初级声乐教学计划
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初级声乐教学计划范文第1篇
关键词：播音主持专业；声乐课；特点；适应性
声乐课是提升播音主持综合素质的基础，新媒体的出现给传统媒体带来了巨大的冲击，使得传统媒体不得不进行更新，为观众带来全新的感受与体验。在这种背景下，对播音员主持人的要求会更高，需要播音员主持人适应不同的节目类型与播音以及主持风格，这样才能实现最佳的播放效果，提高收视率。但是声乐课在播音主持教学中有其特点，需要教师寻找适应性，才能保证教学效率的最大化。
一、播音主持专业声乐教学的特点
声乐课程的开设对播音主持专业的学生具有极大的意义，其在播音主持专业教学的过程中课程形式以及教学方式都发生了一些变化，其主要的目的是为了训练播音主持的声音，辅助播音主持的专业课程。首先，声乐课程主要是为了提升学生对声音的掌控能力，声乐练习拓展了声音的表现了，提高了学生的声乐功底。其次，虽然声乐课程在播音主持专业中开设的时间较短，学习的内容也是最为基础的知识，但是其却在学生对声音圆滑度、声调的调节、声音的大小、气息的收放等方面的训练发挥了很大的作用。
二、播音主持专业声乐课程教学的对策
(一)结合专业特色制定适合的教学计划在播音主持专业中，声乐课程与其他音乐专业教学有极大的区别，其主要的目的是锻炼学生的声音控制能力，提升学生的声乐基本功底，让学生养成正确的发声习惯，因此教师在教学的过程中，就必须要结合播音主持专业的特色，为学生制定适合的教学计划，要与播音主持专业对学生声乐教学的要求相适应，这样才能让学生更为轻松、愉悦的学习声乐知识。首先，教师应该对做一些发声练习，加强对气息的控制、共鸣感觉等方面的训练。其次，音域范围不要太宽，能够让学生达到正常播音的范围；同时选择的曲目也应该为初级演唱歌曲，更多的要倾向于优美、舒缓以及抒情的作品。此外，在声乐练习之前还应该让学生大声朗读歌词，这样有利于对学生的嗓音训练，从而更好的完成声乐练习。在播音主持声乐教学中，教师要树立清晰的教学目标，对学生的训练要全面、系统，从播音主持的角度出发，为学生制定特色化的教学方案，这样才能激发学生的学习积极性，调动学生的学习热情，声乐教学的效率会更高。
(二)把握播音主持专业声乐课程的教学重点播音主持专业的声乐教学要准确的把握其教学重点与难点，其直接决定了学生对声乐知识的理解程度，声乐练习的重点主要有音域、共鸣、气息控制以及口腔控制等几个方面。其中气息是发声的动力，其与声音的强弱、虚实、长短以及高低具有密切的关系，发声训练多采用胸腹联合的呼吸形式，特点是气息量比较大，并且容易被控制。在声音训练中要求播音主持气息呼出要平稳，收放要自如，合理控制发声气息，这样声音才会更有饱和感。口腔状态在播音中非常重要，要求学生提笑肌、挺软腭、打开牙关并放松下巴。如此一来就可以极大的开扩口腔共鸣的空间，更有利于获取积极的声音状态，使得口腔更加通畅，发声更自然。此外，在播音主持中音高的变化比日常的发生更高，仅靠自身的音域是难以适应播音对音高的需求，因此在声乐训练中要融入对学生音域的练习。首先，教师要对学生的音域有全面的了解，然后进行针对性的训练，让学生的音域能够达到一个半八度。声乐训练是提升播音主持音域的重要形式，首先教师应该将自然音为基础，逐渐向低音区进行扩展，让学生体会声音低沉宽厚的效果，同时延伸至高音区，让学生找到声音明亮饱和的感觉，通过反复的练习，学生对音域就会有全面的认识，在进行播音主持时声音的高低转化就会更加自如。通过对声乐知识的学习与训练，播音主持专业的学生不仅夯实了声乐功底，对以后的播音主持工作有极大的提升，应用声音也更加自然与轻松，播音主持的效果会更明显；同时声乐训练还极大的提升了学生的艺术性，激发了学生的声音潜质，适应多变的播音主持节目类型，为媒体行业培养了更多高素质的人才。
