美术与设计论文范文第1篇

1.中国传统元素在与点的构成中的创新

现代美术设计中，设计的创新就是运用点的大小、形态以及位置和方向上进行构造，创新的形式无非就是将点的排列以线与面来表达，或者将线与面结构成点来表达。点这个元素具有特殊的形态以及被赋予不同象征和寓意的特征，比如，一个圆点所拥有的简洁干练、内敛的特点，象征着圆满、团圆或者成功。因此可以将我国一些传统的元素运用到现代的美术设计中去，并不断进行创新与改造，变换可塑之处，保持其不可塑的原始特征，使得传统元素与现代美术设计理念相辅相成、互相碰撞并巧妙结合。这样一来，不仅达到了现代美术设计创新的要求，更提高了美术设计的价值和内涵。

2.中国传统元素在与线的构成中的创新

现代美术设计中对线的充分想象与创造，并且赋予线这个元素很多特征。普通的线可以分为很多的形态、种类，也能体现出不同的特性与质感，因此也被赋予了不同的意义。在现代美术设计的同时，只有充分利用线的质感进行创新与改造，就能取得意想不到的效果。将线元素与不同的事物联系起来，能够巧妙的展示出事物的性质与特征，以简洁的设计就能体现事物的轮廓，巧妙的表现出艺术的魅力。

3.中国传统元素在与面的构成中的创新

众所周知，设计中的面不存在厚度等元素，人们可以在设计中用长度与宽度就可以表达一个面元素。因此，面能够给人一种深邃、稳重以及较大视觉冲击力的感觉。利用人们看到面产生的这些抽象词语，现代美术设计中可以充分利用起面的这一特征，对传统元素中的面进行切割、重叠、简化以及并置等手法进行创新与融合。与点、线元素一样，将可塑造的部分进行简化或者分割，保留自身不可塑造的特点，根据现代设计意图，可以重新对面进行组合、创新，形成创新的面结构以表达不同的含义。

4.中国传统元素在与肌理构成创新

肌理是一种表现当代语言形式的元素，其不仅给人无尽的想象力，还能发挥出人的潜能与记忆。因此，充分利用起人们对肌理元素的想象，合理利用在现代美术设计中，利用肌理构成手法不断进行设计创新，就能取得良好的成果。例如，在现代的美术设计课程中，对于课本的封面设计，可以运用起肌理构成手法，将课本内容以美术的形式表现出来，赋予设计和书本内容相符合的意义，有效结合，达到美术设计的目的和效果。中国传统元素在抽象几何与解构主义审美上的创新现代平面设计中，对抽象几何图形的应用具有很重要的参考价值和使用意义，虽然几何图形在艺术理念、哲学思想方面和现代美术设计有所不同，但就艺术形式和艺术语言、特征来说，大体在一个方向。因此，应充分利用传统元素的抽象几何审美，结合现代美术设计的理念和主体、内容，合理的组织有效元素之间的顺序，更加形象的表达现代设计的内涵和目的。而解构主义则是最有效的创造方式，目前在绘画、建筑等领域使用较为广泛，解构主义强调的是解散、片段与不完整，与结构主义不同，也是结构主义的衍生。因此，在现代美术设计中，根据设计的要求，合理的使用解构主义中的错位、重组、分解等手法，有效地对传统元素进行局部或者片段的分解，使设计达到创新目的。

5.结语

美术与设计论文范文第2篇

绘制一套好的投影片，首先要全面设计，认真研究教材和学生的情况，根据教学目标和学生的情况，根据 教学目标和教学内容构思投影片框数，形式是静片、动片，还是复合片，把握投影与教学的联系，遵循适时、 适量、适体、省时、省材、易于演示的原则，力求突出重点，突破难点，增大容量，达到事半功倍的效果。

一、材料和工具

画投影片的画笔是日本进口的（12色的）油性彩色笔，笔的两头分别可画出极细和较粗的线条，色彩明 朗，粘性强，水不溶解，经久不退色，用酒精和松节油可洗掉，是绘制投影片最理想的彩色笔。

画投影片的透明胶片，有成卷出售，用时根据需要剪裁。投影片画面规格是18×15cm，外加宽1c m做边框。画好胶片后，用白色硬片纸制一个双层外框，横边框4．5cm，竖边框宽2．5cm，把胶片嵌 在纸框中间，涂上白乳胶粘牢压实，以方便操作和保护画面。

二、投影片的绘制过程

由于油性彩色粘性强和快干的特性，不易在胶片上修改，因此首先应在画纸上起稿，确定后再转稿到胶片 上，用黑色或深色勾轮廓线，然后在画面背后大胆放手着色，色彩稍微画出线外，也不会破坏轮廓线，这种勾 线填色方法，普遍运用画投影片，画面艳丽，效果良好，能引起学生的兴趣和注意。

三、各类课业绘制投影片方法举例

1．《郊游去》记忆画抽拉片

片底胶片画一部公共汽车，坐满少先队员，车窗外飘扬着红旗。收录机播放着《这是祖国给的》欢乐歌曲 。这时移动抽拉片，银幕上出现蓝天、白云、绿树、鲜花……汽车像在前进。学生在构思，红艳艳的英雄树， 横跨珠江的海印大桥，川流不息的大小汽车，郁郁葱葱的白云山……学生彩笔在飞舞，从不同角度画出广州的 美景，表现出他们对祖国的无限热爱。

