美术与设计的区别

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美术与设计的区别范文第1篇

关键词：设计素描　绘画性素描　造型　区别

素描在美术与设计教育的基础课程教学中，曾经长时间的以纯艺术表现为原则进行造型基础训练。随着素描教学观念的更新和现代设计教育的发展，为了更好地适应设计艺术学科需要，设计素描才由此产生。素描教学改革的进程中，我们对设计素描与绘画性素描进行了比较分析，总结出二者在造型方面存在着较大区别。

一、造型功能上的区别

造型功能是指造型的作用或效能。通常我们会根据习惯性思维看待绘画性素描的造型功能，即“它是造型艺术基本功之一，以锻炼观察和表达物象的形体、结构、动态、明暗关系为目的。素描是一切造型艺术的基础，同时是训练造型能力的基本手段。”反映在素描造型基础训练中，就是学生要培养和锻炼绘画创作上的写实能力。基本功练得越扎实艺术创作中的表现能力就越强。由此可见，一般绘画性素描的造型功能训练，追求的是富有感染力的生动的艺术造型，体现的是其造型的认识、教育、审美作用。总而言之，其是以精神、情感的陶冶或精神产品的本质特性来发挥其造型功能。

相比较而言，设计素描的造型功能则显得较为复杂而且不同。现代设计是科学、技术、艺术、经济相融合的生产物质文化和精神文化的综合学科，体现出科学与美学、技术与艺术的完美统一。设计的产品要符合人类的物质与精神的需求，达到人、机、环境系统和谐、赏心悦目的最优效果，满足人类生活需要，完善人类的生存环境，这是设计艺术家的使命。

二、造型方法上的区别

造型方法是指造型活动中包含感受、理解因素的表现物象的基本方法。绘画性素描与设计素描都是在二维平面上，借助一定的材料或手段，绘制出具有三维感的形象，其视感错觉显示出虚幻的真实形态。区别在于，绘画性素描的造型方法特别是其训练“主要就是在素描学习中锻炼我们对客观事物的观察、分析、认识、理解的能力，只有这样辛苦锻炼出来的技术，才符合创作表现上的需要，才能够与创造结合……在观察方法和表现方法上，只有着重于分析、认识和理解，才不至于照样模写，才有可能真实生动地表现对象”及写实造型。而设计素描的造型方法及其训练则注意到了绘画素描写实方法的训练，“尽管它有能力使素描在某一领域达到一定的表现高度。

然而，这种高度却挡住了人们对自然广泛探求的视线，使素描放弃了观察和表现的多层次、多方位发展的可能性，而以各自的模式把素描教育引入了比较狭窄的地带”。或者说“只有描绘能力没有造型能力。明显的例子是离开了模特儿就不能工作，不能创作”。因此，设计素描的造型方法“其重要的不是模仿，而是体验；强调的不是模式，而是思路；重视的不是结果，而是过程”。其旨在通过素描造型，感受与理解客观自然，发现与认识构想设计，训练与开发创新意识等。所以，设计素描的造型方法与一般绘画性素描相比，它更为注重理性的作用，它“更多的是凭推导作图，而不是对实物的感觉比较”来造型。它或者利用矛盾“透视法”将两个甚至三个形象“推导”地构成；其或者采用“透明画法”来“推导”地表现物象形体的内外部构造，而且“宁愿呆板，不因求生动而交待不清，此种看似艺术性不‘高’的技法，在工艺美术造型基础训练中具有重要价值”。

三、造型特点上的区别

1.绘画性素描讲究画面构图的完整性与完美性，追求构图的寓意性；设计素描则主要强调构图形式的恰当性，而将构图中的精神含义或审美追求放在次要的从属地位来对待；

2.绘画性素描虽然也注意形体内部结构的认识与理解，但一般只求对形体外部结构的造型表现；设计素描则一般强调要对形体内外部结构进行剖析与表现，也即“透明画法”。

3.绘画性素描也注重肌理、质感等造型表现，但它们是为衬托主题、渲染某种意境而服务；设计素描则将这些物质性、适应性、技术性等重要因素直接作为主题。

4.绘画性素描艺术越向前发展，物质因素会越下降，精神因素会越上升；设计素描越向前发展，则越是与其专业特性与特点紧密结合，而更为注重用“物质的因素”来提高与丰富其造型效果，拓展与创新其造型范围等。

通过这四个主要方面的比较分析，我们完全可以认为，设计素描与绘画性素描二者无论是在其造型起点、过程、终点上，还是在其造型的功能、思维、方法、特点等方面都存在着较大区别。