初级声乐教学计划范文第2篇
关键词: 高师音乐专业 声乐教学 审美教育
声乐作为高师音乐专业的必修课,对于培养学生的歌唱能力,提高学生的整体音乐素质,具有其他学科不可替代的作用。它的主要任务是通过声乐教学,使学生掌握作为一名合格的音乐教师所具有的歌唱的技能技巧。从本质上讲,声乐是一门音乐表演艺术。列入高师音乐专业教学计划的声乐课,既是一门专业基础课,又是培养音乐师资的必修专业课;既是加强音乐修养的艺术课,又是进行素质教育的美育课。而在这些多元的定位中,都必须以审美教育为核心。因此,声乐中音乐美的表现和创造,离开了审美教育,将毫无价值,使学生成为一个发声机器。所以我们在声乐教学中一定要强调审美意识,重视声乐审美教育。
一、声种基本美的决定因素
那么声乐中的美究竟在哪里呢?怎样审美呢?审美因素包括很多方面,如意境美、音韵美、曲调美、语言美、旋律美等。我认为,声乐中的基本美取决于以下几点。
(一)声音美。
声乐,是一门听觉的艺术,也是一门声音的艺术。它是以声音构成的物质材料,在其运动组合中来表现主体心理情感的艺术,它通过旋律、节奏节拍、速度、力度等多彩的变化,在一定的时空内塑造音乐形象,反映内心与社会生活,使人赏心悦耳,得到美感享受。人声是世界上最美妙的声音,也是人们最能接受的一种艺术形式。优美动听的音色从感官上会给人一种。这是一种物理生理上的反映,是一种初级的美感。在我国古代就有“金不如丝,丝不如竹,竹不如肉”的声学审美观点。
(二)语言美。
声乐是音乐化的语言艺术。诗歌化的文学语言与音乐相结合,歌曲是诗歌与音乐融会的产物,而声乐艺术是用人声唱出来的,带有语言基础。我国《尚书・舜典》中有“诗言志,歌咏言,声依永,律和声”的说法:在意大利有“歌词为先,节奏次之,声音句末”的声乐美学原则。由此可见语言在歌唱中的重要性。任何一个民族的歌唱艺术,都是根据各自民族的语言规律来表达情意的。因此,歌唱者了解歌词的含义,从语言的角度,体验其中真切、深刻的内容是必要的。歌唱者要深入对歌词的情感体验,以语言的高度准确和鲜明的形象激发生动的感情,享受到语言中的魅力,以达到声情并茂的艺术效果。
(三)旋律美。
旋律是音乐中最基本的要素,是声乐中是诗词音乐化的手段,是使声情与文情达到一致的方法。千百年来,艺术发展创造了丰富多彩的旋律曲调。如我国的民族旋律调式就独具特色,其来源主要是民歌曲调口头创造的旋律和口头语言紧密结合。旋律以五声为主,三音列旋法,充满诗的韵味和美感。总之,旋律是激情的语言,其抽象性可给人更多更广的想象。无疑,在声乐艺术中,旋律蕴涵着极为丰富的审美资源。
二、实施声乐中的审美教育
(一)教师必须有明确的思想意识
传授歌唱的基本技能是首要的,没有掌握歌唱的技能技巧,就无法自由歌唱,也就不可能表现音乐,就像建造高楼大厦的基石一样重要,必须打好基础工程。许多刚考进高师音乐专业的学生,并没有扎实的基本功,而是凭嗓音条件考进来的。因此,教师必须重视声乐基本功的训练。有些教师忽视了歌唱技能的基础训练而片面追求教学进度,甚至一味强调教材级别、曲目难度,忽视声乐学习循序渐进的原则是不可取的。
(二)教师要明白歌唱的基本技能技巧是为歌唱服务的
学生在掌握了科学的发声方法、正确的歌唱技巧后,必须向表现音乐的美、创造音乐的美的方向前进和发展。只有这样,才能达到表现音乐的美,享受音乐的美的目的。否则,只能停留在机械的发声阶段,低级的审美趣味,毫无音乐表现力,成为一个只会发声的机器。