2．《上学去》添画组合片

根据学生回忆上学路上所见到的各种景物，用胶片分别画成单幅，诸如楼房、小汽车、鲜花、小鸟等，每 种景物用一张胶片绘出。上课时，供学生边回忆上学路上所看到的景物，边在投影器上添加，摆成上学路上的 画面。学生边摆边讨论，从中认识到画面的均衡，景物的大小前后关系，摆放的合理性。用十多张胶片各绘制 一种景物，组合起来供一个课例使用，这种投影片的设计，能更好体现电化教学优越性，学生看到这种逐渐添 加投影片，感到生动有趣，而不会像看挂图一样，产生厌烦情绪。在摆画的过程中，促进他们的思维能力，使 他们有一种参与意识，通过这样的教学活动，教师就能深入浅出地对学生渗入美术基础知识和思想品德的教育 。

3．三原色调色原理教学器旋转片

用三张直径15cm的圆形透明胶片，把一二张胶片平均分成4份，分别涂上红、黄、蓝三种颜色，留下 1／4透明部分，第三张透明部分同前两张大小相同，剩下3／4涂上不透明色彩，平时透明部分重叠，圆片 中间用一颗按钮固定。

使用时只要在投影器上转动色片，能认识红黄蓝各种原色，继续转动上下调色片，当两种原色重叠时，就 能在银幕上清楚看到图片边缘的红色和蓝色、蓝色和黄色等原色，在扇形部分出现间色之间的变化，例如红＋ 黄＝橙；黄＋蓝＝绿；蓝＋红＝紫。

这个原理也可把三间色调成三复色，制作方法相同。

这种调色器简单，操作方便，解决了以往用颜色直接调配看不到原色的不足。

4．古诗欣赏与绘画风景片

古诗《小池》——“泉眼无声借细流，树阴照水爱晴柔；小荷才露尖尖角，早有蜻蜓立上头。”引导学生 欣赏这首古诗时，我使用“情景教学”手段，画了一组活动投影片，画面上阳光灿烂，垂柳轻拂水面，池中荷 叶挺立，充满生机。然后用抽拉片移动几只蜻蜓飞来，一群小鱼游过。此时又播放一首轻音乐曲《小河淌水》 。音美、形美、意美，把学生的思维引到了学校门口的小水池，使他们的听觉、视觉、感觉一齐活动，受到了 美的薰陶，激发了他们创作欲望，画出了一幅学校门口熟悉的“美丽的小水池”风景画。

5．《大家来植树》创作画的构思片

这个课题往年学生交来的作业是千人一面，没有新意，大家以教材范画临过来，名曰创作实为临摹。我改 变程序式的教法，选择了“构图与立意”的重点，创作三幅简单的胶片构图让学生去观察、思考、讨论和创作 。

图片（1），一座学校，当空悬着一轮红太阳。

图片（2），一片荒山旷野，一条小路通向天边。

图片（3），一棵大树浓萌盖地，寂然独立。

学生围绕三幅构图，经过思考讨论，各自构思理想画面，交来的作业有三种类型；情景交融、场景壮观、 理想蓝图。构思新颖、寓意深远，与往年相比，有了明显的差异，较少找到临摹痕迹。

6．人物表情复合片

小学生掌握人物表情喜怒哀乐的画法比较困难，我画了几张人物表情变化复合投影片，进行直观教学。

第一张利用重叠片，出示一幅头像，让学生观察其表情与特征，然后喜、怒、哀、乐四幅同时出现，让学 生欣赏、分析，比较其不同表情、特点与特征。面部表情，以眼部和口部的变化最明显。同时要求背诵口诀： 画人笑眉开眼弯嘴上翘；画人愁嘴向下弯眉头皱；画人怒瞪眼咬牙眉上竖。

第二张利用分解复合片（简笔画），在一张片子上画出头部轮廓，再分别在四张片子上画上不同的五官表 情，只需移动五官表情片，出现了表情各异的头像。要求边看边默记五官变化特征，然后再默画出来。

7．五官位置复合片

人物画教学五官位置。在制片中，先映出一个正面人物头像，然后将五官全部拉走，留一个脸形，讲“三 停”，将复合片三停线合上，再拉动“眉”、“鼻”片，分别放在三等分的1／3，2／3线上，就映出了“ 发际线至眉线＝眉线至鼻底线＝鼻底线至颏底线，”这样给学生清楚地讲明什么叫三停，并掌握眉与鼻的位置 。

然后将复合片“五眼”线合上，拉动“两眼”片讲解什么叫“五眼”。再拉动“嘴”片，放在鼻底至颌底 1／3处，拉动“两耳”片，放在眉线与鼻底线之间。这样，学生对正面头像五官位置就弄清楚了。人的颜面 五官位置有严格的规律性，在绘制“五官”的大小比例与在使用投影片时都必须准确，才能达到教学目的。

8．运动人物（速写）活动拼板人体片

小学人体画教学历来最难，学生也最怕画人物画。为了上好这堂课，要求学生制作一个纸板活动人体，人 体每个关节用按钮钉牢。

（1）开始用投影片映出走路、跑步、坐地的姿态，让学生分析各部关节转动，并用纸板活动人体拼出三 种姿态。

（2）要求学生凭经验记忆拼出一个足球运动员踢足球姿势，并拿到投影器前放映，全班同学观看评价， 总结出一个动态优美且有力量的运动员必须符合下列三要点：肢体变化要协调，身体角度要恰当，器械位置要 合理。

经过一系列纸板活动 人体“操练”，在激昂的“运动员进行曲”音乐声中，要求学生用记号笔画出一个运 动员，做到先拼后画。在15分钟内人均画出3个运动员，个个动态栩栩如生，全班没有一个雷同。

