表演专业的培训范文第1篇

1949年11月中央戏剧学院创建。

在建院初始，院长欧阳予倩就提出了坚持现实主义艺术原则和方法，深入研究和继承我国民族艺术的美学精神和广泛吸收世界戏剧艺术中所有有价值的成果的办学思想。

长期以来，学院在教育教学上一直坚持和提倡教学实践与科研实践相融合。主张传统与现代结合、基础教育与创新教育结合、理论研究与创作实践结合；重视学生的基本功、基本技能、基础理论与独创性素质的训练和培养，强调专业水平与道德情操并重的教育。以培养具有坚实的专业理论基础知识与掌握扎实专业创作技能、服务国家和社会的艺术精英人才作为学院的中心任务。

60余年来，中央戏剧学院的教育教学经过长期的探索与实践，积累了深厚的艺术教育经验，形成了自己的办学风格、传统，构建了自己的教育体系，并培养了许多在国内和国际上有影响的、优秀的、著名的艺术家、专家和学者。

一、对现实主义创作原则和方法的基本理解和认识

数十年的教学实践，使我们深深体会到，构建科学的戏剧教育教学体系，核心问题是坚持现实主义的创作原则。

众所周知，任何艺术创作活动需要用艺术的方式来认识生活和表现生活。人们进行艺术创作，怎样解答艺术与生活的关系、怎样处理内容与形式的关系、用什么样的方式来表现生活等，都必将涉及创作原则和方法。

现实主义创作原则和方法，在整个的艺术创作活动中占有重要的地位，是所有艺术创作的基础。现实主义质的规定性是描写“真实”，即文学艺术应按照生活原有的样式和形态来表现生活，反映生活本质的“真实”。这是现实主义最根本的意义。它强调文学艺术要客观地再现社会现实，从整体的各个方面掌握社会生活，探索隐藏在现象背后的本质，发现事物内在的整体关系。典型论是现实主义理论的核心内容，力求解决文学艺术描写中人物的特殊与一般的关系问题，创造出个性和共性完美结合的艺术形象——典型形象，在表现细节真实的同时，既要真实描写和表现复杂的社会关系，还要反映出复杂的社会关系的矛盾运动过程。做到再现典型环境中的典型人物。

总之，现实主义认为文学艺术创作对社会现实观察得越仔细、研究得越深入，对事件及细节的相互关系和矛盾运动理解得越透彻，就越能获得真实的力量。典型化是唯一能够完整地揭示出人物性格、世界观和命运的正确方法。

我们在长期的教学实践中，现实主义创作原则和方法始终是用来指导和规整表演专业教学的核心观念。

二、把现实主义创作原则和方法贯穿表演教学全过程

我们将“艺术是社会生活的反映”的创作观念贯穿表演专业教学的全过程。明确提出以现实主义创作原则作为重要的教学原则，以现实主义创作方法作为教学的核心课题。教学上，着力使学生在创作观念上加深对现实主义的认识，掌握和运用现实主义创作方法，能够创造出活生生的、具有鲜明性格特征的、真实和动人的艺术形象，以及具有浓厚生活气息和富有艺术情趣的舞台生活。根据这样的思路，我们在教学中从一年级最初的教学训练起就有意识地反复讲解和强调表演真实性的重要意义，帮助学生建立和形成“真实性是表演艺术的生命”的创作意识。通过教学训练与实例分析，帮助学生认识和区分表演上的真实与虚假。要求学生按照人的有机天性的规律在假定的情境中真实自如地行动。采用小品表演练习、观察生活创作练习作为教学内容进行教学训练，使学生在学习表演初始阶段就懂得和学会关注、了解生活和生活中形形的人。这样教学的目的，既是培养学生建立生活是艺术创作的源泉的意识，认识生活与艺术创作的关系，养成良好的创作习惯，形成正确的表演观念，掌握正确的创作方法，创造出真实有趣的人物形象和生活气息。

三、把现实主义创作原则和方法贯穿在表演专业教学中

艺术创作和艺术教育在遵循自身的规律开展活动的同时，应该依循适合于其创作与教学活动要求的方法或者说美学的原则。长期以来，我们坚持把现实主义创作原则贯穿于表演教学活动，用来指导专业建设。在课程结构、教学内容、教学方法、教材建设、人才培养、实践教学、教师队伍建设等方面，逐步形成专业特色和完善的教学系统。

大家知道，斯坦尼斯拉夫斯基的演剧体系是科学的演剧艺术创作方法，影响了全世界。它充分地体现了现实主义的原则与思想，是科学培养演员的重要基石。我们的表演教学深受其影响。与此同时，继承与接受我们民族戏剧的美学传统和滋养，再加上不断地研究与吸收世界各国戏剧教育的优秀成果，我们的表演教学形成了系统的、科学的方法。几十年的教学实践使我们认识到，演员的培养需要做到以下几个方面：一是遵循人的有机天性进行科学的训练，使学生的创作素质获得全面的培养，这是演员创造角色必备的专业基础。二是以舞台行动作为表演创作基础和以表演技巧作为训练的重点，使学生掌握表演创作技能，这是演员创造角色应具备的专业技巧。三是依据人生活的法则和运用生活的原理进行艺术创作，使学生在体验的基础上再体现，能够真实准确地揭示角色的心理生活、思想情感与精神世界。为此，我们在教学中强调表演创作应艺术地再现生活的真实，通过典型环境塑造典型人物性格特征，通过舞台行动创造出符合人物性格特征的形体生活、心理生活以及性格化的语言。

