影视表演的特征

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影视表演的特征范文第1篇

[关键词] 欧美电影；语言；特征；表现；影响

谈及欧美电影，我们不仅可以看到欧美各国电影的不同发展类型和道路，还可以挖掘出它们之间的内在关系。虽然美国电影以其商业性和视觉冲击力强为主要特征区别于欧洲类型电影，但是，每一个时间段的美国电影也有所不同，它本身也具有一定的艺术特征。下面我们就以欧美电影中的美国电影为主题试图分析欧美电影视听语言的特征表现和发展脉络，结合具体的电影案例进行品评。

电影体现的镜头语言与创新性表现

说到电影的视听语言，我们可以从影片的镜头运用得到一些启示。一些类型电影运用了不同的影视手法，例如蒙太奇表现、镜头的闪回、剪切等，这些有效的运用使影片添加了很多新的色彩，也一定程度上提高了票房收益。但是，新技术的使用并不是良药，基于20世纪五六十年代的新形式电影的运用，一系列的改革不仅在影片的主题表现和叙事结构上有了改变，在电影的造型手法与风格上也有了很大的区别。欧美电影不是孤立的，通过欧美国家之间电影界的交流吸收与借鉴，将英国的纪录电影、前苏联的蒙太奇语言以及法国的新浪潮运动都进行了交融，同时也都一定程度上被借鉴到美国电影之中。美国电影的叙事性也力求突出一种古典主义的风格，影片的场景之间会有连带关系，这都要求影片的镜头要创造明确的空间，人物形象要居于首要位置，一般都会使用人物特写与超近景镜头去表现，欣赏者会始终随着导演的安排进行观看，有一定的单调性，不灵活。改革要尽量追求自然真实的效果，虽说是一种现实主义的表现，但是运用了实景拍摄的手法以及尽可能真实的拍摄环境会让观众增加可信感，愉悦心灵。此外，在镜头的使用、音响音效的处理和后期处理上也有了一定的改变。例如使用了新的镜头语言，力求运用黑白彩色画面混搭、慢镜头处理等实现新的技巧，使影视画面丰富多彩，不仅可以增强影片的艺术性效果，还可以使观众摆脱平淡无奇的电影叙述，增强视觉冲击力，多种手法的结合使用还突出了影片的深层意义，或许也一定程度上可以彰显导演的个人烙印。在场景中，具体的打光会使用自然的光线，它挣脱了传统的室内营造光线照明，导演利用摄像机的灵活性去外景拍摄，如一些乡村街道、城市角落、高层顶端等。这样，不同的摄影构图和打光处理，使影片更具时代气息，自然感十足，也与传统拍摄手法有了截然不同的效果。电影《逍遥骑士》取景就多在美国乡间宽阔的公路上，融合了自然景观，天空下的自然光线十分悠然，影片的画面里充斥的就是两个骑行人，他们的身影就是影片构图中的主体画面，但是自然景观和光线的照射是自然而不做作的，观众可以更好融入景观中去，去体验畅行户外的真实感受，同时，我们也可以领略拍摄者的匠心独运。此外，还有一部影片可谓特点鲜明，《邦妮和克莱德》颠覆了一些传统的电影拍摄套路与模式，不仅开头就是用了大量的近景特写镜头，将邦妮的脸部特征运用镜头推拉摇移进行深入刻画，配合影片的特色音乐，整部影片具有一定的生活气息，也可以反映主人公的心理特点。该片具有一定的写实性特征，打破了一些传统套路，尤其是美国式的影片模式，在同时期电影中出类拔萃。在光线的使用上，导演试图将一些场景烘托出一种朦胧美，采用了一些逆光和非正面拍摄的手法，突破了传统角度。这些典型的电影造型风格方面的突破，使欧美电影有了新的发展，或许不断的探索就是电影发展进步的真实来源。