参考文献

[1]连晓红 试论绘画素描与设计素描之辨析[J].辽宁经济职业技术学院(辽宁经济管理干部学院学报)， 2009，(01)。

[2]向敏 论设计素描与基础素描的差异性[J].恩施职业技术学院学报， 2006，(03)。

[3]刘有全 绘画素描与设计素描之异同[J].咸阳师范学院学报， 2005，(02)。

美术与设计的区别范文第2篇

【关键词】美术家；设计师；社会生活；知识结构；思维方式

无论是美术家还是设计师都属于艺术生产者，是随着社会与时代的发展而产生的，由于社会分工的不同形成了不同行业区别。他们与社会生活都有着密切的联系，社会生活作为美术家和设计师创作和设计创意的源泉和基础，又同时对美术家和设计师本人自身产生巨大而深远的影响。总体上来讲，美术家是重再现的，是以追求与现实形象的近似或相似为目的，以描绘客观物象为主；设计师是重表现的不以描绘客观形象为目的，而是用特定的艺术手段表现艺术情感。如果说美术家创作是一种“模仿性”的行为，那么设计师的作品就是一种“创造性”行为。美术家更多的是创作，设计师更多的是创造。

一、两者与社会生活的关系

“我们知道，任何艺术作品都是艺术家对社会生活的能动反映和艺术创造的产物。”①美术家与社会生活有着十分密切的关系，他的创作源泉和创作基础都来自于社会生活。虽然设计师也与社会生活有着密切的关系，但设计师更注重的是作品的价值，例如：实用价值、文化价值、审美价值。设计师不像美术家那样，美术家在创作时完全可以将个人的情感倾注于作品，而设计师在将自己的情感倾注于作品时更应该考虑的是设计对象（消费者）的情感。美术家的作品可以是在展出或陈列后通过观赏者慢慢地欣赏而产生共鸣，但设计师的作品必然是要在视觉的第一瞬间就要与受众产生共鸣。所以，设计面对的是更为广泛的大众，设计师更注重的是设计作品的商业性质。美术作品可以只作展示和陈列供人们来欣赏，但设计作品却是切切实实地与人发生着关系。设计作品除了传递出必要的信息诱使消费者进行消费外，还要让消费者使用，通过实用与适用来完成设计的目的。当然设计师还要注重设计品的艺术性，也就是美观。美术家与设计师都注重其作品的审美价值与文化价值，但设计师在此基础上更注重其作品的实用价值。设计师考虑的更多的是众人的感情，美术家考虑的更多的是个人的情感，如果美术家是为艺术而艺术，设计师就是为人而艺术的。

二、两者与社会知识结构的关系

美术家与设计师的知识结构就是既要必须具有专门的艺术技能，掌握并熟悉某一具体的艺术种类的语言和技巧，同时又要具有广博的知识面和合理的、优化的知识结构。美术家与设计师的知识结构还应当包括深刻与深厚的思想修养和文化修养，以及关于社会科学和自然科学等多方面的广泛而渊博的知识。社会知识结构直接体现在美术家和设计师的艺术修养中，表现在其艺术作品的层次的高与低。美术家可以“闭门造车”来完成自己的美术创作表达自己的意愿，但设计师必须时时刻刻与外界接触，不断了解设计受众的意愿，还要把握时代的节奏、时尚的潮流，甚至更要走在时代的前沿乃至超越时代。设计师比美术家更需要掌握时代的脉搏。

美术家的知识结构主要来源于学习与生活，但不同的艺术流派所倾向的知识结构不同，不同的艺术思潮对美术家的知识结构又产生不同的影响。设计师需要有更广阔的知识结构，对设计而言设计除了具有艺术性以外它更多表现的是一种文化性。美术家可以根据自己的知识结构创作具有个人风格的美术作品，设计师会涉足更多的领域，在面对不同的领域做设计时，他更要用相关该领域的知识结合艺术的表现来进行设计的创造。设计与美术相比更具有学科交叉性的特点，设计师不像美术家那样单纯，而是具有一种广泛的包容性。设计师在了解物质的、技术的手段同时还要考虑精神的、观念的因素，把握文化价值的取向。虽然美术家的文化修养十分重要，但设计师的文化修养显得尤为重要，面对广泛的设计受众群体，要想做好真正的设计不将文化因素考虑进去是不行的。

三、两者的思维方式与能力的关系

“思维是人脑对客观事物本质属性与规律的概括、间接的反映。”②思维主要属于心理范畴，是一系列心理过程中的心理活动。我们对于思维的研究主要从哲学、心理学、逻辑学出发，随着社会的发展和时代的进步，之前单一的思维模式不能再应对复杂的艺术现象，综合的思维便应运而生，从而满足艺术对思维的要求。虽然美术家与设计师在艺术创作中都具有抽象思维、形象思维、知觉思维、灵感思维，但设计师和美术家的思维方式却存在着不同。如果说美术家探索问题答案的思维方式主要为发散思维的话，那么设计师探索问题的方式主要为聚合思维。从思维的创造性维度来看，虽然美术家和设计师都具有再造性思维和创造性思维，但设计师需要的创造性思维更加明显。