我们根据不同教学阶段的任务与教学内容和学生的具体情况，有意识、适度地加大教学训练的力度，提高学生艺术创作与艺术实践的能力。教学中，利用课堂教学训练，调动和激发学生艺术创作的热情，要求学生多阅读剧本和多创造角色形象，在实践中锻炼与提高表演技能；利用学期、学年的教学检查、考试和汇报演出，使学生在观众面前接受检验，展现自己的艺术才能。通过艺术创作实践，使学生在感性与理性上，加深对表演艺术创作与表演理论基础知识的理解与感悟，增长才干。

多年以来，表演系几代教师经过对传统教学的实践和借鉴欧美戏剧教育经验，在表演专业教学上进行改革和创新，取得很好的教学成果，受到国内外戏剧院校的关注。

表演基础教学的“观察生活”和“演员创作素质的训练”教学内容和教学方式，不仅在本系和本院的表导演教学中产生了很好的教学效果，形成了系统的和有特色的教学，并且在全国产生非常大的影响。许多艺术院校都采用了表演系的教学成果进行专业课教学的训练。

台词教学形成了一整套的具有中国文化底蕴和特色的教学内容和训练的手段，成为表演教学当中重要的教学内容。经过多年积累，台词教研室编写出的教材《舞台语言基础与技巧》获得北京市优秀教材一等奖和国家优秀教材二等奖。该教材在全国被多家艺术院校用于教学的训练。

形体课形成了系统的课程。教学内容和教学训练手段丰富、实用。我们根据戏剧影视演员培养的特点和需要，在教学上分别进行形体基础、中国代表性舞蹈与礼仪、形体技能、外国代表性舞蹈与礼仪、现代舞（爵士舞、踢踏舞）的训练。通过训练使学生具有比较扎实的形体表现力的技能。

声乐课形成了系统的教学内容和教学训练手段。根据戏剧影视表演创作对演员的要求，我们在结合普通艺术学院声乐教学内容与训练手段的基础上，在教学中强调采用我们民族说唱艺术的演唱形式、技巧，以及通俗歌曲演唱技巧，丰富教学内容。使学生具有一定的音乐修养和演唱技能。

我们还开创了音乐剧表演专业方向。表演系音乐剧专业建设在向日本四季剧团和欧美音乐剧学习基础上，经过十几年的教学实践，形成了基本课程结构、教学系统和教师队伍。这些年培养的音乐剧表演人才，在国内和国外都有出色的表现。

总之，几十年的教学实践证明，表演系的课程建设和形成的教学系统，是表演系的专业建设和教学改革与实践的具体体现，是行之有效的。

四、把现实主义创作原则和方法体现在艺术人才培养的全过程

艺术人才的培养是一个复杂的系统工程，其核心的问题是怎样在教育教学的各项活动中能够有效地或者说自然地帮助学生形成正确的艺术观念，掌握坚实的专业基础理论和专业技能。我们认为，现实主义创作原则和方法，在培养艺术人才的问题上，尤其是在艺术人才培养的全过程当中，是必须坚持的。因为学生在接受培养的过程当中，不仅是要学习、掌握专业基础理论和基本的创作方法，更重要的是建立和形成了正确的专业思维和艺术的鉴赏能力。

60多年来，表演系始终重视基础教学和研究，强调学生的基本功、基本技能的训练与基础理论知识的讲授，强调培养学生的独创性素质；强调创作实践与理论研究、传统与现代相结合，强调研究和吸纳国内外戏剧影视艺术创作、戏剧影视艺术教育教学中的先进经验和一切有价值的成果，促进教育教学的建设与发展。

在教学中坚持“重基础、厚修养、全面培养；重素质、讲训练、协调发展；重技巧、讲方法、掌握技能；重创造、讲形象、开拓个性；重传统、讲流派、兼容并蓄；重创作、讲实践、检验教学”的教学思想。

在人才培养上，坚持以现实主义创作原则和方法作为指导思想，培养基本功扎实、掌握熟练的创作技能、具有坚实的专业理论基础知识与开阔的艺术视野、具有活跃的创作思维和很强的创作实践能力、具备良好的艺术素质与高尚的道德情操，以及适应社会发展需求与能够胜任话剧艺术、影视艺术等艺术创作要求的表演专业人才。

五、把现实主义创作原则和方法融入表演专业教学全过程

怎样帮助和培养学生解释艺术创作活动的基本规律与用艺术的方式来认识生活和表现生活？怎样帮助和培养学生处理艺术和生活的关系与用艺术的方式来表现生活？都必然涉及创作原则、方法。因此在表演教学中，无论是低年级基础教学阶段，还是专业技巧训练的教学阶段和高年级毕业创作实习的教学阶段，现实主义创作原则、方法作为一条主线，始终贯穿在表演专业教学活动的全过程当中。