电影的创新性表现一般都伴随着社会思潮的涌动，一些影片如《杀死比尔》等，采用了一些暴力美学的特征，不仅在场景、灯光、后期剪辑等方面有了新的突破，还在理论层面开创了后现代主义特征影片的新纪元。我们熟悉的一些著名导演，他们的扛鼎之作都具有暴力美学的特征，虽然他们影片的表现各有特点，但总的来说都会具有一定的市场影响和魅力体现。暴力美学电影一般都具有强烈的视觉冲击力，例如吴宇森将中国式的武侠情怀和武术打斗融入其中，而美国的好莱坞电影则力求以全新的视角、后期技术使观众享受全新的视觉盛宴为出发点，特征明显。在演员的选择和动作特技上，也将暴力诠释得淋漓尽致，很多影片把打斗动作有效结合特技，例如我们熟悉的《黑客帝国》，该片配音与打斗可谓对动作片有了很大的突破，将科幻的色彩和暴力打斗融汇其中，使观众明知是虚幻环境中的动作打斗，也可以享受它，尤其是其中一些场景里维斯的射击场面成为该片的一个亮点，那种潇洒和酷感至今为人称道，该片也成了永恒的经典之作。暴力美学电影将传统善恶之间的争斗加入视觉盛宴中，观众不会去分析其中的原委，有的也只不过戴着眼镜去享受，随着高清晰画面、3D和立体声音效的多重刺激，电影的娱乐意味更浓了。之前提到的影片《杀死比尔》就形成了一种意境，影片的很多暴力镜头就结合了日本漫画的形式，用浓烈的色彩盖过，或许是为了避免血腥的画面出现，与该类型相似的影片还有很多，如《狼牙》等，都是采用了这种方式。此外，强烈的颜色对比、打斗场景双方人物衣着的强烈色彩反差也是如此，静中待动，动静结合，一触即发。与此相关的影片还有《英雄》《夜宴》等，虽说是内地电影，在色彩的表现上却是独到的。此外，欧美电影还有一种更现实的暴力美学电影，就是那种戏剧式的情节电影，该类电影冷酷，虽引人深思，却更为暴力而血腥。我们可以体会欧美暴力美学电影的可贵之处，但如今，电影在视觉上的刺激和对观众好奇心的满足都要有所限制，或许真正有意义的电影是可以令人回味的，而非一次性的。

欧美电影中的一些电影还体现了后现代主义特征，它们在影片的创作中使用了快慢镜头、一系列动画表现等，不同种类组合产生了新的效果。犹如借鉴了德国电影《劳拉快跑》一样，美国影片《低俗小说》将很多影视片的经典段落加之变化搬上银屏，如此多的场景可谓独树一帜，随意性和漫无目的性的拼接就是该片的特点，这也都是它具有的后现代主义的特点。或许传统意义上的电影就是一种故事的叙述，逻辑性和顺序性较强。当今，刺激视觉的景观电影使传统意义的电影失去了市场，也可以说是视觉上的享受赶走了电影的叙事性，这种电影就是如今的一些好莱坞大片，如《黑客帝国》《绿巨人》《侏罗纪公园》等，虽说影片都反映了虚幻缥缈的幻想场景，加之动画特效和后期的大面积使用，电影的内容有很强的真实感，观众会被其吸引。此外，配合场景的特定音乐作用也很明显，那些在特定情节紧张刺激的音乐促进了情节的发展，烘托了紧张刺激的场景，起到了充实电影的作用。例如一些电影就大量使用了音乐，其中也有很多的转换。电影《棉花俱乐部》就利用了不同音乐穿插到不同的情境中，从舒缓的音乐配合打斗场面的前戏，到暴力场面开始时紧张强烈刺激的急促音乐响起，加之很多慢镜头也用了歌剧音乐，使整部影片单从配音来说就可圈可点，能够被后人借鉴。因此，我们谈到的欧美电影视听语言手法的运用满足了欣赏者视觉上和心理的满足感，或许更深层次是要满足观众的内在需求。

电影叙事结构的发展与变化

或许欧美电影的叙事具有一定的稳定性，一般在人物的行为、主题思想和叙事层次上都很固定，加之影片故事的一些情节，整部影片完整而全面，结局也显而易见，能够是大团圆式的结尾，观众也会得到欣慰。美国电影一般就是使用这样简单得不能再简单的模式进行创作，善恶对立面明显，无论是西部狂野电影还是虚构的探险影片，简洁流畅的故事情节层层推进，使影片的发展自然，不拖沓，或许这就是电影卖座的经典套路。美国商业电影一般也都是以票房为基准，只要卖座赚钱就可以，因此，艺术类型片也要让位于商业影片，虽说商业大片的泛滥依旧，但是进行创新也要有勇气和胆量，美国电影需要的不是艺术效果而是票房，从那些经典电影不断的续集中就可以得知。此外，叙事手法也要满足于观众的具体需要，紧张刺激的情节、暴力打斗场面和后期特技和动画运用都是卖点，它们满足了观众，满足了人们的好奇心。美国电影在类型片上区别于欧洲影片，它不注重艺术性，不让观众去了解隐含的意义，要让观众欣赏影片得到的是轻松的心情，或许这也是美国电影发展的重要特点之一。纵观美国电影的历史，我们也可以探访到好的美国艺术片，如《现代启示录》《归来》等，每部影片都有强烈的深层意思，与一般的美国电影不同，可以反映尖锐的社会问题，一些电影还具有批判的意味，电影的艺术特性也较为明显。