设计师必须具备“想、手、说”的能力。也许美术家只具备前两者就可以了，但想成为一名真正的设计师这三种能力缺一不可。所谓“想”，对美术家而言是构思，对设计师而言就是创意，是在进行艺术设计实践之前形成的指导思想。如何让构思新颖，如何使创意独特，这一步是进行艺术创作和设计创造的起步阶段，也直接关系着美术作品和设计作品的好与坏。所谓“手”，就是实践能力，是将所想的构思和创意转化为具体作品的核心环节，它既包括表现能力也包括技术手段，对美术家而言笔、纸、颜料等是他的“手”。对设计师而言，材料、电脑、软件等是他的“手”。再好的构思或创意都要通过具体的实践作品来表达，所以“手”是一名设计师必须的表现途径。所谓“说”，也许是设计师所独有的，它是对所创作的作品向受众或客户所做的文字和语言上的阐述与表达。美术家可以没有这个环节，因为美术作品是用来欣赏的，也许不用过多的文字和语言描述，但设计师却必须向受众、向客户做到清晰而直接地表述。有的可通过作品自身来携带适当的文字信息，有的通过语言的描述进行设计作品的阐述，而新兴的数码媒体设计更是结合视、听，“说”还存在着另一个层面，就是广告界所谓的“贩卖创意”，也许你的创意不是很新颖，也许你的作品并不十分好，但也许你在面对客户或受众时表达、表现得好，你的作品同样可以脱颖而出推销出去。在这里设计师更像是一个辩者，用清晰的思维，犀利的言语来打动受众和客户。“想、手、说”不仅是一个层次上递进的过程，它们之间还存在着相互影响和相互制约的关系，它们是不可分割的统一的整体。

四、结语

美术家与设计师的培养都需要具有艺术的天赋和才能，掌握一定的技艺、技巧，拥有一定的文化修养。同时通过对社会生活的艺术体验、优化自身的社会知识结构、培养优秀的思维方式与艺术创作的能力。无论是要成为一名真正的美术家或设计师都是一个漫长而又艰辛的过程，但当我们认清前景的方向后，便如同望着那远方的灯塔，即使是在黑夜也始终会向着目标停泊靠岸。

注释：

美术与设计的区别范文第3篇

【关键词】戏曲舞台美术；电影场景设计；相同点；不同点

一、中国戏曲舞台美术

戏曲是我国传统的艺术形式。它产生于我国古代社会，包括京剧和全国各类地方剧种，是一种综合性艺术，以表演、音乐、舞美为主要表现形式。戏曲也是一种独特的艺术呈现，它把文学和歌舞、说唱表演结合在一起，吸收了各种美学要素，唱、念、做、打俱全，是一门综合性很强、程式化的艺术。戏曲舞台美术是戏曲舞台演出中一个重要的组成部分。它承担着为戏曲演出营造环境、气氛和塑造人物形象的任务，以及其他有助于戏曲演出的造型任务。戏曲舞台美术主要是舞台空间的设计。观众观赏的演员表演都处在同个空间中，观众是通过演员的表演达到欣赏的目的，演员通过表演将美的实践过程传达给观众。不同的是，观众虽然在同一剧场里观赏同一剧目，但根据座位位置的不同，看到的舞台画面也不同。由于虚拟性是中国戏曲表演的一个显著特点，因而戏曲舞台美术也具有虚拟性。即在戏曲表演的过程中，通过演员的“唱、念、做、打”，可以随时创造灵活多变的环境气氛，创造虚拟的舞台空间和景物。如汉剧《雁荡山》是纯武戏，其突出特点便是全场无一句台词，故观赏该剧能很快对武戏有所体会。剧中的武打动作，不仅给予观众感官上的畅快体验，也是推动情节和塑造人物的主要力量。如“攻城”，士兵一个接一个做出各种空翻动作，翻入城内，打开城门。士兵陆续进城，情节也逐渐发展到顶点，使全剧在中落幕。另如孟海公“骑马”时跳起劈叉，不仅展示演员技艺之高，而且催生了马失前蹄这一小情节。通过贺天龙的表情、神态、动作，观众可以看到马从奔驰到精疲力竭，看到险峻的山路和整个战局。再如，中国传统戏曲舞台的“一桌二椅”，既可以看作是真实的桌椅，也可以把桌子当作山坡、点将台、高楼，椅子当作牢门、织布机等。所以戏曲舞台的美术设计要结合演员的表演动作才能起到展现环境特征的作用。