根据这样的理念，表演系在教学上强化以下几个方面的工作：

重基础、厚修养、全面培养。把基础教学看作是表演专业教育教学的重要环节，把课程设置作为保证教学质量的关键。

重素质、讲训练、协调发展。把培养演员的素质与创作素质的训练摆在教学的首位。即在教学中，一方面讲授成为合格的、优秀的演员所应具有的很高的敬业精神与职业道德水准，具有深厚的生活素养、很好的思想修养和娴熟的专业技巧；一方面进行演员创作素质的培养与训练，即以表演元素作为教学训练的重点，采用游戏式的教学手段和方法进行教学训练，使学生在假定的情境中能够真实有机地行动和生活的同时，表演创作素质得到训练和培养，创作天性得到开发，并打下扎实的表演基础。

重技巧、讲方法、掌握技能。把帮助学生掌握表演创作技能与创作方法作为教学训练的重心，视为表演教学训练的重要内容。指导学生学习和掌握表演创造心理技巧、舞台语言表现技巧和形体表现技巧，依据人的生活的法则和运用生活的原理与逻辑进行表演艺术创作。在这个教学阶段中把舞台行动视为重要的创作技巧和科学的创作方法，要求学生掌握并运用于角色的创造。

重创造、讲形象、开拓个性。有意识地培养学生的创造性思维、即兴表演创作的能力与开拓学生表演创作个性。教学中，培养学生创造角色形象的意识，使学生善于观察、注意、分析与提炼生活，善于展开想象和生活联想进行角色形象的构思，善于将知识性记忆和情感记忆运用于角色的体验与体现，善于运用表演技巧创造出具有鲜明性格特征的角色形象。在教师的指导下，独立地处理剧本和完成角色形象的创造；创作天性得到开拓与发展。

重传统、讲流派、兼收并蓄。教学中，强调要重视表演艺术的真实性，运用舞台行动技巧和方法创造出符合人物性格特征的形体生活、心理生活以及性格化的语言。要求学生以真挚的体验，真实地反映和揭示角色形象的内心世界与精神生活；以真挚的体现，艺术地表现和揭示角色形象的外部性格特征与形象特点。强调要继承中国戏曲表演美学传统，学习和运用中国戏曲表演艺术表现手法，丰富表演创作。强调研究和吸收其他国家当代戏剧创作和戏剧表演教学的先进经验，活跃表演教学研究，促进和推动表演教学的改革与发展。

重创作、讲实践、检验教学。毕业创作与实践，是高年级教学的重点。为了保证教学的质量，学院规定每个毕业班必须完成一个大剧场和两个小剧场规模的毕业实习与公演剧目的创作，并投入相当的经费和提供最好的条件以确保毕业班的教学如期完成。在这个阶段中，教师排练与导演排练结合，教学方法与导演方法结合，教学计划与导演计划结合，教学效果与演出效果达成统一。学生表演创造的才能得到充分发挥。

六、把现实主义创作原则和方法作为科学研究的基础，推进与发展表演艺术教育

构建和实践科学的体系，提高教学质量，是表演专业教学的需要和根本保障。

学生在学校4年学习的内容与接受的训练，其本质就是打基础，所有的教学阶段与训练内容，都是对学生进行演员培养的专业基础性教育。根据不同教学阶段的任务与教学内容，通过有序的教学训练，使学生在每一教学过程当中能够深入领会所学内容，完成专业训练，掌握表演创作方法与表演技巧，掌握不同风格、体裁的表演创作手法，处理剧本与创造角色。并通过讲授戏剧基础知识与表演基础理论，扩大学生的艺术眼界，活跃学生的艺术思维，增加学生的戏剧文化底蕴，使他们对戏剧艺术、表演艺术的创作任务与创作特点、生活与艺术创作的关系、不同的戏剧风格与体裁、不同的戏剧流派创作等有基本的认识和了解，为今后的艺术创作做好准备。

当前，如何理解现实主义，如何看待现实主义，如何发展现实主义，特别是能否坚持把现实主义创作原则和方法作为戏剧艺术教育教学的指导原则，的确是一个值得深思的问题。回顾60多年的办学历程，总结表演教学，毫无疑问，坚持现实主义创作原则和方法对我们教学系统的建立与形成，具有积极作用和重要意义。它是我们专业建设和专业教学的重要原则，是我们进行艺术教育、教学研究的基础，有利于我们的表演教学实践，构建科学的教学体系，提高本科教学质量和人才培养。

表演专业的培训范文第2篇

优秀的培训师在培训中应该扮演好的不是一个角色而是四个角色：

第一个角色：教师

从培训师字面上理解，师者传道授业解惑者，培训师首先是老师，因此无论是教授学员如何成功的做人还是教授销售、管理、或者财务技巧，都要具备老师一样专业知识和授课技巧。

1、 具备课程的编写能力

培训师的课程应当是系统而明确的，如同老师的教案一样，每个课程都围绕着一个中心，说明一个问题，就拿营销课程，如果要做成教案估计如同MBA教材一般厚实，因此不可能在一天或几天的培训课中系统的讲解，但是作为培训师应当将课程重点集中在自己擅长的点上，例如专讲市场调研的课程，专讲定价策略的课程等等，或者是针对初级营销人员大致了解营销整体内容的介绍型课程，只谈营销的工作大块划分不涉及细微领域才能让该课程有不同的针对性和系统性。最忌讳按照培训者主观逻辑拼凑的课程，既没明确主题也不具备课程的完整。