9．构图基本知识——变化与均衡活动片

片（1）映出4张学生平时作业构图通病——太小、太散、太满、太偏。让学生当小医生，指出毛病，提 出治方，让学生初步认识构图的重要性。

片（2）画出码头轮船既高大又多。第一张只画出轮船的多；第二张只画出轮船的高大。通过比较让学生 理解构图要根据绘画目的和需要而画。

片（3）映出三个排列一致的苹果，学生看后说：“构图呆板没变化”。指名三个同学在投影器前，用事 前制好的苹果排出有变化的构图，达到变化有大小、前后、掩露、聚散等效果。

片（4）映出两个同样苹果，讲解说：“这两个苹果中间的中心，两边‘重量’相等，叫做均衡”。“这 个构图只均衡没变化，显得呆板”，学生提出问题，接着又由他们在投影前排出一幅幅有变化又均衡的构图。 学生经过看、摆、评的锻炼，较快掌握“变化与均衡”的构图基本法则。

四、绘制投影片的一些特技方法

1．白色图形和文字的绘制。用白乳胶涂在胶片上，加入透明颜色，制成透明底版，待干后用圆珠笔（没 色的）刻出图形和文字。

2．木刻效果的绘制。用广告颜色直接在胶片上写画，可以收到黑白木刻效果。若在画画的胶片上贴上彩 色玻璃纸或彩色明胶片，可以得到套色版画效果。

3．素描效果绘制。用硬一点的（HB）铅笔在用橡胶擦毛的透明胶片上作画，然后涂上一层透明胶水， 可以得到很好素描的效果，也可以着一点色，则成为铅笔淡彩教学投影片。

4．明亮雪白效果的绘制。如明亮的星星和雪白蜡梅，将其形体用小刀挖空，旁边涂上深暗底色，映出效 果特别明亮雪白。

美术与设计论文范文第3篇

改革开放以后，我国从不断涌进的世界各国美术流派和风格的信息里，发现了中、西美术在认识上的距离。同时也看到了，在前苏联美术基础教育体系之外，还有法国、德国等国的美术基础教育体系，并且他们之间的教育方式大相径庭。欧洲在19世纪工业革命后所产生的照相术，由于它的成像来得更加“准”和“快”，那种讲究“形准”的绘画无法与它比肩，完全失去了意义。于是，西方画家放弃了我国一直苦苦追求的前苏联“形准”绘画艺术（也叫“再现”艺术），进入讲究“表现”的绘画艺术境界。由此，以往的美术基础教育大纲失去了统筹作用，绘画水平的高低不再以“形准”作为唯一衡量标准。原来用“形准”作为基本功训练的教师开始放弃了这一要求，改而向学生提供条件，让他们进行自学，教师根据自己的理解去尝试基础教学。因此，“形准”的绘画要求开始削弱。

二、单线的坚持与兴起

超现实主义大师米罗的作品是典型的唤醒了点、线、面的生命，使它们成为形象，可以单独组成供人欣赏的艺术品。他的作品的最大特点是在空白的底板上画画，喜欢表现的主题是人、鸟、星星。在其作品中会发现画中的“点”象是无意中被随性撒落的，静心观察，其担当着一颗星或象征着人的眼和手的角色；一根看似不经意的挥洒“线条”，却被安排着代表一个物体的轮廓线，同时又成为一个人的手臂形象；几块犹如路人随意扔出的“色块”，被当作了天空、大地、人或鸟的替身。这里点、线、面在画家手中成为形象，并精确地安排到位，构成了一幅幅妙趣横生、别开生面的作品。由此可见，绘画是以造型精确到位并凸显水平高低的艺术，唯有经过严格“形准”训练的人才能达到。强调“形准”，并不是要求所有的专业都要向油画专业一样，把对象画的“像活的一样”，而是要讲究质感、量感、空间感，偏重用明暗调子造型。设计类的学生完全可以采用其专业最基本的绘画表现手段———单线作为基本功训练，以达到“形准”的目的。其次，用线造型舍弃了物体表面的光影和明暗，给学生以更多的时间去研究对象的内外结构特征，更快地掌握准确概括及表现对象的造型能力，增强学生的立体空间知觉，提升其空间造型的能力。

三、单线与“形准”的关系及融合

（一）线在造型过程中的内涵和语言

在中国人的绘画理念中，一根线包含一个人的精神和情绪。绘画中的线能体现出一个人的修养和心境，它是最传神的绘画手段，是有生命的。艺术设计中的线有其独特的韵味和生命力。与新华字典里所说的“几何学上指只有长度而无宽度和厚度的”线不同，单线在艺术设计中是有厚度的，是一个消失的面，可以画出最小、最浅的面和各种质感的物体，也可以研究形态到最精微之处，体现最细微的情感。由于绘画材质的不同，各种笔画出的线亦有不同，但是它们出线方式的中锋与侧锋却是一样的。中锋画出的线是尖点深，两边淡；侧锋画出的线是尖点深，一边淡。侧锋画出的线有宽度，也就是有厚度，其运用的面很广。

（二）线对于把握形准的实践意义

在艺术设计教育实践过程中，学生对于形态的构建是一个通过比较利用线确定形态位置的过程。一是用垂直线和平行线确定对象的上下、左右位置。用绘画的方式表现一个对象时就会面临着给对象的体积、质感、量感、结构的凹凸、穿插在结构上的光影定位问题，如何将这些立体的三维空间对象正确地定位在二维空间纸上，绘画方面采取的是用垂直线与平行线来定位。用垂直线和平行线测量的办法有两种：一是用目测通过上下、左右的比较确定一个对象的位置，或通过手拿垂直铅笔比较对象的左右位置的方法来确定，也可以横拿铅笔比较对象的上下位置的方法给以确定。二是用比较的方法确定对象的长短粗细、深浅光毛。绘画的过程就是一个比较的过程。在比较对象的结构位置时，除了比较对象的形状之外，还要与同类的对象作比较，如画左眼睛的时候就要与右眼睛比大小、深浅等。经过比较，对象的比例和形体结构关系由此确定，再经过线条轻重、虚实、粗细、强弱的表现，作品就会以其生动有力、气势贯通的美感展现。