二、电影与电影场景设计

电影是综合了摄影、文学、戏剧、美术、音乐以及建筑等多种因素的综合性艺术。电影美术是为银幕世界进行造型设计的美术，是电影创作的总体艺术构想中的一个重要组成部分。它最根本的造型任务是空间造型，即完成空间的各种结构、效果、气氛设计，要求景物和人物、景物和画面、景物和剧情、景物和语言能够完美地融合在一起。场景是指戏剧、电影、电视剧中的场面。即戏剧、电影、电视剧中，由布景、音乐、登场人物等组成的景况。电影场景是指展开电影情节单元的特定空间环境，是全片总体空间环境的重要组成部分，是银幕造型的基本构成单位。场景中的“场”是电影中较小的段落，是故事中的一个片段的意思，是时间概念。“景”是景物的意思，是空间概念。“场景”指的是时间中的空间。场景是除角色造型以外的随着时间变化而变化、展开电影情节单元的特定空间环境。场景是随着故事展开，围绕在角色周围，与角色发生关系的所有景物。因此，角色所处的生活场所，以及陈设道具、社会环境、自然环境、历史环境，甚至包括作为社会背景出现的群众角色，都是场景设计的范畴，都是场景设计要完成的设计任务。场景设计在电影中占据着重要的位置，发挥着十分重要的作用。在电影作品中，场景设计既要真实自然，又不能照搬生活，需要设计者用创新的精神进行创作，用艺术的思维去寻找符合剧情和人物，能够产生强烈效果的场景空间形象和造型语言形象。对戏曲舞台美术与电影场景设计进行比较可发现，各门类艺术既相互区别，又相互联系。每一种艺术都有自己的特殊性，这样才使它们区别于其他门类的艺术而独立存在，但各门类艺术之间的关系又不只是相互区别和相互独立，它们互相吸收与借鉴，互相融合与连接，因此又是相互联系和相互融通的。戏曲舞台美术与电影场景设计也是一样的，都是演出空间的设计，但由于所依托的演出形式（艺术形式）不同，因此二者既有共同点，也有不同之处，在设计中也会有不同的体会。作为美术师和设计者，应认真研究、比较，以更好地完成不同门类艺术的设计任务。

三、戏曲舞台美术和电影场景设计的共同点

戏曲舞台美术和电影场景设计的整个创作过程和程序基本上是相同的，主要是：

（一）就戏曲、电影作品本身来讲，其作品主题的表达，都是积极地反映现实生活、历史生活。通过各自的艺术手段，表达作者的情感、思想、志趣，给人们以启发。因此，对于戏曲舞台美术师和电影场景设计者来说，进行设计前都要先阅读剧本，对剧目的主题思想进行分析。

（二）戏曲舞台美术和电影场景设计都是以剧本为基础、以导演为中心的二度创作。戏曲要有剧本，影视作品也要有分镜头剧本，因此，对于戏曲舞台美术师和电影场景设计者来说，其创作不是单独地表达个人意向，而是都要以剧本为创作基础和创作依据，并且都要和导演进行沟通。

（三）戏曲舞台美术和电影场景设计都是对剧目的空间造型进行设计。即完成空间的各种结构、效果、气氛设计等。

（四）戏曲舞台美术和电影场景设计都有照明的布光要求，大部分都离不开灯光的辅助。

（五）戏曲舞台美术和电影场景设计的程序基本上是相同的，都需要阅读剧本、分析主题思想，以及制定目标、分析主要人物和次要人物之间的关系、对每一场或每一个片段进行分析，还要确定场景形象，设定场景基调、色彩和气氛，绘制设计图等。

四、戏曲舞台美术与电影场景设计的不同之处

戏曲舞台美术与电影场景设计主要是在地点、场面气势、设计方法等方面有所不同，主要有：

（一）就戏曲和电影本身来讲，戏曲是观众和演员都处在同一个观演空间里，观众虽然在剧场里观看同一剧目，但根据位置的不同，舞台画面也不同。电影则是通过镜头，使观众对同一场面做共同的间接欣赏，不论观众处在电影院的什么位置，欣赏到的画面都是相同的。因此，二者对设计者的要求不尽相同，一般来说，戏曲的场景较少并且相对固定，电影的场景较多并且流动性、变化性较强。

（二）戏曲剧种很多，剧种不同，则可能导演不同、设计不同、时代不同，美术风格也不同，呈多样化的格局。电影虽然在作品的划分上有很多类别，但都是通过镜头投射在银幕上来表现的，因此戏曲舞台美术与电影场景设计的表现形式和风格是不同的。

（三）戏曲舞台美术设计，主要强调氛围的营造、材质的运用和颜色、灯光的处理，更多的是依靠创作者的艺术品位。电影则是大量运用现代科技手段，生活中那些不可想象的动作画面，都可以在屏幕上实现。因此，戏曲舞台美术与电影场景设计的手段有所不同，戏曲舞台美术的手段较为单一，而电影场景设计的手段则比较丰富。

（四）戏曲多以一面景观面对观众，在演出的空间里，运动的场面也是有限的，即使是宏大的场面，也只能限定在一个规定的范围里。演员在舞台上可能只跑了一个圆场就象征着走过了许多路程。电影场景设计要考虑宏大场面的处理，特别是一些大场面的铺排，要选择适合的外景，为了符合拍摄要求，还要考虑如何对所选外景进行改造。因此，戏曲舞台美术的范围较小，而电影场景设计的范围要大得多。