美国商业电影在后期还结合了艺术片，有了较大的发展。例如导演史蒂文·斯皮尔伯格、卢卡斯等人，他们不仅接受了正统美国电影的熏陶，了解美国文化，还吸收了很多欧洲电影的特点，将很多好的元素都结合到了自己的作品之中。此外，他们还进入好莱坞成为商业电影的开拓者和成功者，他们将一些商业电影艺术化，将美国传统艺术片与商业片相结合，在商业泛滥之下不失传统风貌，可以说他们找到了结合点。对于欧洲电影强调的人性化特征，导演史蒂文·斯皮尔伯格的影片《辛德勒的名单》《太阳帝国》等都反映了人性，它们不仅是典型的商业片，加上导演对其加工，艺术性也较为突出，或许以后很多的商业电影是艺术片与商业片的结合，这也是一种发展趋势。美国电影现如今的发展会包容很多新的元素，一些经典的视听语言技巧和深刻的电影内涵会使其更为丰富，适应性也很强。

后现代主义的影响使电影的叙事方式也发生了很大的改变，它们对传统的叙事风格进行了变革，一系列经典电影打破传统模式。例如影片的结局已经不是那种戏剧性的大团圆式的结尾，导演会选用开放式的结尾，观众可以自由参与其中，这在艺术上有了很大的突破。此外，不同的电影主题也可以采用开放式，如种族主义、社会生活、家庭、男女爱情、同性恋题材等，不同种类的电影的故事情节虽说不同，但是在社会背景之下，可以探讨更为深层次的现实意义，加之演员的精湛表演，拍摄的巧妙，后期处理等，这些电影也获得了较大的成功。

[参考文献]

[1] 邵牧君.西方电影史概论[M].北京：中国电影出版社，1994.

[2] 王宜文.世界电影艺术发展史教程[M].北京：北京师范大学出版社，2004.

[3] 韩小磊.电影导演艺术教程[M].北京：中国电影出版社，2009.

[4] 郑亚玲，胡滨.外国电影史[M].北京：中国广播电视出版社，1995.

[5] 王岳川.后现代主义文化研究[M].北京：北京大学出版社，1992.

[6] 程青松.国外后现代电影[M].南京：江苏美术出版社，2000.

影视表演的特征范文第2篇

关键词：戏曲表演；影视表演；区别；启示

一、戏曲表演、戏剧表演以及影视表演三者之间的异同

（一）相同之处

不论是戏曲表演、戏剧表演还是影视表演，都是由演员化身为角色，并以其自身机体为主要创作工具，塑造人物性格。因此，戏曲、戏剧、影视艺术三者是不可割舍的血脉关系。

（二）相异之处

戏曲与戏剧同属舞台艺术，在此笔者将他们合二为一，将他们与影视表演做不同的比较，统称他们为戏剧。

第一、戏剧表演的“变形”与影视表演的“自然”

戏剧表演的演出在剧场中进行，舞台与观众的距离基本是固定的，所以戏剧演员在表演中必须考虑到观众观赏角度的特性。

演员面对的是上千人的剧场，即使小剧场也有上百人，这时舞台上的表演必须适度夸张，说话的音量、咬字的准确、吐词的清晰、语调的鲜明度都需要加强，是语言具有穿透力，能直接达到最后一排的观众的耳中，使之听得清、听得懂并悦耳动听；形体动作的幅度、情感的浓度、情绪变化的反差度都应适度放大，使最后一排的观众看得见看得明白，这是舞台表演所必须的。这种“变形”并不是纯粹的变形，而是相对的自然。那么，相对与影视的“自然”，戏剧表演就显得更加鲜明，强烈，更是舞台的人工（艺术）的修饰和雕琢，因而，也更具剧场的震撼力。

（二）戏剧表演的连贯性与影视表演的间断性

戏剧表演中，演员依照剧情的顺序进行表演，每场戏从上场到下场一气呵成，这种有序的连贯的表演要求演员在假定的戏剧情境中按人物的逻辑与方式持续行动。

影视表演拍摄的是切割开的，所有的情节都是由一个一个的镜头来完成的。影视艺术不按照剧情发展的顺序进行拍摄的，演员的创作自然也要与之相适应。影视演员需要改变舞台演员按情节发展进行表演的方式，而以一种无序的间断性方式进行表演。

（三）戏剧表演的“有反馈”与影视表演的“无反馈”

戏剧演员在舞台上进行表演时的主要交流对象是对手。这就要求演员以对手的存在为自己存在的前提，自己的行动以对方的行动为依据，自己的态度来自对方的刺激，自己行动的目的是为了改变对手的情感与意识，对手的行为与态度的巨大变化，必然引起自己的相应变化，这种来自对手的反馈及自己给予对手的反馈，正是舞台魅力所在，是心灵与心灵碰撞交流的结果，是角色激情迸发、震撼人心的必要前提。