（三）单线准确表现对象需要注意的问题

1.根据对象受光后的情况进行绘画

人们在用线表现对象时，线的抑扬顿挫并没有根据结构受光后的关系进行绘画。如学生在画侧面石膏人像的鼻梁时，该处本是受光的，学生在绘制中把线画重了、粗了；而暗部的鼻翼线应该画得重些和粗些，学生反而画得既细又轻，因而产生了形不准的感觉。正确的表现应该是利用笔对线条的粗细进行控制，用细线轻轻地画鼻梁的受光部，慢慢地进入暗部，线条逐渐深和粗起来，由此画出的线条贴切、流畅。画骨头的部分用中锋为宜，肉的部分用侧锋为好。侧锋因其出现的线是由深到淡且有厚度，所以画圆润的对象最为合适。

2.合理处理对象的空间位置

学生在处理画面时，对于整体观察方法仍缺少对空间感的表达。单线表现空间的方法与西方画中用明暗来表现不同，它是利用线的密与疏、疏衬密的对比方法产生前后空间的。如果不存在疏与密对比的条件，绘画时便可以用笔线的淡与深对比来制造空间。有了空间，形就会感觉准了。

3.单线对于质感的表现

美术与设计论文范文第4篇

“十一五”期间，美术学与设计艺术学研究领域的发展变化较大，随着高等美术教育规模的不断扩大，研究生教育日益普及，高等院校逐步向研究性大学转换，高校教师的研究性成果成倍增长，研究机构纷纷成立，课题申报数飞速上涨，立项数不断上升①，但高品质的学术成果却并不多见，反而在总量扩大的情况下，质的相对比率反而下降。这种情况在“十五”期间已经出现，国家也采取了相应的措施，如控制博士生的招生规模，对学术期刊进行学术评估，对核心期刊进行动态评估，加强对课题项目后期资助的审核及资助力度，出台各种对优秀著作及科研成果的奖励措施，各家出版社对优秀科研成果也在每年的出版计划中留有一定的比例，但在市场经济的环境中，不良的学术风气依然存在，量与质的问题并没有得到有效控制。 全国美术学与设计艺术学学科研究的整体态势是个体性的研究增加而集体性的研究减少，专门领域内的研究向纵深发展，个案研究比较多，边缘性研究比较多，地域性美术研究亦逐渐增多，一些新兴学科的概论性著作也逐渐增加。整体上说明了学科研究领域的面在不断扩大，基础研究也在不断深入，处于历史上最好的发展时期。这主要体现在两大方面，一是国家项目的推动及省(市)、部门各级项目的立项与资助力度不断增强，大多数有研究前景的个人与集体项目都能获得各种不同的支持;二是研究生的学位论文成倍增加，尽管存在种种问题，但在总体上还是推动了学科研究的发展，因为其中的开题、评审、答辩等种种环节，在掌控论文的学术质量上还是发挥了作用，还有一些学生在认真地钻研学问。 与美术史论的传统学术研究相比，创作实践方面的研究更为活跃。美术市场空前繁荣，展览不断，当代艺术的浪潮一浪又一浪，画册、期刊及各种出版物让人目不暇接，对现状的研究也随之展开，美术批评理论也随着批评实践活动而有所发展，推动了各种创作理念;尤其是设计艺术理论研究，虽然还处于初创时期，亦初具规模，这与设计艺术教育的普及有关，与学科的基本教育规模与实践性有关，其研究成果大多还体现在教材与基础理论问题上。 现依据“十一五”期间美术与设计艺术学科研究的主要情况与基本特点，分述如下。 一、基础理论研究 “十一五”期间的美术基础理论比较薄弱。与“十五”期间相比，在研究范围上无突破，在数量上基本持平，基本上一年出版一本，还是以高等院校教材或辅助教材为主，如“美术概论”一类，有邓福星的《美术概论》(2009年版)、赵一丹的《美术概论》(2008年版)、陈美渝的《美术概论》(2007年版)及高国良的《影视美术概论》(2008年版)、肖清风的《设计艺术概论》(2007年版)、朱彧主编的《设计艺术概论》(2006年版)，其特点是强调了个体性的研究，突出一家之言，走出了集体编著的大一统模式，展开了多元论述。在门类美术的基本理论研究方面，近十年来还是局限在影视美术，未见其他门类美术的著述。 在博士论文方面，则有些专题性的理论研究，如王云亮的《话语的转型:以宗白华的中国画理论为解析案例》(2008年版)，就在探讨20世纪中国美术理论话语的现代问题。 在“十一五”国家课题立项中，基础理论方面的选题比例也小，占美术类课题总量约17%，其中包括对西方艺术理论的研究，设计艺术理论、批评理论及各项专题理论研究，未见原理论研究，而且有些选题重复立项。 与美术基本理论研究现状相比，设计艺术理论的研究成果略为突出，且作者队伍也趋向年轻化，其成果形式还是以教材为主。如余强主编了一套设计艺术基础理论丛书(2006年版)，以及邵宏编著的《设计学概论》(2009年修订版)、胡守海的《设计概论》(2006年版)、张焘的《室内设计原理》(2007年版)、焦健等主编的《空间设计原理》(2007年版)、清华大学课题组编的《设计艺术的环境生态学》(2007年版，“十五”规划题)、何灿群主编的《人体工学与艺术设计》(2007年版)、陆小彪等的《设计思维》(2006年版)等等。专题性研究则有桂宇辉的博士论文《包豪斯与中国设计艺术的关系研究》(2009年版)，以及熊嫕的博士学位论文《器以藏礼:中国设计制度研究》(2007年)。 二、美术史研究 “十一五”期间的美术史研究依然是重头戏，成果数量不少，但值得称道的却不多。