（五）戏曲舞台美术主要将舞台形象集中在演员身上。特别是中国传统戏曲是程式化的艺术，它的基本特征是“写意”、“冲突”、“动作”和“综合性(即文学、音乐、表演、舞美的综合)”、“节奏性”、“程式性”、“虚拟性”，它的舞台设计也较为虚拟、程式和传统，其戏曲舞台美术的表现形式以人物造型为主，配以简单的桌椅和必要的小型道具，因此具有景物的虚拟性、时空的运动性和造型的装饰性等特点。电影不但可以专门呈现整个演员，也可以专门呈现演员外形的某几部分或详细介绍他周围的东西。电影场景设计要求真实自然，其中有很多实地实景。电影中每个场景的物质空间都与人物存在着密切联系，各类建筑和道具的构成都遵循它在人物的生活中所扮演的角色。因此，电影场景设计比戏曲舞台美术更真实、更细致。

（六）戏曲等舞台艺术的造型，虽然与电影相似或接近，但时间的概念是相对固定的，演出时的物理时间和舞台上的时间是相等的，在空间上，对观众而言，舞台与观众的相对观演位置是固定不变的。观众的视点在观看过程中，是基本固定的，对于艺术空间的感受也是相对固定不变的。电影造型艺术中的时间和空间都是相对自由的，通过摄影机的运动和镜头组接，电影可以把时间进行压缩、省略或者延伸、放大。在空间构成上，电影艺术的造型形式表现出更高的自由度，电影艺术作品中的每一个镜头在银幕上停留的时间都是有限的，画面造型实际上是不断发展变化的。观众观看一部电影，其视点是随着镜头的组接和摄影机的运动而不断变化的。因此在时间和空间造型的设计上，要求电影场景设计比戏曲舞台美术有更多的变化。

美术与设计的区别范文第4篇

关键词独立学院园林专业应用型人才培养中图分类号：G645.1文献标识码：A

独立学院多数是在申办高校的优势学科、特色专业的基础上发展起来的，与母体高校在培养目标、专业特色上雷同现象严重。但随着独立学院逐渐“转设”为民办普通高校，如何打造办学特色和专业优势，是现阶段独立学院面临的重要课题。①

1 独立学院人才培养模式探索

近年来独立学院逐步转变办学方向，在打造应用型本科人才培养模式上不断摸索。比如浙江大学城市学院实行“错开定位，配套发展”策略，建设了适合自身学校定位的应用型专业体系，实行“横向可以转移，纵向可以提升”的应用型人才培养模式；西安交通大学城市学院提出了“三突出”人才培养模式，即在理论教学中突出够用、能用、会用，在实践教学突出基本技能、专业工作能力和综合技能，在实验教学中突出基本实验、综合实验、仿真与开放实验；江南大学太湖学院提出“2+1+1”的人才培养新模式，即“两年通识教育、一年专业教育、一年自主教育”。②越来越多独立学院的办学模式已经与母体高校有了明显的区别和自身的特色，踏出了走向独立的关键一步。

2 独立学院园林专业应用型人才培养目标的定位

20世纪30年代浙江大学等少数学校开设了观赏园艺课程，标志着我国园林专业高等教育的开始。80年代后，园林专业高等教育随着城市建设快速发展得以迅速发展，目前我国约有60多所院校开设园林或相近专业。我国的园林专业高等教育多数分布在农林院校和综合性大学，因自身学术背景不同，园林专业各有所长。与上述两类院校园林专业相比，独立学院应重点发展园林规划设计，兼顾园林植物栽培与养护，培养具有生态学、园林植物与观赏园艺、风景园林规划与设计等方面的知识和技能，能在城市建设、园林、林业部门、园林公司、花卉企业以及大专院校和科研院所从事风景区、森林公园、城镇各类园林绿地的规划、设计、施工、园林植物繁育栽培、养护、管理及科研工作的高素质应用型复合型园林人才。

3 独立学院园林专业人才培养的优势及特色

3.1 农学学科与艺术学科结合

据不完全统计，全国超过40%的独立学院开设了设计类艺术专业。因此，独立学院园林专业依托于母体高校园林专业，结合本校艺术类专业，形成两专业优势互补，学科间交叉融合，可以有效增强学生艺术精神和科学思想的结合，进而突显创新精神与创意能力。

3.1.1 注重美术基础

独立学院园林专业招生多为文理兼收，学生入校前没有经过系统的美术训练。较少的美术课程设置对于没有美术功底的园林专业学生来说，难度大，压力重，学生难以灵活掌握。通过新增相关美术课程以及延长美术课程学时，达到强化园林专业学生美术基础的目的。以华中农业大学楚天学院园林专业为例，相比较母体高校而言，增加了《速写》、《中国画》、《建筑画》、《设计表现》、《构成设计》、《美学原理》、《中外美术史》等美术类课程，同时又增加了《素描》、《色彩》的学时。

3.1.2 强化美术实践

写生是美术类各专业实践教学的重要环节，作为园林专业的学生同样需要通过短期的集中写生训练。通过艺术写生，使学生能够体察自然和社会风貌，并运用课堂教学所学方法与技巧进行独立的写生实践。共享学校艺术类专业写生基地，扩大学生视野，将课堂理论与室外景观相结合，由校内训练转向户外真实实践，使学生的美术能力、创造力得到提高。