2、 具备教师的课堂讲解能力

应该说培训师大多不是教师出生，没有受过师范学院的课程讲解训练，但是如同教师一样的讲解能力却是培训师必不可缺的能力。讲解需要把一个观点一个问题深入浅出的剖析清楚，无论深奥或是浅显都能让学员明了培训师所要阐发的观点意图，例如一个讲财务课程的培训师，是企业的管理人员出身，自己做财务工作取得很大的成就，能很好的完成各种财务工作，但是由于财务不象其他岗位那样与人交流的时间较多，加上财务课程本身涉及的数据、理论、方程式等较多，因此这个财务管理培训师在讲解时常常让学员感到似懂非懂。

第二个角色：演员

培训师的职责除了传授知识，更要让学员接受知识，传授与接受是个截然不同的概念，就象同在一个课堂学习的学生最后获得知识量完全不同一样，传授只是一个教的过程，而接受是学的过程，那么怎样才能让学员将自己传授的知识理解、记忆并掌握是对培训师的要求。

1、 象演员一样始终吸引受训者的注意力

我曾看过许多培训大师的课程，大多动作幅度较大，表情丰富甚至夸张，如果在生活中估计大多数人断难接受这种的说话方式，可是培训课堂上需要培训师的这种“表演”，此时培训师已经不是课下“某老师”，而是课堂教学中的一个演员，他需要用这种方式始终引领学员的注意，让学员全身心的投入到对课程的理解和体会上来。有培训大师级人物授课时衣着都类似于演出的服饰，在课堂上即兴演唱、形体表演都佐证了培训师的演员角色。

2、 将课程用表演的方式演绎出来

同一个课程，有经验的培训师可以将其演绎得淋漓尽致，充分调动学员的热情，让学员在不知不觉当中投入，而同样内容的课程换成一个经验欠缺的培训师上课时，就无法引起学员的兴趣，甚至感觉内容枯燥，形式做作，形成抵触。

拿企业内训的一些销售课程来说，很多大的企业集团不能说没有销售高手，也不是没有既通晓销售知识，又销售经验同时也能言善辩的人才，但为什么仍然需要借助专业的培训师呢？因为同样的话从不同人的嘴里说不出来，或者用不同的表达方式给别人的感觉都是两样的。而专业的培训师就象给这些知识加上了华丽的包装，原本一些朴素的知识或道理由不起眼变成了“金玉良言”，通过培训师的演绎，这些知识让受训者感觉到是“如此重要”以至于在今后的实际工作中会牢牢的记住，这就是达到了培训的目的。

例如，一次销售培训师在讲“成功就是简单的事情重复做”这个观点时，举例世界成功销售人员的经历，培训师一边讲这个销售人员如何开始拜访，一次次失败，一边就用自身的形体表演，演绎故事中人物当时的沮丧表情和全身瘫软的感觉，到后来通过不断坚持不懈的拜访工作积累了大量客户获得成功时，培训师又会将故事人物成功时的激动、喜悦、百感交集演绎的淋漓尽致，就象让受训者看到了当时场景的再现，此时培训内容已经深深印在受训者的心里。

第三个角色：教练

培训师包含除了教授知识以外更为重要的功能是教练功能，对学员的培养和训练就体现在整个培训过程中，例如拓展训练，体验式教学、游戏教学、是对学员能力的训练。需要培训师对学员进行辅助、引导，让学员身体力行的参与到培训项目中来。

1、 体现教练的示范性

在培训课程中除了讲解很多也采用实验教学法，例如教学员的沟通技巧课程，就会让学员分组采用课程的方式进行实验，在实验当中可能暴露出学员在该项技巧运用中的问题，此时培训师就会自己示范，请学员扮演极难沟通的客户故意刁难，然后看培训师如何采用所授技巧予以化解。

2、 体现教练的耐心指导

优秀的培训师对于学员知识的掌握较为负责，如同上文提到模拟实验中有的学员掌握知识较慢，培训师会主动予以指导，一次次辅导学员准确运用技巧，直到每个小组基本通过模拟实验。

3、 体现教练的严格性

教练的严格性在游戏教学中体现的最为明显，在培养学员团队精神的课程当中有个游戏叫“我们是一家人”要求学员互相搭肩膀围成一个圈，然后一边高呼“我们是一家人”的口号，一边同时蹲下或起立，要求一个圈的学员保持绝对的步调一致，很多时候学员来自不同部门甚至不同企业很难做到相互的协调配合，而培训师则要求必须达到动作完全一致才结束当天的课程，否则一直练习下去。这种严格正体现了培训师不单是教授知识更是对学员的一种训练。

第四个角色：咨询顾问

优秀的培训师也是企业的咨询顾问，可以根据企业状况提出培训课程及培训重点的建议。培训师大多有自己擅长的领域，例如教授销售课程的培训师以前的必然有不错的销售业绩，在销售领域有着丰富的实践和理论基础，所以他能有自己独特的课程和行销技巧。

1、 具备顾问级的专业知识和丰富经验

如果说培训师是人云亦云，将其他人所讲的课程复叙出来那一定是表示最优秀的培训师。优秀培训师在应该是自己专业领域的专家，不是简单的照搬而是对知识、技巧的灵活应用，授课时能旁征博引充分阐释，遇到学员的实际问题也能凭丰富经验与知识给予准确的解答。