其间以教材为多，特别是中外美术通史写作，虽然看似以个人撰著为主，体现研究主体的学术立场及其观点，实际上还是取通用的体例及通常的史学观，无甚建树。五年间，据不完全统计，中国美术史出版有13本，外国(西方)美术史出版也有13本，基本上都属于简编。② 其中，值得关注的是中国工艺美术史就出版6部，有5部是个人专著。应该说，这与“十一五”期间国家非物质文化遗产保护工作的大力展开有关，与设计艺术学科的兴起与普及有关，与文化研究及新美术史学观的兴起也有关系。外国美术史写作中比较值得关注的是陈平的《西方美术史学史》(2008年版)，特别是他又主编了一套“美术史里程碑”丛书，包括《罗马艺术》、《作为精神史的美术史》及《罗马晚期的工艺美术》。 美术史的研究方法是这一时期倍受关注的问题。 图像学、艺术形态学、艺术社会学及艺术心理学等研究方法，甚至包括政治学、经济学、意识形态研究、比较研究等不同学科的研究方法，也不断地渗入中国美术史学界，挑战传统的历史文献学及风格样式研究。 其间，较有影响的是美籍华人学者巫鸿的著作被介绍到大陆，如《礼仪中的美术》(2005年版)与《武梁祠:中国古代画像艺术中的思想性》(2006年版)。2007年4月，首届高等艺术院校美术史学教育年会在中央美术学院召开，会议主要着眼于青年一代的美术史学者，而来自各艺术院校及科研机构的青年学者所提交的论文，引起与会者的极大兴趣。两天会议不时掀起讨论的热点，如华南师范大学颜勇的论文《西学语境中的传统画论:以“墨分五色”的二三种现代诠释为例》，又如中央民族大学吴雪杉的论文《清初“四僧”与历史书写———民国时期美术史的一个考察》，还有中央美术学院张鹏有关寺观庙堂绘画、雕塑的研究，都具有各自不同的角度及独到之处。2008年4月第二届年会在四川美术学院召开，其研讨的主题是“美术的地缘性”，并设六个分论题，即(1)差异与融合;美术考古的视角;(2)地域性母题的图像呈现;(3)美术及其理论中的地方观念;(4)地缘性与风格流派;(5)文化地域性的价值限度;(6)地缘性理论的回顾和反思。显然，年会的学术议题已转向有关方法论的专题研究，“研究视角”比“学术立场”更受人关注。#p#分页标题#e# 2009年10月第三届美术史学教育年会在清华大学美术学院召开，主题是“边界与范式”，曹意强与潘耀昌均关注到越界问题，即在全球化视野下的“世界艺术研究”;而在“中国古代美术研究新视野”的专场讨论中，郑岩、张鹏等人所提交的论文依然注重图像分析，注意讨论具体的问题，由此及彼，由小见大。这样的研究方法正被越来越多的青年学者所接受。 中国美术史专题研究的主要成果来自于之前的一些研究项目。如属于“十五”国家重点项目之一的“中国道教美术史”(2003年立项)，其课题成果之一《论〈八十七神仙卷〉与〈朝元仙仗图〉之原位》(李淞著)获首届中国美术奖理论评论奖(2009年)，与其同时获奖的还有李超的《中国早期油画史》(2001年立项的国家年度课题)及裔萼的专著《二十世纪中国人物画史》(2001年立项的文化部青年项目)。 中国近现代美术研究在“十一五”期间依然是一热点③。已出版的专著有吕澎的《20世纪中国艺术史》(2006年版)、张晓凌主编的《中国现代美术史文献集》第一辑(2007年版)、陈瑞林的《中国现代美术史教程》(2009年版);再版的有阮荣春的《中国近现代美术史》(原名为“中华民国美术史”，2005年版)、潘耀昌的《中国近现代美术史》(北京大学出版社，2009年版)。潘公凯负责的“中国现代美术之路”的课题组(北京市教委共建项目)于2006年相继在香港、上海组织召开学术研讨会，会议邀请海内外学者就20世纪中国美术的现代转型问题展开讨论。张晓凌负责的“中国现代美术史”课题组(“十五”国家重点)也相继在北京、杭州组织召开编委会，其项目将在2010年下半年结题。郑工的《民国时期美术思潮》(2001年文化部项目，原题为“20世纪中国美术大论辩”)已于2006年结题(将在2011年出版)。而在博士学位论文选题方面，数量更多，出版的也不少。 如顾丞峰的《现代化与中国百年美术》(2007年版)、薛娟《中国近现代设计艺术史论》(2009年版)、马琳的《周湘与上海早期美术教育》(2007年版)、华天雪的《徐悲鸿的中国画改良》(2007年版)等等。相比“十五”期间，研究范围扩大了，研究深度也加强了，其特点是以现代化理论为核心，注重社会文化的整体转型，同时也在进一步整理资料，敞开学术视野，消除偏见。 中国书法史论研究在“十一五”期异军突起。说“异军”则是因为在20世纪书法渐次游离出了中国美术圈，而在21世纪，在学科整合的过程中开始有所沟通，学科建设迅速发展，“十一五”期间推出了一批成果。如丛文俊等人合著的《中国书法史》丛书(2007年版)，欧阳中石主编的《中国书法艺术》(2007年版);专题研究成果可见之南方出版社的“书法研究博士文库”(第1辑，2009年版)，王元军的博士后出站报告《汉代书刻文化研究》(2007年版)，获第三届中国书法兰亭奖理论奖一等奖。 三、区域美术(含民族美术)研究 “十一五”期间区域美术研究比较活跃，正因为这一时期通史性的写作基本处于停滞状态，而地域性的美术研究又受到地方政府及有关文化教育单位的重视，作为地方文化建设的一项重要内容或有地方特色的研究项目进行扶持。