3.2 强化设计实践

《关于深化教育改革全面推进素质教育的决定》中提出：“实施素质教育，以培养学生的创新精神和实践能力为重点。”虽然全国各高校进行了一些探索，但 “重认知轻实践 、重知识轻能力”的现象在我国高校里仍较突出，毕业生实践能力弱已成为学生就业、社会适应和创造性的不利因素。③

3.2.1 注重园林设计

园林植物栽培养护是国内园林专业的主要内容，独立学院园林专业应强化园林设计，以园林植物与园林规划设计的培养并重。学生既要熟知园林植物种类和习性，又具有较强园林规划设计功底。作为独立学院园林专业的特色，提升学生的规划设计能力尤为重要。园林设计从业人员的质量取决于在校所接受的教育和基础训练，因此，注重设计，提高园林专业学生的培养质量，在教学改革中努力提高园林设计能力。

3.2.2 强化实践环节

独立学院园林专业应注重素质、突出能力，坚持知识、能力、素质协调发展和综合提高，努力培养富有创新精神和实践能力的高素质应用型人才。参考国内外园林专业的课程设置，优化课程体系，坚持课程设置与就业密切联系，坚持因材施教强化实践教学，培养学生的动手能力。如园林专业实践教学环节35周。其中，军事训练2周，在第一学期集中安排；社会实践4周，在寒暑假进行；基础写生4周，在第三学期集中进行；课程实习5周；第七学期园林规划设计综合实习4周；毕业实习与毕业论文16周，在第八学期进行。独立学院园林专业应该进一步增加设计实践教学在课程体系中的比重，积极建设校内外教学基地，促进学生多元化发展，有效保证了人才培养质量。

4 结语

我国社会经济快速发展，城市化进程日新月异，对园林专业从业人员提出了更高要求，独立学院园林专业定位于高素质应用型人才培养也应进行相应变革。一方面要满足园林建设与管理要求；另一方面独立学院园林专业应不断摸索，走差异化发展路子，既要区别于一般综合性大学研究型人才培养，又要区别于高职、高专的应用型人才培养。独立学院园林专业应该重点发展园林规划设计，兼顾园林植物栽培与养护，在人才培养中积极强化实践教学，突出“文理与艺术学科结合，注重美术基础，强化设计实践”的特色，不断加强教学条件建设，规范教学管理，着力提高教学质量和办学水平。

注释

①胥秋.独立学院十年发展历程的回顾与反思[J].现代教育管理,2011(10):48-51.

美术与设计的区别范文第5篇

关键词：开发趣味；兴趣；高效；美术欣赏课堂

当前研究高中美术欣赏课堂的学者很多，他们从理论分析到课堂实践，总结出很多可贵的经验，我只想来说美术欣赏课最能吸引我，给我最大启发之处。

1 高效美术欣赏课堂要充满趣味性

2013年5月，我在东莞市第七高级中学对8个普通班的405个学生进行了“美术欣赏课总结调查”，约占94%的381位学生认为美术欣赏课要富有趣味性。课堂中有了趣味性，学生学习的兴趣和激情明显得到提高，会积极主动参与到美术学习探究中来，教师和学生都有了动力，课堂气氛活泼轻松。

作为基础教育的高中美术欣赏课应该是一个充满趣味的课堂。趣味性是共同体现在教师和学生的角色中的，对于学生而言，在其紧张的文化课学习之余，有机会来欣赏、体验美术的真、善、美，无疑会让他们在学习美术过程中感受到丰富的趣味性；对于教师而言，教师将自己所学和对美术的热爱，拿到课堂与学生分享，与学生一起发现美、体验美、创造美，在这个过程中，也充满了无限的趣味。

普通高中《美术课程标准》对通过“美术欣赏”学习应达成的成就标准做了要求，其中首先就包括能激发学生学习美术欣赏的兴趣，其次要指导学生懂得美术欣赏的基本方法，了解中外美术的主要风格和流派、重要的美术家及其代表作品，最后要理解美术与自然、社会之间的关系。达到这些成就标准是高效美术欣赏课堂的基础，但是由于美术学科的特点，它不是死记硬背、公式化、数学逻辑推算就能学好的，整个高效课堂的前提就是学生学习、欣赏美术要有兴趣，本文就试图探究如何在美术欣赏课堂中开发趣味性，激发学生欣赏美术的兴趣，达到以上成就标准，成功构建高效美术欣赏课堂。