2、 具备咨询顾问的诊断、咨询功能

表演专业的培训范文第3篇

声乐课作为影视表演专业的必修课程之一，是通过一定的声音训练方法及歌曲演唱，训练学生的声带机能，使其学会合理地运用嗓音及开发其嗓音的潜能，能够演唱具有一定难度的声乐作品，同时提高用声音塑造角色的能力。本文尝试通过对影视表演专业声乐课教学现状的研究分析，打破原有的单一思维，从多个角度去探索一条适合表演专业发展的声乐教学的道路。

关键词：

影视表演；声乐教学；特点研究

对于影视表演专业来说，声乐、台词、形体、表演是四门主体课程。声乐课作为声音训练的基础课程，是影视表演专业的必修课之一，其主要教学目标是，通过一定的声音训练方法和歌曲练习，帮助学生树立科学的发声概念，充分挖掘其嗓音的潜能，使学生达到能够演唱具有一定难度的声乐作品，并提高用声音塑造角色的能力。从目前表演专业的大部分学生来看，其目的是学习表演，心中有一个明星梦，或者有朝一日能成为男女一号。他们对表演课有着深入了解和实践演出的积累，同时对剧本和台词有一定的理解能力，表现欲望强烈，但是入学前接受过声乐训练的人却凤毛麟角，甚至完全没有接触过，或者即使有也是临阵磨枪的状态，对声乐知之甚少，更别谈有音乐上的表现。笔者曾参加过一届表演的招生，从现场的招生情况看，也反映出同样的问题。绝大多数学生嗓音处于未开发，或待开发的自然状态。真假声区完全不统一，大部分学生处在用大本嗓喊的状态。声音全真声或全虚声，甚至五音不全者也掺杂其中。从给表演专业的学生初上声乐课的表现看，有的学生出于好奇，有的学生胆怯，但绝大多数学生则完全忽视声乐课对声音开发的作用。这些现象表明，表演专业与音乐专业声乐在教学对象上存在的差异性。声乐课程是音乐表演专业的核心课程，属于理论实践一体化课程。通过发声方法与技巧的训练，使学生建立正确的声音观念，掌握科学的方法与技巧，具备对声乐作品的分析、处理能力和演绎能力，从而培养出能胜任社会基层文艺工作者的高素质技能型专门人才。但是就目前的情况看，很多院校声乐课程都是按照专业音乐院校声乐课程的模式进行，并没有突出影视表演专业声乐教学的特点。而声乐课又是一门技能性要求很高的课程，所以在表演专业的人才培养模式中应有相应的体现。声乐课作为表演的主体课程，被列为声、台、形、表系列课程之首，充分说明声乐课对于影视表演专业学生培养的重要性。但由于影视表演专业学生招生人数有着逐年增加的趋势，且由于声乐这门课程本身对学生的基础条件要求较多，比如嗓音条件、音乐感觉等，因此表演专业的声乐教学相比较音乐专业的教学就产生了诸多问题。显然，仍然沿用音乐专业声乐课的教学方式与实际的教学需要已经严重脱节。这种授课模式带来的弊端阻碍了对学生声音训练的要求，影响了表演专业声乐教学的质量。这种实际状况目前仍普遍存在于高校。如何给表演专业的学生上好声乐课，是作为表演专业声乐教师应该思考的问题。

一、影视表演专业声乐教学与传统声乐教学的区别

影视表演专业声乐教学与传统声乐教学的区别主要有两个方面：培养目标不同。声乐课作为影视表演专业教学中的主要基础课，其主要目的在于通过科学系统的发声方法的训练，使学生树立正确的声音概念，充分挖掘每个学生的声音潜能，提高声音对于歌曲的演绎及表达能力，加强对音乐的感受力，为更好地塑造人物形象服务。话剧（影视）是表演与台词的结合体，其主要行为是“演”与“说”，角色塑造基本靠大段的对白和台词来完成。演出形式的不同。声乐表演的主要表现形式是演唱，主要采用大段的咏叹调、宣叙调及形体表演来完成角色塑造的。教学目标是培养具有一定演唱技巧的声乐人才。教学内容则主要以发声练习及训练演绎歌曲能力。因此声乐课教学方式上多以一对一的小课教学为主，同时辅以形体课、舞台表演等课程。而影视表演的声乐教学则应确立配合台词课，以服务表演教学为目标。表演的主要形式是话剧或影视剧。表演艺术主要是靠演员的形体、语言、情感等要素。因此如何把台词课与声乐课打通来上，就显得尤为重要。

二、如何加强影视表演专业的声乐训练

（一）根据方向的不同，确立训练重点

声乐作为一门学科，经过声乐教育家们几百年的积累与沉淀，形成了今天声乐教学的体系和方法。但是传统的声乐教学模式是以培养专业歌唱演员为目标的。显然，这与影视表演专业声乐教学的培养目标有着本质的差异。笔者认为，在符合培养目标的基础上，影视表演专业的声乐教学应配合语言、台词等课程，从而使声乐课训练的重点放在对学生基础声音的开发与挖掘上，以辅助于表演教学。笔者曾就“对声乐课的意见及想法”这一问题对某一年级（表演专业）的学生进行问卷调查。调查结果显示：90％的同学希望能多演唱一些通俗的歌曲，少唱艺术歌曲，特别强调歌曲的音域一定不能太高，多唱一些以中声区为主的歌曲。这与平时课上学生的表现是相互对应的。我们应本着培养的学生能适应市场的需求原则，满足社会的需要，使得课堂培养与市场需求紧密联系起来。这正是体现综合性大学培养高素质的应用型人才的目标。影视表演专业主要以培养影视演员或者话剧演员为主，大量的对白是演员推进剧情、塑造人物的主要手段之一，因此台词的朗诵训练自然成了演员表达的主要方式。影视表演的学生，早期的训练主要是以解放学生的表演天性为主，由表演的自然到不自然，然后再达到自然，使学生在舞台上能“演唱”会“行动”又能“表演”，从而提高学生对不同角色的声音塑造能力。