(三)教师要确立声乐教学的审美意识
教师应该将其纳入以审美为核心的素质教育范畴,将声乐教学和音乐审美有机地结合起来,将技术训练和美的表现、美的创造融为一体,使声乐教学能够从纯技术的歌唱技能技巧的樊篱中解放出来,体现其应有的美学品质和人文精神,以提高本学科的艺术品位,实现其美育功能,而达到培养人的目的。基于这一认识,我们应对声乐教学的目标看清一点,看深、看远一点,在明确正确的歌唱方法和基本技能的同时,把对声乐中的音乐美的感受、表现、鉴赏、理解、创造贯穿到教学过程中来。既要重视声乐的技能技巧,又要重视声乐的审美功能,使学生有正确的声音概念、科学的发声方法,还要使学生能够弹唱、表演,能够拿下艺术歌曲和咏叹调,并使学生学会教学。
(四)应建立适合声乐审美教育教学机制
在具体的操作上,我们要通过思考去改革、去实践,逐步建立使用审美教育规律的教学机制。
1.让学生多听、多欣赏一些优秀的歌唱家的演唱。声乐本是听觉的艺术,只有经常听好的歌唱家的演唱,学生才能在脑海中建立一个真确的声音形象。假如连自己的发声对错都分不清的话,还有什么审美可谈呢?老师应该选大量的中外著名的歌唱家演唱的CD、录像、录音给学生观摩、欣赏,引导学生们去感觉、去鉴赏,使他们逐步建立起正确的歌唱意识,并懂得什么样的歌唱才是美的。
2.不论是练声还是唱歌,都必须有一定的审美价值。学生首先对声音要有正确的声音观念,不要只用嗓子唱,而要用脑子唱;方法科学,声音要自然、圆润、通畅,培养审美感知能力。教师对学生一定要因材施教,遵循循序渐进的方法,对于不同嗓音条件、不同程度的学生,选择不同的歌曲。因为高师声音课时有限,教师对学生一定不要急于求成,追求高难的曲目,否则只能毁坏学生的嗓音,一定要选一些适合他的音色和歌唱能力,以及能理解的作品。
3.在教学中要重视范唱,特别是进行有感情的范唱。声乐是歌者对作品的艺术升华和情感的宣泄,没有感情就没有音乐,也就没有审美可谈。许多教师有只讲不唱的习惯,如果教师能范唱作品,把作品的艺术升华和情感的审美内涵生动地表现出来,则既能加深学生的印象,又能发挥“样板”效应,让学生心悦诚服,产生学习的兴趣和动力。
4.让学生建立起良好的内心听觉。所谓内心听觉即强调以内心的感知听得自我所发歌声的真实,而且与外界听众的感受和拍的音质效果,即以化于内的感知、领悟成于外的效果。只有学生建立了好的听觉才有可能分辨声音的好坏,才可能在学习的过程当中有质的飞跃。声音学习和其他的学科是一样的,分辨能力强,才能自学。学生自学的能力加强,意味着对老师的依赖减少。为建立好的听觉,学生要多听、多比较,在听和比较当中提高自己的分辨力和审美能力。
5.帮助学生分析作品和处理作品,教会怎样处理作品。当学生拿到一首作品,唱会旋路和歌词之后,千万就此结束,而应及时进入作品的处理。教师要引导学生如何深入作品,除了在前期对作品的时代背景、曲式结构进行必要的介绍之后,还要讲歌词、讲作品的风格味道和地理环境,发挥学生的想象,引导学生积极情感从歌词深入体验,投入到理解、表现和创造中,开启音乐表现的无限空间;再对声音的运用,咬字的处理,如何融入感情而达到声情的统一,逐步使学生的歌唱能力得以提高,潜移默化地让学生理解、体验、表现歌曲,提高声乐审美能力。
6.要多让学生参加艺术实践。歌唱同样是一门实践的艺术,只有实践才能出真知。在学校,要让每个学生都有上台表现的机会是很难的。有些学生一个学年除了两次考试,从来就没有上台表现的机会,那么老师应经常性地为他们提供机会。如每个学期增加两次声乐汇报,让同学们共同来观摩、交流,让同学自己谈感想,谈体会,相互评价,相互促进,老师来点评。还可以让学生参加合唱,适当地安排小组观摩、实践教学,从而在歌唱实践中培养学生对歌唱基本方法的正确感知,树立正确的学习观,培养他们的乐感,从中获得歌唱的良好审美体验。