影视演员不进行当众表演，他所关注的是那架把自己表演摄记录下的电影摄影机和电视摄像机。整个表演没有观众参与，也就不可能有当场的来自观众的反馈的刺激，所以一切表演的情绪，内心情感的外化、全都靠自己理智地驾驭。

二、戏剧表演和影视表演对戏曲表演教学的启示

（一）影视台词表演队戏剧台词表演的启示

优质的台词始终是戏剧创作者们最大的追求。而优秀的戏剧台词应富有张力，它能把观众完全吸引住，就像暴雨前的第一声雷，让无限的猜想在观众的心中涌动。优质的台词具有语境的承接性转换的特征；具有丰富的暗藏意义的特征；具有彰显人物性格的特征。就拿《大明宫词》的第七集第十场中的一句台词为例。“年轻嘛，气盛。”当武则天微笑地将这句话轻蔑地跑出后，贺兰闻言便气愤地离席而去。

首先，以这句台词来看，在这一场景之前，斗争的焦点是武则天与贺兰（即魏国夫人）一触即发的矛盾：贺兰仗着李治的宠爱，一再地要求李治废除武则天的后位而立自己为皇后。在这个矛盾中，武则天和贺兰的斗争都是暗藏的，从来都是佯装平静。直到这一个场景，两人的冲突才突然爆发。这句话是对先前这种矛盾汹涌的大语境的承接。

其次，以武则天这句简短的台词来说，它是对贺兰的一种克制的讽刺。之所以说是克制的，第一是因为武则天不是市井泼妇，面对情敌也不可能会锋芒毕露地谩骂和嘲讽。这句话带有长辈评论小辈的口吻，在这个场合仍然不失武则天做为皇后和贺兰的姨妈这两个身份。在戏剧的台词教学中，也可以通过以上的方式，教师要帮助学生们充分地体会到台词中所蕴含的深意作为表演者的内心独白。

（二）影视服装对戏剧服装的借鉴

影视服装设计是影视美术的一部分，也是镜头语言表达所不可缺少的重要部分。成功的服装设计可以反映人物身份，衬托人物处境，渲染人物的心情，人物的服装随着人物命运的跌宕起伏而产生相应的变化，让观众在不知不觉中理解人物的喜怒哀乐，投入到电影语言所表达的情感氛围中去。

服装设计可以反映穿着人物的身份。比如在奥黛莉·赫本的电影《窈窕淑女》中，赫本所饰演的“卖花女”身份的转变，就是主要依靠人物服饰的变化反映出来的。在影片开始的时候，赫本身着打着补丁的棕色衣裙，带着一顶破旧的窄边沿帽子，在戏院的门口向人们兜售鲜花，被人们所厌恶和鄙视着。服装设计可以渲染人物情绪。以电影《英雄》为例，这部电影的服装，色调纯粹而又浓烈，服装的色彩随着人物的心情而进行相应的设计。电影的最后，两个人终于冰释前嫌，在沙漠之中自杀死去时，都身着白色棉布长衣，代表着两个人感情的至纯，以及生命在终结之前的净化。

在戏剧表演的服装应用中，我们同样可以通过不同的服装表达不同的涵义，而不是以往的一个角色只有一套服装，通过不同的服装帮助表演者传达不同的意思、传达故事情节所要变大的涵义。

参考文献：

[1] 米素萍：浅谈中国戏曲表演的特殊性 [J]. 黄河之声，2009，(14)：36-37

[2] 曹芳：浅论当代戏曲影视化 [J]. 艺术百家，2001，(04) .

影视表演的特征范文第3篇

关键词：电影表演；戏剧表演；结合点

戏剧表演与电影表演都是表演中的重要艺术形式，具有极强的观赏性，能够找到观众和角色的共鸣，使观众参与到影视作品中来。在表演创作过程中，不管是哪一种表演形式，都有其自己的优势与劣势，我们无法对电影表演和戏剧表演做出准确的区分。因此，我们可以换一个角度进行分析，要求演员既能掌握电影表演，又能够掌握戏剧表演，将二者完美的结合在一起。

一、电影表演的基本介绍

电影表演是建立在真实的环境之中的，演员通过动作行动、语言行动、心理行动的方式对角色进行扮演，利用数字媒体技术对影视人物形象进行创造，从而将影视人物真实的展现在观众的眼中。电影表演设计的内容非常广泛，像是纪实性美学、观演分离、改变表演顺序、时空跳跃性等都是电影表演的基本特征。纪实性美学是指对利用摄像机对这个真实的世界进行最大程度的记录，利用数字媒体技术还原物质世界，从而使电影表演更加的丰富多彩。观演分离是指电影演员在进行创作的过程中，现场除了机器和工作人员以外，是没有其他观众的，而观众也只能通过多媒体形式去观看电影作品。表演顺序是指对影视作品的创作过程的顺序进行修改，通过剪辑和拼接的方式更好的将电影作品呈现出来[1]。