（二）台词课与声乐课相结合

歌唱是音乐与语言相结合的艺术，两者缺一不可。歌唱中的咬字、吐字对学生的演唱起着至关重要的作用。学生在做基础的发声训练时，常常为了保持好歌唱状态而忽视咬字、吐字。特别是中国歌曲，规范的字头、字腹、字尾的汉语发音规律是能否唱好的关键。因此，对于表演的学生，我们可以采用“以说带唱”的方法进行训练。通过一种通俗易懂的方式，在一种轻松的氛围中进行练习，反而会比较自然地度过学习声乐的初级阶段。说话的声音是否好听、悦耳，取决于母音的发音是否正确、圆润。而演唱则是将这种正确的发声加以夸张和延续，换言之，说与唱的主要区别在于母音上的延长程度。因此，对于初级学声乐和表演专业学生的声乐学习，也可以说是在寻找一种母音延长的方法。日常说话习惯好的人，吐字清晰，音色纯净，在由“说话”过渡到“演唱”时，状态相对自然。而习惯不好的人则可能出现漏气、音色不纯净等问题，虽然也可以听懂，但却让听者感觉很累，这样的方法用来演唱，同样也是不可取的。影视（话剧）演员对声音有着比较高的要求，试想一名优秀的演员可以做到动情地表演，但语言却既无色彩又无共鸣，而且还缺乏穿透力，那么纵然有满腔的情感也难以传达给观众。所以，一名优秀的演员，不仅要具备良好的声音基础，而且要懂得科学的发声方法。因此声乐课须与台词课紧密结合，通过有效地训练，提高声音的表现力。在声乐教学中，经常201遇到的问题是：学生在演唱中咬字含糊、咬字不清和不亲切。但若改成朗诵歌词，则咬字也清楚了，发音也圆润了，正所谓“说得比唱得好听”。因此，加强台词的训练和声音的训练是相互促进的，对帮助声乐教学有着重要的促进作用。例如，在《大海啊，故乡》这首歌曲中，我们采用“以说带唱”的训练方式。通过大声的、拖长音的朗读歌词来逐渐带入演唱的感觉。这种逐字练习的训练方式，练习的时间要保证，短时间的练习不会有效果，一定要有一定的量的积累，才可能在歌唱状态上有所提高。在大声朗读歌词的时候，整个身体下有气息的支持，上有声音的位置，达到上下贯通。朗诵练习时，对自己声音的方向要明确，使自己的声音能让远处的人听到，尾音适当延长。做这种练习时，如能与一定的肢体动作配合，会取得更好的效果。在做好朗诵歌词的基础上，再去逐渐带入歌唱的练习。如“小时候，妈妈对我讲”，把朗诵的情感带入到歌唱中，在咬住字的基础上，加入歌唱的旋律。特别是在“候”和“讲”这两个拖长音的地方，在通过朗诵咬住字的基础上，找到气息的支点，通过气息的支持，把声音往外推，从而保证歌曲拖长音的声音要求。对歌词不重视是造成有些学生声音出现问题的原因之一。一般来说，说话与歌唱在发声状态上，虽有着共同点，但仍存在着一定的差异。说与唱使用着共同的发声器官——声带，二者有着千丝万缕的联系，主要体现在音域、音量、音质以及共鸣腔、气息运用等方面。有些人在演唱中吐字不清晰，却盲目地追求声音上的厚重效果。刻意压喉，导致演唱中嘴内似有东西，完全失去了声音的美感，感染听众更是无从谈起。因此在课堂上，笔者经常要求学生在歌唱前先清晰地大声朗读歌词，从中体会说与唱的联系。

(三)以自然音区为基础，夯实歌唱基础音区

无论多么著名的歌唱家，只有让观众感觉到他的演唱是优美的、亲切的、自然的，才能被观众接受和喜欢。声乐训练首先要重点对学生的中声区进行训练，把说话的发音作为歌唱的基本声音框架。在此基础上对音区、音高、音量等因素进行扩大。大部分表演专业学生的声音特点是真声成分偏多。这就要求在声乐训练中要更多地注重中声区，特别是小字一组的音区练习，对音域的训练不宜过宽。因为学生无论是影视表演还是话剧表演时，大部分情况下都是以对白为主。因此他们的说话也多以真声为主，其真假声混合程度比歌唱演员明显少得多。因此要加强中声区的训练，让学生从口腔状态保持稳定，从最松弛的中声区开始，逐步扩展。例如《摇篮曲》（舒伯特作曲），“睡吧，睡吧，我亲爱的宝贝，妈妈的双手轻轻摇着你。”这首歌曲的音区基本以中声区为主，且歌词多有“睡”和“吧”字，既有闭口音又有开口音，因此在演唱时，先巩固住中声区的歌唱状态，演唱中声区时，大部分的学生状态容易稳定，在开口音和闭口音的转换上也会过渡自然。在保持住中声区的演唱状态的基础上，再去向高低两边的音域进行扩展，从而达到扩充音域的目的。通过巩固中声区训练，达到放松喉咙、稳定喉头，自如发声的效果，增加学生自信心，打好声音基础。声乐教师要潜心研究表演专业学生的教学方法，充分利用学生在表演上的优势。同时紧密地结合台词等相关课程的训练手段，进一步丰富声乐课的教学手段，从而达到融会贯通，使表演专业学生的声乐教学水平能有一个大幅度地提升，使学生不仅能说得好，而且能唱得好。