7.教给学生声乐审美标准。声乐审美标准是学生鉴赏和评价声乐美的尺度,是审美趣味、审美理想和相应的美学知识的总和。所以,在声乐审美教育过程中,除了培养学生的审美情趣和审美理想外,还要教给他们一定的美学知识、文学、艺术修养方面的知识,让他们掌握和评价声乐审美的科学方法,明确声乐审美评价的客观标准。这样既是对学生音乐修养的加强,又是对学生审美能力的提高。
总之,声乐教学中的审美教育是音乐教育本质的要求,其过程是极其复杂的,由于它的每一个环节都有着独到的育人功能和丰富的审美功效。因此,我们应该对此深刻认识,加强实践,探索其中的特点和规律,更好地为培养合格的音乐师资服务。
参考文献:
初级声乐教学计划范文第3篇
[关键词]高师声乐教学 学习 鉴赏 能力
一、目前高师声乐教学模式存在的主要问题
1、教学观念和方法缺乏师范特色
声乐是高等师范院校音乐学专业学生必修的一门专业课，也是一名合格的音乐教师和专业团体演员必备的专业素质。因此，在我们的课程设置上，声乐课是贯穿始终的。高师声乐教学的目的是通过系统的歌唱发声呼吸训练，树立正确的声音观念，培养良好的歌唱习惯，使学生具备演唱中外艺术歌曲、歌剧选曲及再度创作歌曲的专业能力。同时还需要培养学生对歌唱艺术及广泛意义上音乐的鉴赏能力和较强的音乐教育教学能力。这种能力使他们今后在从事音乐教学过程中能潜移默化地去感染学生，能正确引导年轻一代提升对音乐和艺术的认识水平。
在目前的高师声乐课专业教学过程中，诸如教学计划、教材使用、授课方式、课时安排以及师生“一对一”、“一对多”的专业课教学方法等诸多方面，都一直沿用音乐学院的模式，忽视了高师音乐教育自身的特点和要求，暴露出不少问题。在专业课教学中，由于我们的教师并非“大师”，他们在歌唱方法上多多少少也都存在一些声音问题，这些问题也伴随了他们多年。但是由于意识不到或是专业自尊，在课堂教授的范唱中会自然或不自然地将问题带给自己的学生。因此，在声乐专业教学实践中，我深深感到，与“能唱好”相比，“知道如何唱好”、“知道什么是好的”更加重要。只有解决了后两个问题，才能使我们的学生在声乐学习中有明确的目标和方向，才能最大限度地提高声乐教育的质量。
2、学生学习存在盲目性，缺乏主动性
高师音乐专业的学生多半是以声乐为主项考入大学的，所以高师声乐教学效果直接影响到学生的学习积极性，声乐教学质量的高低也成了衡量整体音乐教学质量的一个重要组成部分。在多年的教学实践中，我发现许多学生一开始对如何学习声乐这门专业课感到很迷茫，因而缺乏主动性，缺乏对声音的辨别能力，进而养成对专业教师盲目服从的习惯，往往是把教师的优缺点一股脑儿地吸收过来，不知不觉地为自己的歌唱艺术道路设下了障碍。所以我觉得，为了让这些“迷茫”的学生少走弯路，尽早让他们树立正确的声音形象，提高他们对声音的感知能力和听辨能力显得越发重要。
培根曾经说过，“跛足而不迷路，能赶过虽健步如飞但误入歧途的人”。为了使学生在声乐学习过程中少走或不走弯路，在初级阶段，多听、多想，注重培养自己鉴赏优美声音的能力尤为重要。因为占有、分析、判断大量的音乐信息是逐步树立自己正确或比较正确的观念、见解的基础。只有在面对声音时(无论是名家名作还是教师课堂范唱)，自己才能从“听”和“想”中鉴别出正确与否、优劣何在，才能为正确的学习和今后良好的教授打下基础，避免茫然和盲从，避免走错路。所以，不论是现在的学习还是将来从事音乐教学，我们的学生必须拥有并提高对正确声音的鉴别能力。
二、高师声乐教学中应该集中关注的几个问题
