列、布局、色调产生了很好的装饰效果。这使他改变了过去对直线条的偏见，并且首先在海报设计中进行试验，做出了《苏格兰音乐巡礼》那样直线交错的海报。而后，又将这一风格运用到室内设计以及家具中。最著名的就是他设计的高背靠椅。杨柳茶室的室内设计也是马金托什非常突出的作品，室内继续采用纵横向的线条，利用直线的各种组合进行搭配，家具用天然的原木色，窗户上的彩色镶嵌进行适当的点缀，室内的每个桌位顶部的吊灯也是参照日式庭院常用的石灯装饰的样式设计的，整个茶室散发出淡淡的禅风味道。由此可见，日本传统艺术对马金托什的设计风格的影响，甚至在他所画的水彩作品里还是一直在追求线条感以及色彩的纯粹感，画面简练概括，线条灵活且富有诗意。

笔者感觉浮世绘的传入也让西方人对日本艺术有了一种莫名的好感，以至于日本在以后的艺术道路上，许多日本艺术家、平面设计师或者建筑设计师在国外都有着举足轻重的地位。甚至从中国传入日本的禅宗道义文化也是由日本发扬光大并引入西方，至今仍对极少主义风格的建筑与室内设计影响深远。印象派大师马奈曾不遗余力的将汉字模仿在自己的绘画作品中，可是所谓的汉字竟也是日本字体中本身所带有的汉字形式，这不能不说是对中国传统文化向外传播历程的一个讽刺。

2.日本禅宗与西方室内设计

谈到日本传统艺术，不能不提的是直指人们内心深处的禅的艺术。公元6世纪佛教自中国传入日本，在长期的渗透中融入了日本人民的生活之中，并且在佛教世俗化的过程里，佛教徒时常注意自我反省，自我清修，进而形成禅宗模式。在修行的过程中日本人认为自然界的百川大山，旷野草原这些景物，都是最好的禅境。因此有一种说法叫做抛弃世俗，我常到这个宁静的地方。这句话可以说明禅宗的精神根源，也可以概括为三点就是朴素，克制，自然。而在禅宗传往西方的道路上，一位叫做铃木大拙的僧人起到了纽带的作用。铃木大拙，生于1870年，是东西方均为人所熟知的近代禅学大师。在1893年时就出访美国，经过他的影响掀起了西方国家对禅宗文化的探究及感悟。因此直到现在西方国家还有“禅宗热”的说法。有一批设计师们在接触到这种精神层面的感知的同时，又研究了禅宗式居室的特点，发现了其中与自己设计理念相契合的精神与手段，于是大范围的进行尝试与试验。他们感到也许已经找到了如何完美的把自然与人融洽的放在一个空间里，而且不多做表面文章，只讲求于心的好的设计角度。于是就有了一种流行至今的设计风格―极少主义。禅家有句名言叫做“一即多，多即一”，即可以用最少来获得最多的愿望。这就不禁让人想到了著名现代主义建筑设计大师米斯・凡德洛曾经提出过一句经典设计名言“少即多（less is more）”，他主张形式简单、高度功能化与理性化的设计理念，反对装饰化的设计风格，成为西方现代设计的里程碑式的人物，也深刻影响着极少主义的设计方向。这种高契合度是我们联想也许大师就是在接触过禅宗思想后有所顿悟，一语惊天下。

包豪斯的两位院长密斯和格罗庇乌斯在二十世纪初就预言了先驱者之后的艺术品应该具备的禀赋：纯粹、光亮、静默和圣洁。而极少主义设计就是以简洁流畅来疏导人们的心灵，用简约自然的风格让人耳目一新。他们通过去繁从简以获得简单明快的建筑或室内空间，而大象无形，因此在简洁的表面之下往往隐藏着精巧复杂的结构。这也完全符合禅宗修行之道，想要达到空灵的顿悟境界，通常都是需要渐渐领悟或者要经过涅之前的无数考验。室内设计也是需要在周密的考虑各个设计细节，空间层次后，用高科技与精巧的施工工艺来达到空间的空灵与简洁感。例如如何让一道不锈钢的楼梯扶手的造型既简单又流畅，这可能必须需要一些类似压轧无缝钢管的研发和精湛的锻造成型工艺等高科技的手段才能完成。因此，可以说极少主义设计与禅宗在理念上是一致的，而极少主义的风格又是深深根植于禅宗精神之上的，使得禅宗成为极少主义设计必不可少的精神源泉。当然，之前提到的新艺术运动的代表人物马金托什在当时已经有着一些极少主义的风格。在新艺术风格中大多的设计师是采用繁复但是流动感强的自然曲线形态的自然主义方式，而马金托什采用的却是简洁的直线排列和黑白的色调搭配，从形式上可以看到现代极少主义的影子。因此他也成为了极少主义试验的先驱。

3.日本传统民居与西方室内设计

日本的禅宗理论在国内得到了日本武士的欢迎，乃至成为“武士的宗教”。而武士道精神克己简朴的生活方式也与禅宗的思想如出一辙。在全国崇奉禅宗与武士道的背景下，日本传统民居简约朴素的家居环境也就不难解释了。日本民居的生活方式是流动的，要尽可能接近大自然的本色，因此设置通长的推拉门与透光性强的窗纸，可以让人们每时每刻都沐浴在阳光之下，感受到清风阵阵。日式民居的室内风格也是非常简单，但是细部设计却是费尽心机，在有限的空间中讲求效率，功能与人的完美统一。如日式风格代表榻榻米，简单低调优雅可是它的内部却是中空的，可以放置杂物以及闲置的被子等。如今的榻榻米被设计的更为精致，可以内置小茶几，需要时升起，不需要时内置其中。

`坐在榻榻米上的低视点，观看纸或绢的灯笼，室内清晰的材质肌理和节省空间的滑动门都给西方创造了一种特殊的空间感。因此，在极少主义的室内设计中就会经常看到模仿日本传统民居的设计涌现。

结论：

从以上论述可以得出，日本的浮世绘的绘画风格，禅宗的经典思想，传统日式民居的家居特点都为西方室内设计的发展提供了营养，让西方设计师们可以换一种东方的思路来思考问题，从19世纪到今天影响依然深远。同时，也使得日本大量的吸收着外来文化的精华，涌现了大批世界知名的平面，室内，建筑设计大师，取得了双赢的局面。这些成就和经验都值得我们中国设计工作者去反思与学习。

参考文献

[1] 王蕾.论日本浮世绘对马奈绘画的影响.南京艺术学院硕士学位论文.2008年

[2] 潘玲 朱彬霞.马金托什及其追随者们在设计史上的地位.艺术评论.2011（11）