(四)发挥表演专业学生自身优势，在演与唱结合上求突破

表演专业的培训范文第4篇

[关键词] 影视表演 形体教学 学生

众所周知,在影视表演中,形体教学占据着越来越重要的地位。在影视表演专业的形体教学过程中,大部分是借鉴戏曲表演中的一些表现方法、表演手段,进而对角色的形体动作进行合理的设计。绝大多数影视学院都开设了具有学院特色的形体技能课,并对形体教学进行了深刻的研究,这是因为不少影视专业的教师发现,全面提高学生运用形体动作表达人物情感、刻画人物形象的能力,可以更好的服务于影视表演专业。形体教学课在影视表演专业领域中是相当重要的基础课程之一。教师在形体课教学过程中,通过结合戏剧影视表演专业课的特点,对学生制定科学、合理、系统的形体表演教学内容,进而通过严格规范的形体训练,使学生掌握良好的形体技能技巧和表现方法,从而提高学生表演素质,充分挖掘学生的形体可塑性和表现力,为学生在今后的影视表演中塑造古今中外不同人物形象打下坚实的基础。

一、形体教学在影视表演中的重要作用

形体教学是提高学生影视表演素质的重要途径,在影视学院的教学中突出抓好学生的形体教学,能够为他们在今后的影视表演发展过程中打下良好的基础。

1.有利于培养学生良好的气质风度

影视表演是一个特殊的专业,学生不仅在外貌、形体上有过人之处,还要具备自己独特的气质和风度。影视表演中的形体教学能够指导学生遵循行为美、表演美的准则,为学习表演初期的学生树立关于人体美的概念,并充分培养起他们的审美能力。形体教学课程中与音乐的融合还有利于学生音乐感的建立。绝大部分表演专业的学生经过科学的形体训练,能够在影视表演过程当中展现优雅的姿态,并能全身心投入到影视表演中去,从而形成其独特的艺术气质与精神面貌,对于学生在竞争激励的影视表演圈中占据一席之地发挥着积极的作用。

2.有助于提高学生的修养及审美意识

自古以来,人们对于美都有一定范围的定义,并对美的价值给予了很高的评价。随着社会的发展和生活水平的提高,人们的审美观不断发生变化,爱美、追求美已成为其生活中的主要部分。影视专业的学生在对美的追求方面应该有更灵敏的发掘力和更高的赏析水平。因为影视专业的学生本来学习并即将从事的职业就是用来展示美的,如果自身并不具备美条件和审美的能力,那么可以说在这样一个领域中就很难有所建树。因此,在影视院校中的形体教学就承担起了塑造美和发现美的重要职责。学生在注重自身形体美的审视方面, 应该对漂亮身体曲线塑造有强烈的需求欲望,并且将其审美的意识不仅仅停留在具有魅力的形体上,而上升到身体整体结构塑造的思考上。只有这样,影视专业的学生才能够进一步提高自身在“美”这一表达领域的修养,充分培养自身与众不同的敏锐审美意识。

3.有利于进一步培养学生表演的创造性

可以说,不论任何艺术形式的追求,创造性应该是其终极目标。在影视专业中开展形体教学是非常关键的,尤其是在学生学习影视表演的初期。在这一时期里,学生的个性、创造性、批判性思维都处于有待开发的状态,就像一颗刚播下的种子,等着丰富的营养来滋润它的成长,科学的引导和正确的方式方法有助于学生在今后的表演中更具有创造性的天赋。形体教学就应该立足于培养学生的创造思维能力、创新精神及综合素质,而不单纯的只是一种身体的训练。在形体教学过程中,通过教会学生将优美的形体语言、形体动作贯穿于整体上专业的综合应用中,启发学生进行动作、表演上的创新,以达到他们求新求异的目标,在这样寻常的一举一动中培养影视表演敢于冲破常规的思想意识,这将有利于他们的个性发展。

二、如何上好形体教学

形体训练要求动作舒展、优美、协调,符合影视专业的学生其生理和心理特点,能充分展示他们的青春魅力,帮助他们塑造良好的身体形态,形成正确的审美观点,促进他们成为专业的影视表演人才。想要在影视表演专业中做好形体教学,就要掌握一定的科学教学方法。