要解决上述问题，首先是创新我们的教学方式，让学生多听，少唱，多想。
1、声乐教学中“听”的重要性
奥斯汀布尔认为：声音训练的主要目标是要在学习者的思想上树立正确的认识美好声音的观念。米勒尔夫人列举的十二项唱好歌的基础之一是“对音乐的敏锐听觉”。而我们平常所说的“五音不全”也不像多数人理解的是唱歌跑调，而是一种听觉上的缺陷。可见，“听”对于歌者多么重要。
在我们的声乐教学中，教师常常采用举例的方式，用自己的歌唱作为发声方法的示范，要求学生遵循和模仿，这也是早期意大利人声乐教学的普遍方式。采用这种方式，首先要求学生认真地听。在听了一些范唱后，用自己的领会能力去揣摩和模仿范唱者的声音和方法。
模仿是艺术学习的开端，而“听”就是模仿的重要手段。“经过反复的听音与模仿，养成歌唱者预先想到要发的每一个音的状态，使声音训练的过程可以通过间接在头脑中形成的音高、音量和音质的观念来完成。”(斯马尔曼《无伴奏歌唱艺术》)。但是模仿也会带来危险。由于盲目的模仿而把声音毁掉的人不在少数。要避免这种后果，培养学习者的鉴别能力非常重要。要使学生具备分辨能力，分清什么是好的声音，什么是不好的声音；什么是自然正常的声音，什么是不自然不正常的声音。但这种鉴别能力的形成需要丰富的欣赏实践经验，也就是要“多听”。这又是初学者难于做到的事情，因此有赖于教师的妥善引导。
2、让学生“听”什么
教师应该在教学过程中指导学生尽可能多地去欣赏歌唱家的表演，通过音乐厅、唱片、磁带、电视、广播、互联网去欣赏。从现实状况来看。传媒已经非常发达和普及了，学生们听的机会也很多。但由于当前中国传媒对“流行性”音乐的偏爱，对正统音乐欣赏的忽视，造成流行音乐泛滥，对正统音乐形成了一种遮蔽。特别是媒体举办的各种形式的“走穴”和片面追求播出效果的“假唱”。很大程度上误导着缺乏审美和判断能力的青少年，也为声乐界带来一股歪风。在这种情况下，教师的妥善、正确的引导就显得非常重要。
我赞同让学生们尽可能更多地欣赏正统音乐作品。如果有条件，可以让学生听一些现场音乐会或歌剧，身临其境地去感受声音艺术的魅力、感染力和震撼力。当然如果条件不允许，我们，必须让学生多听一些世界顶尖水平或国内顶尖水平的现场音乐会和歌剧的唱片。为什么首先提倡听现场音乐会呢?因为声乐专辑会有技术上制作和修饰的痕迹，不容易反映出演唱者声音的真实状态，而现场演唱会就能直接体现出演唱者的实力，使听众近距离地欣赏到原汁原味的东西，了解演唱者声音的本真状态，因而也更具有欣赏性、示范性和教育性。
除了听一些名家的演唱和唱片外。学生也要自己多听自己的歌唱。不是边唱边听，而是把自己的演唱录下来多听。我们听到的自己发出的声音，是通过头腔内部骨骼的传导，而不是从外面通过耳鼓所接收到的。因此每个人听到的从外部渠道传来的自己的声音和从体内直接发出的声音差异很大，所以必须使学生一开始就注意到，他所听到的自己的声音和听众所听到的他的声音是不完全一样的。有的学生第一次听到自己的歌唱录音时会感到震惊，甚至是一种打击。因为和他直接听自己演唱时的感觉差别很大。
从教学改革和创新的角度讲，我还提倡改变现在这种选择了专业教师后，学生就得“从一而终”的现状，最好要求学生多听的其 他老师的授课、多听自己同学的歌唱。这样有利于学生开阔视野，拓展思维空间。这就要求教师将那种古老的封闭型教课的方式改为开放型的教学，学生将那种固定地、被动地学习改为主动地、有比较、有鉴别思考的学习。可以定时让教师上上公开课，还可以不定时地让几个老师和他们的学生集中起来小范围地演唱和互相点评，取长补短。