二、戏剧表演的基本介绍

戏剧表演与电影表演在表演形式上有很大的不同之处，与电影表演的真实性相比，戏剧表演是建立在一个假定的舞台空间。在一个特定的舞台空间，让观众充分发挥自己的现象能力，自然而然的接受这个假定的舞台空间，通过戏剧表演来提升观众对假定舞台空间的真实感，从而实现情感上的共鸣。戏剧表演主要分成歌剧、音乐剧、舞台剧、话剧几种形式。戏剧表演因为是建立在一个特定的舞台空间，所以能够为观众呈现出更加直观的表演，观众就在现场欣赏着演员的表演，坚持以演员为中心，通过演员的表演将戏剧中角色的语言特征、行为特征、心理特征、性格特征等淋漓尽致的呈现在观众面前。另外，在戏剧表演过程中，演员表演创造的好与坏将会直接由现场的观众进行评判，通过演员对剧中角色的剖析和理解，结合自身高超的表演技巧，将剧中人物活灵活现的表演出来[2]。

三、电影表演和戏剧表演的结合点

（一）在演员准备方面

从演员前期准备的方面来看，电影表演和戏剧表演具有一致性的基本特征。不管是电影演员还是戏剧演员，都需要遵守表演的客观规律，坚持表演的基本原则。从本质上看，电影表演和戏剧表演都是一种创造人的艺术形式，对于演员综合素质和演戏技巧的要求都非常严格。演员在表演之前需要进行很长一段时间的自我准备，不断拓宽自身的戏路和表演能力，熟练的掌握表演技巧，深入剖析剧中角色的人物性格，将剧中角色真实的呈现在观众面前。

（二）在创造原理方面

电影表演和戏剧表演在创造原理方面的一致性也非常强。表演属于行动的艺术，应该建立在组织行动的基础上，而行动又需要建立在假定的基础上。在表演过程中，需要对人物、时间、空间、情节等各个方面进行假定，演员通过动作行动、语言行动、心理行动的方式将人物性格充分的展现出来，将自己与角色融为一体，这样才能更好的进行角色表现。由此可见，不管是电影表演还是戏剧表演，都是在相同的创造原理下呈现出来的[3]。

（三）在创造角色性格方面

角色性格创造的合理性对于表演效果有很大的影响，角色性格设定能否吸引观众的注意力，将会直接影响到整个表演作品呈现出的效果。创造角色性格主要分为四个方面，分别是情感、移情、下意识和控制。不管是电影表演还是戏剧表演，在创造角色性格的时候都应该从这四个角度进行分析，将情感作为角色性格的基础，对角色造型、角色个性进行深入的剖析，这样演员才能全面的对角色进行控制，将自己变成角色，更好的演绎出角色性格。

（四）在性格依赖时空方面

演员在表演过程中都是建立在深厚的情感之上的，只有突出体现演员的深层情感才能塑造出完美的影视形象。所以，演员在进行表演过程中，都需要将真实的自己隐藏起来，一名优秀的演员是不会将自己生活中的情感带入到表演当中的。不管是电影演员还是戏剧演员，只要是表演的过程中，就要将自己当成剧中的角色，深刻的体会角色所要表达的情感，并且将这种假定情感淋漓尽致的释放出来，从而实现用直观的时空创造出非直观的时空[4]。由此可见，电影表演和戏剧表演在性格依赖时空方面的结合还是比较密切的。

四、结语

综上分析可知，电影表演和戏剧表演都是独特的艺术形式，但是在实际表演中却并不是独立存在的，而是相通的。作为一名优秀的演员，单单掌握一种表演形式是远远不够的，应该从表演风格、表演形式、表演要求等各个方面进行自我演技的提升，能够熟练的掌握电影表演和戏剧表演的本质与内涵，找到二者之间相一致的地方，并给完美的结合起来，从而实现相互补充、相互借鉴、共同发展的目标。

【参考文献】

[1]陈兵.电影表演与戏剧表演的结合点[J].北京电影学院学报，2007（02）：7-11.

[2]吴文蕾.电影表演与戏剧表演的结合点[J].通俗歌曲，2015（06）：178.

[3]黄娅.戏剧表演与影视表演的异同[J].快乐阅读，2012（18）：120-122.