区域美术研究的特点，一是文化中心区域，二是文化边缘区域。如北京的地区性美术研究就有两项成果，即邵大箴、李松主编的《20世纪北京绘画史》(2007年版)与李福顺主编的《北京美术史》(2008年版，北京市“十一五”社科规划项目)。前者聚集了国内颇有建树的美术史论家，如李树声、薛永年、水天中、单国强等人;后者主要是一批青年学者。二者体例不同，水平各异。相比“十五”期间出版的《上海美术志》(2004年版)和《20世纪上海美术年表》(2005年版)，在研究思路及具体做法上已不相同。澳门文化局近年也资助一批有关澳门美术与设计方面的研究项目，已结题并待出版的成果有胡光华的《澳门绘画史》、刘佳的《澳门设计艺术》。 由澳门基金会编辑出版一套《澳门史新编》(2008年版)，收录了莫小也的《澳门早期美术史:远古至1850年》与郑工的《澳门美术史的分期与分类》。莫小也的研究课题“澳门美术史”(2003年立项的国家年度题)也基本完稿。 相关的研究成果还有李伟卿主编的《云南民族美术史》(2006年版)、张亚莎的《美术史》(2006年版)、范晓杰等人合著的《山西美术史》(2009年版)、朱琦的《香港美术史》(2007年版)、徐文琴的《台湾美术史》(2007年版)。还有一些民族美术史的研究课题在“十一五”期间陆续立项，如彭林绪的《土家族工艺美术史》(2007年度)、张景明的《中国北方游牧民族的造型艺术与文化表意》(2007年度)、李青的《丝绸之路与西北民族美术史研究》(2007年度)、李宏复的《中国少数民族刺绣工艺文化研究》(2008年度)及姜钟浩的《中国朝鲜族百年美术发展历程与特性研究》(2009年度)。 区域研究的性质应属于文化研究，或者说是有关地方知识及在特定空间区域内文化关系的总体叙述，故在文化边界、共时性关系、差异性论述等问题上容易形成关注的焦点。只是目前美术学界对文化研究的方法及意义认识还不明确，故在写作时容易出现视野不清。其中最大的认识误区，就是将区域美术研究作为局部范围内的一般美术史写作，即被缩小了空间范围的通史性写作。实际上，这是两种不同类型的研究，其目的不一，研究对象与研究方法都不一样，要解决的问题更不相同。这一问题在2010年4月的“中国地域性美术史研究暨《北京美术史》学术研讨会”上已被提出，但并没有引起足够的重视。 四、边缘性的文化研究 边缘性的文化研究主要指跨学科的综合性研究。 “十一五”期间，美术学及设计艺术学处于学科的基本建设阶段，新的边缘类型学科出现不多，其队伍基本是由民间美术、工艺美术及设计艺术等相关领域的研究人员构成，理论基础较为薄弱。其中最引人注目的是非物质文化遗产保护工作兴起后，带动了民间美术与民间工艺美术的文化研究热潮，但真正理论上的带动却是文化人类学及民俗学。如乔晓光的《本土精神:非物质文化遗产与民间美术研究文集》(2008年版)、吴志跃的《非物质文化遗产新视野下的福建民间美术》(2008年版)、沈泓的《节庆狂欢:民间美术中的节俗文化》(2009年版)等。还有一些研究课题在“十一五”期间陆续立项，绝大部分都属于调查报告④，其立项在美术及设计艺术类中每年的比例数高低不等，如2007年有五项(其中两项为国家重点)，2008年有四项，2009年有六项(其中两项为国家重点)，分别为当年美术及设计艺术类总立项数(含文化部项目)的19%、10%、17%(不含工艺史研究)，但重点题所占比例很大，2007年为50%，而2009年则为100%。#p#分页标题#e# ⑤随着2007年当代艺术市场的火爆，艺术市场学也为人们所关注。有些学者开始研究艺术市场的运作规律，涉及种种与艺术品交易有关的经济现象，思考其中的理论问题，并涉及当代艺术的存在意义及其评价体系，重新判定艺术与社会意识形态之间的关系，重新判定艺术与经济社会之间的关系，重新面对艺术的公共性，面对在新的城市天空中艺术的存在方式及交流方式。艺术社会学的内容必须置换，重新书写，其研究方式也不是传统的历史学所能胜任的。应该说，这方面的研究正处于开始阶段，研究成果多是调研报告，以及建立在宏观基础上的分析判断。中国艺术市场的不规范，许多统计数字不可靠，资料来源也很复杂，给深入而客观的研究带来很大困难。有些学位论文涉及到艺术市场机制、艺术市场语境下的当代艺术发展问题，关于中国艺术市场史的研究也已起步。 2006年，中央美术学院成立了艺术市场分析研究中心，由赵力主持，并主编了一套《艺术财富》丛书，如《艺术财富》(一)(2006年版)、《艺术财富:全球艺术市场新格局》(2007年版)、《艺术财富:全球化与中国艺术市场》(2008年版)、《艺术财富:金融危机下的艺术市场》(2009年版);同时艺术市场分析研究中心还陆续出版了2006年至2010年的中国艺术品市场的研究报告。自2009年起，国家文化部艺术市场研究中心也连续了2008年与2009年的《中国艺术品市场年度研究报告》。2010年4月，由北京市中关村科技园区雍和园管理委员会、艺术北京当代艺术博览会主办了“2010艺术经济论坛———后金融危机时代的艺术市场与艺术收藏”，其议题有宏观经济背景与目前艺术市场、中国经济发展和艺术市场复苏、亚洲当代艺术市场是否能够走出危机以及亚洲艺术市场的前景。 