有了以上三个方面“多听”的渠道和逐步的积累，学生们就可以逐步由感性上升到理性，就能认识到什么是美好的声音，自己的差距在哪里，老师教的方法有没有错误，有没有更合适我学习的方法，同学们的学习方法优点在哪里，就能有效地避免学习中的盲目性。
3、为什么要“少唱”
我所说的“少唱”，是针对教学过程中发现一些学生好大喜功、急功近利的情况提出的。
我常说，声乐学习不在乎你会唱多少歌。而更看重你是否把一首歌唱好了。有些学生却不以为然，总觉得几周都唱同一首歌，学的曲目太少：还有的不重视基本功练习，而是片面追求演唱作品，甚至是大作品，好拔高音。结果声带充血、嘶哑，又养成了一些难以改掉的毛病，得不偿失。
简单的歌曲对学生早期声音训练是非常重要的。“慎始则成半”。拉狄扎巴尔就指出学习声乐时容易出现的六种障碍之一就是准备练习和练声曲唱得太多。在学习的初级阶段，学生应该选择那些音调包含在自己可以使用的音域范围内的歌曲，这样在演唱时就全然不费劲或没有一丝紧张，更容易学习好演唱方法。
在初学阶段，“少唱”还有助于在树立正确的声音观念和掌握正确的发声方法前少犯错误、少养毛病。记得我在音乐学院的学习中，我的专业老师有时候一学期只教我唱一支歌曲。但是就是通过这一支歌解决了一系列的问题。首先让声音展开唱，使声音通畅。后来慢慢学会将声音收起来，悠着唱。可以说，我对声乐的明确认识和明显进步都是从那首歌的学习和磨炼过程中得来的。所以，高师音乐教育要偏重学生学习方法和能力的培养，避免片面追求进度，把声乐课上成唱歌课。
4、让学生“想”什么
我们从《音乐史》中得知：马估契领导的罗马歌唱学校所制定的学习日程表中规定，学生们除了在学校中进行一般的学习日程外，还要走出学校，“到安格利卡大门对着的那以回声著称的墙壁唱歌，仔细听自己的声音的回声，以便对自己的声音进行批评和检查。其他工作就是到各个有歌唱活动的场所，悉心研究当时著名歌唱者的歌唱风格，并把所听后的体会，回来向教师提出报告，通过报告教师便可以更好的了解学生学习的状况如何，在学生的体会中还存在什么问题”。
所以仅仅“听”是远远不够的，我们的学生还得分析和思考，得找出别人的优缺点，然后看看自己有哪些地方可以借鉴和共勉。当一个学习者不用歌声去进行练习时，就要用思想去进行练习。对此我提倡：作为教师，要在教学中引导学生有目的性地去“听”和“想”。不妨有针对性地布置一些题目，比如“试论‘美声三巨头’对美声事业的贡献”、“浅谈罗西尼歌剧的艺术特征”(可任选一部歌剧为例)、“诠释艺术歌曲和歌剧作品之异同”、“全国青年电视歌手大奖赛有感”，“演唱艺术初探”、“戴玉强演唱艺术初探”、“宋祖英演唱艺术初探”、“浅谈金铁林的声乐教学艺术”等等。让学生们带着问题去欣赏，在欣赏中思考问题、解决问题。这样可以充分调动学生的积极性，充分发挥学生的潜能，对提高学生的声乐艺术鉴赏能力、开发学生的创造性、发展学生的个性都有极大的好处。
以上就高师声乐教学中如何培养学生的学习能力做了简单的论述和探讨，提到的几种方法也已逐步在实践中加以运用，对自己的教学方式进行了创新，效果比较明显。首先是学生感觉到自己的学习目的性增强了，从原来的片面注重效果转变为更加注意学习能力和方法。同时通过大量的欣赏和鉴别。学生们从入校前被动地学习声乐逐步转变为懂得如何欣赏音乐、也越来越热爱传统、古典音乐了。对正统音乐的欣赏和热爱潜移默化地感染着学生，使学生的音乐理念发生了很大变化。他们对通俗流行音乐的看法也越来越成熟、理性，对教授方法的鉴别能力也得到提高。但这并没有影响到学生对自己的指导老师的尊敬，只是使他们在学习中变得更加理性，少了几分盲目，同学之间、师生之间也多了一些交流和探讨的气氛。
初级声乐教学计划范文第4篇
关键词：民办院校音乐专业；声乐课程；创新教法；评判机制