影视表演的特征范文第4篇

一、动画表演与影视表演的区别

动画表演和影视表演有着本质区别。动画表演是通过动画师的创作与制作，最终展现给观众。而动画师与影视演员的专业素质就不同。可以不要求动画师有演员一样的演技，但必须要求其具有深厚的演技知识。动画师必须擅长绘画，或者善于使用电脑软件，这就是“术业有专攻”的道理。影视演员可以在镜头前进行表演，积累表演技巧和经验，而动画师只能竭尽全力去了解和体会这种表演感觉。演员会根据所处环境的不同，做出适度的表演，甚至有可能是本能反应。而动画师为了让动画角色表演得更加生动，就必须更加努力地学习和研究，这也是动画表演与影视表演最大的区别。

二、提高动画师的表演能力

第一，提高鉴赏能力。动画师在进行创作前，要去了解什么样的作品才是优秀的作品。但因为行业原因，很多动画师往往不如影视演员那样善于交流，因此会被人误解为根本不懂得怎样去表演。如果动画师的合作伙伴不能明确他的表演设计，那么将会对动画创作造成影响，而动画师就要去学习怎样用语言或简单的动作表达自己的想法，并且应当努力提高自身的鉴赏能力，研究和探索各种剧种（包括哑剧表演或是默片时期的喜剧表演），提高鉴赏能力。第二，掌握运动规律。让动画师手中的人物能够正常的运动，对于真人的演员而言，只要是身体正常，都会走会跳，不需要在这一方面学习或者是锻炼。但是对于动画师而言这就是一门专业的课程——运动规律，需要学习世间万物运动的规律性，使任何的动作流畅自如。第三，让运动符合剧情。动画师要在规定的情景中制作出符合剧本要求与角色的运动。比如剧本中有这样的剧情：一个孩子在幼儿园不慎摔倒，家长心急如焚地跑到医院。在此环节中，一个受过专业训练的演员，表演起来并非难事。但是对于一个动画师而言，却是一门专业的课程，即原画。如果能做好这一环节，那么动画师便可以升级为原画师了。在动画片的制作中，还有很多非人类卡通形象的表演。这就必须在能够完成前面要求的基础之上，进一步学习与研究。仍然沿用上文的例子，如果主人公换成了一个可爱的小猪，猪妈妈着急赶到医院。那么动画形象就不是两条腿跑步的人，而是体态臃肿的小猪。那么从猪的生理构造来看，它的腿很短小，屁股却十分肥大，而且还有灵动的尾巴，这样体态往往很难表现，那么就要求动画师必须具备动画表演的综合能力。再如同一个人物，第一个镜头中在城市里平坦的路上奔跑；第二个镜头中在沙漠里奔跑。这两种奔跑在表演方面的特点就截然不同。这就说明在进行动画创作时，不但要考虑到人物角色本身的特征，还要考虑到环境的不同。在具备动画表演的基本能力之后，才能进一步深入研究。而上述的前两个方面只能说明是运动，并不能真正称之为动画表演。对于一般的动画师而言，做到最后一个方面可望而不可及，因此需要动画师多在生活中进行观察，这是研究动画表演的必经之路。

三、动画表演的艺术创作

通常情况下，观众会因为动画片中主人公夸张、滑稽的语言和行为开怀大笑，也会在出现感人情节时痛哭流涕，更会因为反面角色的出现而产生憎恨之情。动画片中，无论是正面角色，还是反面角色都能打动我们，绝对不仅仅是因为故事情节多么引人入胜，也不单单是画面制作得多么精美，而是角色的表演在艺术创作的过程中恰如其分、生动感人，动作设计得惟妙惟肖。缺乏表演的动画片，便是没有灵魂的作品。因此，动画表演艺术创作的真谛就是动画师能够赋予角色灵魂，给予角色真正的生命，这也是动画创作的硬道理。现今，在我国众多的动画作品中，最缺乏的就是对于动画表演的刻画。一些动画制作者对动画表演没有予以足够的重视，忽视了其在动画创作过程中的重要作用，使动画片缺乏表演的艺术性，导致动画片中的角色缺乏灵魂等问题。如我们可以在很多动画片中发现，主要角色无论是男女、老幼；身材无论是高矮、胖瘦，在做一些如走、跑、跳等常规动作时，从动作上看，并无太大区别。这些动画形象明显地如出一辙，没有体现出人物的个性与特色，显得机械、呆板、无趣、乏味。这就是典型的“照搬书本”，动画师往往只是运用最基本的运动规律进行创作，没有揣摩动画角色运动的特征，缺乏对不同角色个性化的处理。这样的动画作品不会具有生命力，更不会有任何的艺术感染力。在制作动画片的过程中，动画师操控着动画片的角色，让动画角色成为“演员”，去演绎不同的故事情节。制作一部优秀的动画作品，不但需要动画师对角色性格进行研究，对角色内心世界进行窥探，还要对整体的构架进行把握。这样才能将动画角色心理的变化更好地展现在动作上。与此同时，也需要动画师尽快融入动画角色，与其“合二为一”，唯有此，才能真正赋予角色以生命，才能让角色生动、鲜活起来，而这也正是我们研究动画表演的目的。