1.利用音乐塑造学生的韵律美

音乐在形体训练教学中对培养韵律感、表现力尤为重要。在音乐的伴奏下,学生的情绪会充分调动起来,也很容易承受较大的耐久力和心理负担,有利于加速教学进程。影视表演中的形体教学应该有机的和对学生音乐素质的提高结合起来。不少形体教学都是在教师的节奏声中开展的,其实在形体教学中,音乐可以发挥更大的作用。将形体教学和音乐有效结合起来,不仅可以进一步提高影视专业学生的音乐素养,还能够让他们在结合音乐的律动中扩展表现欲望和表现能力。在形体教学过程当中,学生以动作形象思维为主,模仿力强、形体语言灵巧,采用适当的音乐能够让学生比较主动自然集中学习的注意力,自然而然的进入到形体学习中。

2.科学地安排形体教学内容

形体教学对于学生来说,在忍耐力上是个持久的考验。大部分形体课程由于形体动作的单一性,会让学生产生审美疲劳,进而对形体训练有了厌倦感。基于此,科学的安排形体课程的教学内容就显得尤为重要。由于影视表演专业的学生思维通常比较敏捷,反应相对要快,加之他们对新事物又充满好奇心,如果能在形体课堂上对训练组合加以设计,便有利于激发学生与教师产生互动,形体训练的效果必然会事半功倍。譬如,可以鼓励学生在训练之余,自己创造一些独特的形体动作与老师和同学分享;善于舞蹈的同学可以发挥自己的特长,将自己擅长的舞蹈动作编排到形体课程中,并表演给大家参考等。这些都是行之有效的改变手法,能够在保证形体课程训练的同时为形体教学带来耳目一新的感觉,从而保持学生长时间地对形体教学产生兴趣。

形体训练是培养优秀影视演员的重要途径之一。在各大艺术高校影视表演专业课程日渐繁多的情况下,形体教学的重要性应得到越来越多教师的重视。只有专业教师和学生对形体教学的双重重视,才能够真正发挥出形体教学在影视表演领域的重要作用,才能让学生在将来面对镜头和观众时,发挥自身形体素质的优势,帮助他们在演艺事业中达到新的高峰。

参考文献:

[1]王砾玉.形体基本功训练教程.上海百家出版社.

[2]陈宝珠.形体训练与形象塑造.清华大学出版社.

[3]李佳.气质与形体的塑造.长江文艺出版社.

表演专业的培训范文第5篇

在自主创业中不仅仅是高职音乐表演专业的毕业生，几乎大部分的大学生都是从事一些个体经营的事业，那么其中存在的问题也较多，成功的几率也比较低。对于高职音乐表演专业的毕业生来说其中有些毕业生选择放弃了所学的音乐表演专业，从事了一些个体经营的商铺，因为没有丰富的经营经验、雄厚的经济基础等的支撑，最终就会导致失败。其中还有一些坚持利用自己所学的专业进行自主创业，开办音乐专业方面的培训机构，但是，因为高职音乐表演专业的毕业生不同于高师的毕业生，他们没有教育教学的培养，所以在实际创业中阻力会比较大一些。因此在高职音乐表演专业毕业生中自主创业的就是极少部分人，而且成功的就是少之又少了。

二、高职音乐表演专业毕业生自主创业中存在的问题

1、高职音乐表演专业毕业生综合素质不足

所谓的综合素质在这里主要指的是学生在年龄、资金、社会经验、综合知识等方面的原因，在刚刚毕业的几年中很难将这些突破。比如说在创业初期的资金，对于一个刚刚毕业的大学生，他很难筹集到自主创业所需的启动资金；再比如学生的综合素质方面，因为中国的教育方式，学生在毕业前几乎都没有涉足于社会，在创业思路上不够开阔，创新的意识不强；还有学生在创业方面没有经验，所谓的经验都是一些教课书中的知识，在创业中不能将理论运用到实践中去，遇到问题时会不知所措。对于音乐表演专业的学生而言，在校期间主要专注于专业技能的培训，学生平时的学习主要是一些象声乐、器乐、舞蹈等等的专业课程，对于综合素质方面可以说是非常缺乏的，比如管理、投资等等方面的知识几乎不知道，在毕业的创业中这些都要从零开始学习了解，所以这就大大制约了他们的自主创业。

在学校中设立了一些关于学生就业的相关课程，但是对于自主创业的专项课程并不是很多，这样导致少数自主创业的学生都是在自我摸索中进行着，没有目标性。学校应该开设专门的自主创业培训课程，配备有经验的就业指导教师，系统地对学生的创业能力、思维意识、创业方向等等进行培训，使学生在自主创业中不再盲目。同时学校应该设置一些创业实践活动，让学生在学校期间就能够有一个创业的空间，培养和锻炼学生的自主创业能力。为学生毕业后进入社会自主创业打下基础。

三、推动高职音乐表演专业毕业生自主创业的对策建议

1、树立创业意识

对于高职音乐表演专业的毕业生，因为他们在专业技巧上不及本科毕业的学生，那么进入一些专业团体的就业几率较低，大部分学生在毕业后都放弃了所学的专业从事了其他专业。其实，在社会上还是有许多事业单位需要高职音乐表演专业的毕业生。比如：艺术培训机构、演艺公司、婚庆公司等等，这些都是比较好的创业方向，那么对于高职音乐表演专业的学生在校期间就应该让学生树立一些创业的意识，做一些创业规划，通过几年的学习为此而奋斗努力，在毕业后逐步去实施。

2、加强创业培训