2 趣味性高效美术欣赏课堂模式在教学中的实施

2.1 激发学生欣赏美术的兴趣

趣味性可以体现在整个教学中的每个具体环节，在课堂的发展中做到“以学生为本”，激发学生欣赏美术的兴趣。教师可以从导课、讲授、组织的具体环节上着手。

（1）趣味性导课，引发兴趣。导课是课程教学一般模式的第一环节。导课为授课开始的导言，包括课堂仪式引出课题。对于美术欣赏教学来说，更要从导课开始寓教于乐，用趣味性的导课方式，营造轻松活泼的课堂气氛，增强学生对课题的好奇心，集中学生一堂课中最开始的注意力，引发学生对内容的兴趣，使学生轻松的进入到学习状态中。要使课程导入变得有趣味，我们可以从语言组织、表情手势和工具媒介等几方面来着手，以下案例便是在工具媒介上做了开玩笑式的处理。

我在准备讲意大利文艺复兴三杰中关于达芬奇的一课时，我尝试采用的就是趣味性导课方式，我先将达芬奇的代表作《蒙娜丽莎》用图片软件作了一番处理，将我自己露齿笑的头像把蒙娜丽莎的头像换下来，再把这个处理过后的露齿“蒙娜丽莎”和达芬奇的蒙娜丽萨一同展现在课堂的投影仪上。让学生观察两种微笑有什么区别，哪个微笑更美。结果同学因为我修改了下蒙娜丽莎的小玩笑而迅速集中注意力，马上关注我提出的问题，同时课堂氛围开始轻松热烈，帮助我顺利的将后面的课题过度，迅速引发学生的兴趣。

（2）趣味性讲授，快乐学习。“师者，传道授业解惑也。”讲授新知识课堂教学最重要的环节，美术鉴赏课的内容本身和生活息息相关，囊括了生活中真的力量、善的人格、美的意境，这样的内容也充满了感性的色彩，也有很多美术形象具有趣味性。在课堂中为学生讲授这样的内容时，不能让学生被动接受，因此教师的角色不仅仅是教授者，也是一个表演者，教师要借助形象、生动、有趣化的语言、姿态把讲授的内容变得有趣且学生易于理解。

比如工艺美术门类中的陶瓷艺术本身就具有丰富的趣味性，在造型上可以制作出生动有趣的艺术形象，另外，因投身体验于多种有趣的制作方法上，在制作过程中也是激动有趣的。我在讲工艺美术中的古代陶瓷艺术一课时，考虑到陶瓷制作工艺的有趣性特点，我将准备好的陶泥带到课堂，让学生分组轮流体验“羊头式”和“式”揉泥技法，即时安排十分钟时间，让学生跟随我用“盘泥条”的方法做一个陶碗，完成之后我再为学生讲授传统陶器的发展，由学生自主体验探索，自己总结出答案，整个课堂我避免我单方面的讲解，而是让学生亲身感受陶瓷制作中的趣味，因此课堂非常积极主动，学生表示学习过程很快乐。

（3）将趣味性带入教学组织，调动学生的积极性。在高中美术欣赏教学组织形式中，最常见的就属班级课堂教学和开放课堂教学，一般都是以班级课堂教学为主，开放课堂教学为辅，大部分情况下都是在学校固定班级课堂里教学，小部分情况下是学校另外为学生创造学习环境的开放课堂教学。那么，为了调动学生的积极性，如何将常见的这两种教学组织变的有趣味性呢？

第一，班级课堂教学方式是目前我国最常见的美术欣赏课教学组织方式。教学组织过程中，教师要根据美术学科特点、知识重点和学生实际情况，将趣味性带入课堂，创造一种轻松、愉快的课堂气氛，用兴趣的火种去点燃学生思维的火花，激起学生思考和探究美术的欲望。教师需要精心设计教学过程，构思具有趣味性的问题情境，设计游戏的安排，真实有趣的体验，提高教学的效果，让教师乐教、学生乐学。

案例：我上《美在民间永不朽——中国民间美术》一课时，怎样将趣味性带入课堂组织，调动学生学习积极性呢？于是我设计了男女分组抢答竞争游戏的环节，另外安排一段时间让学生以同桌的头像为原型创作一副简单的剪纸，同样比谁剪的剪纸好。通过对课堂的观察，发现很好的调动了学生的参与积极性，迅速思考、讨论教师提出的问题，创作剪纸的过程，学生配合的非常有趣，尽情投入到为同桌创作一副剪纸作品。

第二，开放课堂教学方式是最受学生欢迎的美术欣赏课教学组织方式之一。我在2013年6月对两个普通班级的98位学生面对面访谈，其中有81位学生希望换个开放的教学环境上美术课；另外，全部希望可以到博物馆和美术馆看展览。学生之所以喜欢开放式课堂教学，是因为这样改变的学习环境与学生贴近心理、贴近兴趣让学生有趣轻松起来，让学生感到更加新颖的同时也会觉得课堂更加形象有趣，另外对教师而言，也让教师更加便于发挥自己的主导性。我总结了可用于上美术欣赏课的开放课堂有三种方式，分别是教师带领学生到当地附近的博物馆、美术馆和艺术工作室上课。这些方式都能让教师发挥主导作用去引导学生，学生也能直观的感受和观察很多相关的美术作品和文物、收集感兴趣的材料。