结语

影视表演的特征范文第5篇

关键词：戏剧表演 戏剧角色 表演程式 人物塑造 影视表演

中图分类号：J80 文献标识码：C DOI：10.3969/j.issn.1672-8181.2013.14.049

戏剧演出的各种艺术成分都是在剧本基础上进行的二度创造，一切都围绕着表演艺术而存在，为演员当众表演、创造角色形象服务。表演艺术因其是创造角色的主体而成为观众的注意中心，各种其他艺术成分如美术、音乐、舞台照明、幻灯投映、舞蹈等，都视表演艺术创造的需要而度量，一切以是否符合以演员当众表演为中心的艺术规律为兴衰成败的关键。演员表演的重要性可见一斑。演员应当明确自我与戏剧角色之间的关系，有意识地将自我很好地融入到角色中；掌握戏剧表演程式与人物塑造之间的关系，合理地将表演程式与自身对角色的理解两者结合起来；了解戏剧表演和影视表演之间的联系与差异，遵循戏剧表演艺术的技巧和规律。

1 演员自我与戏剧角色的关系

在戏剧表演艺术中，演员通过扮演的角色，进行人物形象的塑造，直接体现艺术形象。由于每个人的个性特征、成长经历和生长环境不同，所以性格、气质等方面不可能一样，也不可能当然地完全契合戏剧角色。戏剧表演中，演员的每一次创作的过程，都是寻找从角色到自我之间的重叠，搭建自我和角色之间的桥梁，都是从自我到角色的创作和过渡。只有真正把握自我和角色之间的关系，做到二者之间的融会贯通，才能准确地把握和塑造人物形象。演员要有意识地将自我很好地融入到角色中，完成自我到角色的转变。

首先，演员必须对自我有明确的认知。演员自身具有不同的资质，比如有的演员擅长舞蹈，所以形体表达占有绝对优势；有的演员学过声乐或美术等等，所谓术业有专攻，因而在表演上的某一方面，就占有一定的优势；还有一些演员因为阅历广，知识渊博，具有极强的理解力，在表演上就略胜一筹，可见每个人的可塑性并不相同。对自身创作条件的清醒认知，包括对自己的语言、声音、形体特征和相貌，对自身各种资质机能，对自己感受力、想象力、理解力，以及对自身的修养及生活积累等等，有着清楚的自知。只有在对自我深刻认知的基础上，才能更好地拿捏角色，实现和角色的融合与转变。

其次，要对戏剧角色有准确的认知。分析剧本和角色也是为寻找到自我与角色的相似之处，真正融入到角色的情感和生活中去。一是掌握角色的时代背景。对典型环境中典型人物的性格进行塑造，是戏剧表演艺术的最基本任务。任何人物性格的塑造，和戏剧规定的情景及人物所处的时代背景是密不可分的，只有对规定情景分析得越丰富、越准确、越具体，演员就会很快进入角色那个特定的情景、时代。二是掌握角色的性格特点。舞台的人物性格的塑造，是演员通过揣摩剧本中剧情的冲突所确定的。只有在层层展开的矛盾中，人物的性格才能凸显出来。掌握角色的性格特点，就是要在复杂的戏剧冲突中把握人物的主体性格和意志，这是塑造好舞台角色的一个重要的基本点。

另外，还要注意角色和自我的双重性。演员一方面要表现自我，另一方面又要表现角色，并将二者巧妙融合。这要求演员要适度、自如、灵活，要时刻驾驭自我，以在规定的情景中扮演好角色。

2 表演程式与人物塑造的关系

演员的实际表演直接塑造了剧中的人物形象。表演不是随心所欲的，除了根据剧本的内容发挥以外，还要遵循戏剧表演的程式进行。所谓戏剧表演程式，是指从生活中找寻灵感，将存在于生活中的动作或者行为进行艺术上的再加工和再创造，使其高于生活，呈现出更加符合审美心理的范式。戏剧表演程式是一个长期的进化与摸索的过程，受周围生活环境的影响和政治经济的渲染，以适应大众的口味为重要追求。如元杂剧，它分为五大行当，即生、旦、净、末、丑，每个行当在装束、打扮以及动作、唱腔语气方面都有严格的规定，即所谓的程式化；这些程式化的界限，使元杂剧中的人物形成了各具特色的鲜明形象，丰富了舞台表现力。戏剧表演遵循着既定的程式，这是进行人物塑造的关键，也是戏剧表演艺术的显著特点。因此，弄清楚戏剧表演程式与人物塑造的关系，对于实现最佳的舞台表演效果有促进作用。随着经济的发展和社会的不断进步，时代和受众都对戏剧表演提出了新的要求。因此，戏剧表演程式应该在吸取传统精华部分的基础上进行创新，所以表演者应该深入实践，探究程式化表演应该如何与生活相结合，怎样才能透过程式化将生活中的动作或者故事表现得更好。