五、创作理论与实践研究 美术创作理论与实践的研究历来是美术学研究最为薄弱的环节。大多数著述都停留在基础性技法理论教材的编撰，也有结合自身的艺术创作实践总结一些经验，提出一些看法，有的也试图建构一个系统的创作理论框架，实现自己的艺术主张。 与原理论研究不同，创作理论的研究正在于实践性及可操作性，其中技术性的成分比重较大，或者说，其解决的主要就是技术理论问题。特别是在新媒介、新材料不断出现的当代社会，艺术的创新性不断为人所重视，而创作理论与实践研究却有所不足。研究比较活跃的应属设计艺术学科，如新媒体艺术、图形创意研究、传统文化元素在现代设计中运用等，论文数量较多，也有一定的见地，而那些传统的绘画与雕塑领域，创新性研究不多。但在“十一五”期间立项的一些国家课题，有望在这一方面取得发展。如2007年度的“中国画写意传统中的世界性研究”(国家重点)、“中西绘画图式与时空观念比较”(国家一般);2008年度的“书法创作理论研究”(文化部项目);2009年度的“当代中国水墨语言体系研究”(国家一般)、“中国北派山水画的自然形态与笔墨形态研究”(国家一般)、“基于工作过程的服装设计理论与方法论研究”(国家一般)、“数字传媒设计中中国元素的融入及其应用研究”(国家一般)等。 六、问题及反思 问题一:在国家社会科学基金艺术学选题规划上最突出的问题是美术学与设计艺术学依然混合在一起，既不利于设计艺术学的项目规划与立项，也在挤压美术学的项目资源。在国家学科分类目录上，美术学与设计艺术学都是二级学科;同样，在国家学科分类及代码表上，美术与工艺美术、书法也是并置的。 因为多项学科均囊括在“美术学”内，造成每年“美术学”类的项目申报数居高不下，从而引起项目资源配置上的问题，导致“美术学”类的申报项目被大量削减，影响了学科的健康发展。同时，我们还应该看到一些新兴学科的研究出现不少学术泡沫，与规划项目扶持不当也有关系。我们往往看到社会的需求，却没有注意到项目承担者的实际学术水平与科研能力。 问题二:学术创新最重要的就是要有独到的见解，这一点在集体编撰的项目中最容易被中和，最终使研究成果流于平庸。这并不意味着否定集体的智慧，否定研究课题的集体行为，否认学科带头人的积极意义，而在于我们如何正确处理科研立项中学科的“体系化”建设与“课题性”研究的关系。所谓“体系化”建设，即指那些学科的系统性理论建构;而“课题性”研究，则是针对某一具体项目的深入研究。从目前的学科发展情况分析，恰恰需要的不是这些“通史”或“通论”，而更需要在某一课题上深入发掘研究，得出新的研究成果，拓宽研究领域。如果没有基础性的“课题”研究先行，那么，“通史”和“通论”只能停留在编撰的水平，不断重复地拼凑组合，在所谓的“框架结构”上做文章。但这并不等于说我们不需要学科的体系化建设，学科的体系化建设不能只停留在“通史”、“通论”上，而应该形成各自不同的理论派别，从基础理论开始，形成“一家之言”，才能构成“百家争鸣”的大局，促进学术繁荣。 现阶段我们更需要独辟蹊径式的研究，从而加强某一选题的研究力度，以点带面，拓宽研究的领域。 特别在传统的中国美术史学领域，鼓励那些最适合个体性研究的选题系列，形成几项有国际影响力的学术成果。如中国的宗教美术就是一个极有学术发展前景的研究领域，尚且不论四大石窟(云冈石窟、龙门石窟、麦积山石窟及敦煌莫高窟)美术，论敦煌学的影响及其在国际学术上的地位，就算那些零星散布在全国各地的佛、道美术作品，数量也极其庞大。中国古代美术遗品中，半数以上应与佛、道有关。这是其它国家和地区难以具备的文化遗产与学术资源。与非物质文化遗产保护工作一样，古代美术遗址及遗迹的保护与研究也迫在眉睫。过去，我们已经整理出版了大量的图录与图册，相关的文献资料也陆续加以整理，但深入细致的高品质论文却难得一见，相关的研究选题也很少。#p#分页标题#e# 另外，继续鼓励少数民族美术研究，以边缘性的文化研究排解单一性的主体叙述，建立中华民族多元一体的文化新格局。同时，由少数民族美术及边远地区的美术研究拓展至周边国家和地区的美术研究，提升区域美术研究的学术水平，既看到历史文化在不同区域间的交流与互动，也揭示美术在地区性政治生活与文化生活中的作用及意义。 问题三:美术基础理论研究贫弱。基础理论需要较长时间的学术准备，尤其需要由创作理论沉积一段时间后再行引发新的突破。目前，艺术创作空前活跃，艺术家的创作自由度也大，但却匮乏新的理论思考及相关艺术实验的研究报告。 我们不能说美术创作中没有学术问题。过去美术家总期待着理论家帮他们解决理论问题，而理论家往往又帮不了这个忙，因为那些理论问题都与创作实践密不可分。与其他的人文学者一样，美术创作者总为范式问题所困扰，而突破范式的束缚则被认为是天才的创造力的体现。但范式的成形及传播需要知识的帮助，一个成系统的新知识才能支撑艺术的新范式。当代艺术鼓励创新，也为新的艺术理论出场提供了前所未有的机遇。而这种理论又会支持新的艺术批评，促进艺术创作的实践，沟通艺术与社会公众之间的审美联系。