例如博物馆，博物馆本身就具有公共教育的功能，目前全国有1800多所博物馆面对公众免费开放，这便于我们学校的教师在博物馆开发很多与美术有关的课程，在中国国家博物馆就经常成为美术、历史等科目的课堂。美术馆会经常举办美术展览。艺术工作室能让学生更多的了解到各种门类的美术作品的创作过程，在油画工作室能更直观看到油画的创作过程。

2.2 教学设计案例比较

我给高一年级班设计了一堂美术欣赏课《认识陶和瓷》，这堂课的教学目标主要是让学生理解什么是陶器和瓷器，了解陶器和瓷器的区别。分别在两个班级里进行，第一节课是以普通的教学方法尝试进行，第二节课是在第一节课的基础上改进了，尝试把趣味性特点运用到课堂中。现将这两节课的设计思路简单列举，做个比较。

（1）第一节课：课堂导入。以视频导入课题，播放大型纪录片《故宫藏瓷》中关于对瓷器介绍的片段，大概四分钟，待视频播放完毕，提问：陶瓷是我们生活当中最常见的用品，但是很多人不清楚陶和瓷之间的区别，从科学上讲，陶是陶、瓷是瓷，那么，究竟什么是陶？什么是瓷？板书本堂课的课题“认识陶和瓷”。

课堂发展。第一步先列举陶器和瓷器的定义，对照陶瓷器和瓷器的科学定义，给学生将什么是陶和什么是瓷的问题给学生一一讲解；第二部，展示典型、具有代表性的陶器和瓷器图片给学生欣赏，在欣赏的过程中，先看陶器图片后看瓷器图片，欣赏结束后，提问学生：陶和瓷的区别是什么？最后将学生回答的答案一一评价，并总结出正确的答案。

课后反思。本堂课结束后，效果一般，很多学生并没有跟着我的思路走，显得很被动，思考和回答问题不积极，原因是我采用了灌输式教学方法，且教学方式单一。

（2）第二节课：课堂导入。将准备好的共6件陶器（花盆、高仿唐三彩碗和紫砂壶）和瓷器（青花瓶、彩瓷碗和瓷壶）分发给学生轮流观察、感受。板书“认识陶和瓷”；接下来让班级的男女生分成两组，每组分别派1位学生代表，将那6件器物归类，陶器的归类到陶器、瓷器的归类到瓷器，速度最慢和错误最多的一组为失败方，且失败方的同学要将自己家中所摆设的陶、瓷器说出来，全班同学根据讲的同学来找茬，寻找有没有说错的。最后我将6件陶瓷器总结归类，提出问题：什么是陶器？什么是瓷器？

课堂发展。第一步，让学生参与制作陶器，把准备好的陶泥分发给每位同学，让他们学习运用泥条盘筑法制作一件陶碗，制作完成后，教师指出泥条盘筑法是古代先民制作陶器最原始的方法，并列出陶器的定义，讲解陶器的发明与发展。第二步，播放《故宫藏瓷》纪录片中的瓷器特写片段，播放完毕后列出瓷器的定义。第三步，展示陶器和瓷器的图片，按先一张陶器后一张瓷器的，根据对比来逐一解释陶和瓷的区别，并让学生亲自试验陶和瓷的吸水性和透光性不同的特点。最后，总结归纳陶和瓷之间的区别，由男、女生两组各派一名学生书写到黑板上，并解释理由，教师做最后评价。

课堂延伸。陶和瓷属于人教版美术教材里古代工艺美术一课，因此这个班下节美术课将带到市博物馆进行，学生表示对博物馆的兴趣浓厚，非常想看古代的工艺精品。

第二节课上完后，第二节课比第一节课的效果要好，第二节课在导入和组织的环节中，我尝试给课堂里注入趣味性的因素，加入分组比赛、体验陶器的制作趣味、动手操作测试陶器和瓷器各自不同的特点，使学生在第二节课表现积极主动、课堂氛围活泼轻松，学生掌握知识比较牢固，对美术学习的兴趣增长，都表示美术本身很有趣。

3 结语

一堂高效的美术欣赏课最吸引我、启发我之处就是课堂中的趣味性。有了趣味性，学生对教学内容充满了兴趣，能积极地参与到整节的美术学习和欣赏中来，教师因为学生的积极反应，教师教的也很快乐有趣，学生学的快乐有趣。在美术欣赏课堂中合理开发出趣味，是构建高效美术欣赏课的有效方法，其中如何开发趣味，还有很多方法，正所谓八仙过海各显神通，在探索运用趣味性因素帮助构建高效美术欣赏课堂的路上，需要更多美术教育工作者的努力。

参考文献：

[1] 赵英水，米海峰.走近高中美术教学现场[M].首都师范大学出版社，2011.

[2] 高明.中学美术教师教学技能[M].陕西师范大学出版社，2012.

[3] 张玉秋，邹乃坤.美术教师怎样面对“有效教学”[J].现代教育科学，2010（5）.