首先，戏剧表演者应该根据剧本提供的人物形象等内容进行细致的揣摩，进行合理的想象与联想。比如，要了解人物生活的时代背景、行为习惯和言语特点，这是塑造好角色的第一步。角色是概念性的，表演者在遵循表演程式的前提下，应当以饱满的感情赋予角色以鲜活的生命力，成功塑造人物形象。

其次，戏剧表演程式的基本功是塑造人物形象的关键。不同的剧种有既定的动作要领与表演特色，领悟了戏剧表演程式的具体内容，并掌握这些程式的基本功，才能将人物塑造得更加传神。在京剧中，对表演者的步法、神态甚至眼神都有程式化的要求，这些表演上的程式化使人物的行动和情感变化更加突出明显；在脸谱的选择上，忠贞与奸诈的人物形象会用不同的颜色来区分，使观众对于人物的性格一目了然。表演者对戏剧表演程式把握到位，将为角色平添更多的艺术价值，增强艺术的感染力；合理地将表演程式与自身对角色的理解两者结合起来，才能最终塑造出符合戏剧情景、血肉丰满的人物。表演者应该深刻领会到戏剧表演程式的巨大作用，掌握好表演的基本功，在此基础上，揣摩所要塑造的人物特点，力求将人物刻画得生动、传神。

3 戏剧表演和影视表演的关系

戏剧表演和影视表演都属于表演艺术，都遵循着创作者、剧本人物、创作工具三位一体的创作规律。两者在演员的准备等诸多方面有着相近性，也有着明显差异，把握好两者的区别与联系，对于表演者来讲很重要。

影视表演是由演员扮演角色，在摄像机前表演情节的艺术。相对于戏剧表演，影视表演凸显出两大区别点：一是影视表演是不按照现实逻辑顺序的。影视表演因为受到拍摄场地等的限制，不能按照现实逻辑顺序一场一场地表演，一般情况下都是导演按照日程安排选择恰当的顺序来拍摄。二是影视表演的现场拍摄是分镜头进行的，影视演员在表演时不仅要精读原创文学剧本，还要细读导演的分镜头剧本。戏剧表演是由演员通过舞台行动过程来塑造角色的艺术。相对于影视表演，戏剧表演凸显出的区别点是：一是戏剧表演要求演员在接到剧本之后，做好大量的案头工作，准确把握人物性格、人物形象，且在戏剧导演的调度下，经过整体配合的排练后公演。二是戏剧表演时，演员的角色是在舞台行动中通过演员的语言和肢体逐步展现出来的，演员的创造过程与观众的欣赏同步进行。

总结起来，戏剧表演和影视表演的差异：一是时空的关系差异。在表演时段上，戏剧需要一次性演完，演员在舞台上表演并直接与观众交流，不论台词还是舞台调度都要一气呵成；而电影电视是靠剪辑将不同时段拍的片子组合在一起，要求演员具有镜头感以及对于非连续创作的适应性等。在空间选择上，戏剧表演的空间选择很唯一，只有舞台空间，主要是依靠在舞台上的各种手段；而在影视作品中，摄像机的介入使表演不受舞台空间的限制，表演环境相对较丰富。二是表演关系的差异。影视表演在银幕上的最后形象是经由摄影、蒙太奇等多种艺术手段的再创造完成的。其镜头的运用使观众能专注在导演所要表达的内容上，尤其是特写镜头的运用等使演员的细节表现在镜头里被放大，如眼神轻微的游移等，都会直观地反映在观众眼中，较为自然化、生活化。戏剧表演时，由于舞台和观众的限制，距离舞台较远的观众根本无法看清演员细微的肢体动作及神态变化等，因此相对影视表演来说，戏剧表演需要演员运用肢体动作、舞台调度等将表演相对夸张化。

可见，戏剧表演与影视表演都来源于表演艺术，各自又有着不同的表现方式、审美特征以及表演技巧。戏剧表演中，演员的创造过程与观众的欣赏过程是同步进行的，每一场戏的演出，不同的观众的审美观点是不相同的。因此，戏剧演员必须具有与观众进行直接或间接交流的能力，必须具有在各种剧场条件下适应各种观众的能力，根据观众反应随时正确地即兴调整自己的表演。故而，戏剧表演更需要演员具有优秀的表演素质、扎实的功底，遵循戏剧表演艺术的规律。

参考文献：

[1]芦珊.戏剧表演中自我与角色的关系[J].歌海，2011，（5）.

[2]杨彩明.论戏剧表演程式与人物塑造的关系大舞台[J].2010，（9）.