美术与设计论文范文第5篇

【关键词】设计史教材 编撰体例 编撰方式 编撰内容

一、问题缘起、界定与研究意义

设计史课程是我国高校各类艺术设计专业指定的必修基础理论课，它对于艺术设计学科的各个专业方向而言是重要的知识背景，具有基础性的作用。抓好教材建设是提高教学质量的中心环节，要上好这门课，选好教材十分重要。

然而，随着艺术设计学科招生规模的迅速扩大，出现了设计史教材编撰多管齐下的局面，教材的编撰问题亦日益凸显。具体来说，主要存在三种状况：第一，原有的工艺美术史作为专业理论的调整，着重挖掘曾经被忽视的内容，突出工艺规范与工艺加工的内容；第二，把工艺美术与艺术设计对应不同的历史阶段，只注重西方设计史而忽略了中国设计史，将设计史视为一种完全工业化之后形成的学科历史；第三，各类院校设计史教材选择的基础知识体系未经严格慎选，总的说来以通史型教学为主，部分高校稍涉门类史、断代史的教学。这些状况具体到各高校开设的设计史课程，更是名称不一、内容不一、教材体例不一等。①由此可见，将上述状况列举出来，很能说明设计史教材编撰探讨的意义和价值。从正式出版的现有教材来看，设计史教材的编撰还存在着一些亟待解决的问题，这便是论题探讨的缘起。

本论题主要界定两点：

第一，随着学科设置的不断扩展，设计史教材使用的名称不一，包括中外工艺美术史、中外设计史，以及诸多直接产生于我国从工艺美术到设计艺术观念变革背景中的设计门类史，如工业设计史、室内设计史、平面设计史等。这里为了论述的方便，统称设计史，并分成三类：通史、门类史、断代史。在本文讨论中，以通史型教学的设计史教材编撰为主。

就设计史教材而言，由于设计艺术与工艺美术是一个有机体的不同阶段的产物，研究设计史教材编撰，必然离不开对工艺美术史教材编撰的研究，由此把工艺美术史的教材编撰纳入设计史教材编撰研究的范围。本文研究的为设计史教材1960—2012年间文献综述编撰的发展，在此领域中，诸多专家学者都做出了很大的成绩，囿于篇幅，同时也为突出重点，笔者选择有代表性的设计史教材作为主要研究对象。

第二，教材的定义有广义和狭义之分，本文所讨论的教材主要是指狭义的教材概念，是指教科书。

本文通过对20世纪60年代以来设计史教材的搜集、整理、分析，通过对相关研究文献的梳理，从而对设计史教材发展脉络进行归纳，有如下几点现实意义：

1.选题的针对性。关注设计史的研究现状，是近年来设计史学界持续关注的研究课题，但关注设计史教材的编撰却鲜有深度研究。通过梳理可帮助我们理解高校设计史教材的面貌，尤其是教材内容的革新、充实、推展，这也是对设计史教材资料留存的一项重要补充。同时，笔者力图依据高校设计史教材编撰的事实来揭示问题、分析问题，将呈现出来的主要问题，切入到相应的编撰案例之中加以论述，对下一步的教材编撰具有重要的借鉴意义。

2.设计史教材内容及知识结构的针对性。文章通过研究，以期探寻适合分层次教学的适用版本编撰体例。

3.为设计史教学实践和研究提供有益的参考。

本文对既是历史的又是现实的设计史教材编撰问题进行思考，具有较强的现实性。

二、论题的研究现状

基于论题的资料论述比较零散，笔者把查阅的资料（包括直接或间接的论述资料）分为四类：

其一，是涉及具体教学内容选取的讨论。刘汝醴于1985年明确提出“关于海外的工艺珍奇，我们应该采取‘拿来主义’的态度，拿将过来，为我所容，为我所用”。②田自秉于1988年提出“……我们还应该把研究的范围拓得更宽一些，不仅需要有工艺美术通史、专题史，更应该有各种断代史尤其是对于近现代工艺美术史的研究……”③张孟常于1996年完成的博士论文《器以载道——中国工艺美术史分期研究》，论及早期五个教本的中国工艺美术史在课程内容上的革新、充实、推展。诸葛铠于1998年指出：“从工艺美术的范围和内容上，工艺美术史都应该得到补充，可用新的观念写工艺美术史。”④ 高丰于2000年指出：“许多艺术设计院校在讲授这门课程时，或只讲西方现代设计史，或还沿用中国工艺美术史的教材，容易给学生造成误解。就此，探讨中国艺术设计史与中国工艺美术史的区别……”⑤赵农于2001年就“艺术设计史论与工艺美术史论的本质区别等几个问题产生了明确认识”⑥ 。2007年底，在上海师范大学美术学院召开了“设计与中国设计史研究年会”，其中钱凤根的《世界设计史的中国设计史板块构建》、杭间的《中国的工艺史与设计史》、诸葛铠的《关于中国设计史学术定位的思考》、荆雷的《以系统论的方法来研究并从事设计史教育》等文章，其内容都与设计史有关，并从教学资料的搜集、教学内容的选取等层面，或直接或间接地涉及设计史教材内容。2008年，李砚祖指出：“……设计史的研究同样应在文化研究的平台上构筑起自己的体系……重写设计史需要考虑这些问题。”⑦ 这些文论给予本文很大的启发。