中图分类号：J60.4 文献标识码：A 文章编号：1008-6269(2012)02-0089-04
随着国家高校扩招政策的实施，越来越多的人走入了艺术行列的学习，学习音乐专业的人数也与日俱增。由于招生数量的变化直接影响到质量的变化，这为民办院校音乐专业的发展带来机会的同时也带来了相应的挑战。
一、民办院校声乐学生进入大学时的音乐素质现状与给声乐课程教学带来的困难
（一）现状。民办院校学生的录取批次一般为最低批次，即第三批A类或B类。学生综合素质都不是很理想。民办院校中的艺术类学生，包括音乐专业的学生，不管是从文化综合素质来讲，还是从专业文化综合素质来讲，层次普遍较低。民办院校中音乐专业的学生，虽有部分同学是为混文凭，混时间走进大学的，但大多数同学还是怀着对艺术或音乐的兴趣进入大学的。但他们对音乐专业的了解相当缺乏，可以说对声乐基础知识与对声乐的认识几乎为零，很多进入音乐专业的同学在进入大学很长一段时间都习惯性地把声乐课同中小学音乐课混同一起。除此以外，这些学生的自主学习能力较差，相关音乐知识和音乐能力，如对五线谱的认识、乐理与视唱练耳、钢琴、音乐欣赏和艺术综合修养偏低等。对这样一批热爱音乐，却又存在着明显先天不足的民办音乐专业大学生，我们要如何把他们培养成为合格的人才，如何提高他们的音乐专业知识尤其是声乐技能的培养，值得我们思考。
（二）困难。在大学里，本科专业学制是四年制，然而正式在学校上课的时间也就三年多。为了实习、找工作，大四踏踏实实学习的时间很少。这点时间对于声乐教学显然是很有限的。在有限的时间内，不仅要提升学生声乐水平，而且要培养学生独立学习能力和自我发展能力是有一定难度的。声乐课程的教学具有很强的特殊性。它可以有大方向的教学计划或规划，但因为声乐教学的个体差异性，不宜对教学过程做很具体的实施性计划。人们常说“有多少人就会有多少种声音”，形象地道出人的声音差异性；加上每个学生的领悟力、文化综合素养、音乐综合素养、气质及性格等方面的差异，在千变万化的声乐教学问题面前，需要声乐教师在教学中注意力高度集中，并准确地判断出学生的优缺点，及时与学生交流、与同事探讨找出解决问题的方法。
二、民办院校音乐专业声乐课程教法的创新
面对民办院校音乐专业学生的现状，如果一直沿用专业音乐院校的声乐教学方法，教学效果势必不会太理想。民办音乐专业培养的学生，主要是培养具有一定歌唱和音乐教育技能，为小学、幼儿园、青少年宫、地方剧团或企事业单位提供合格、有一定音乐特长的文艺人才。在声乐教学过程中，我们要遵循实用为主，够用为度的原则，坚持歌唱与艺术实践同步进行。因此，在声乐课程教学方法中，我们需要不断探究与创新，以适应民办院校音乐专业的学生。笔者结合自己多年声乐教学实践，从声乐教学内容的展示、声乐教学方式方法、以及声乐课程的艺术实践方面提出一些观点与建议。
（一）加强声乐课程教学内容感官的形象化与直观化
民办院校音乐专业在声乐课程教学中，声乐教师一般都使用钢琴弹唱教学，借助于自己长期积累的歌唱经验，通过口传心授的方式来训练学生的歌唱技能，实现教学目的。这种传统教学常常让原本抽象的声乐教学更加抽象，不利于民办院校音乐专业学生对声乐课程内容的掌握。因此，为了让学生更形象直观地掌握声乐课程的内容，笔者建议从以下三方面进行。
1.加强教学硬件设备建设在声乐课程中的运用。要提高民办院校音乐专业声乐教学质量，使学生真正获得声乐知识技能，必须让高科技走进学堂，用科学的理论指导学生。首先，采用高科技教学手段，如电脑模拟发声形态和喉肌、呼吸肌群的运动状态等图文并茂的方式，使学生了解歌唱发声运动原理，获得自我调控与练习、独立分析与解决问题的能力。其次，利用摄像机拍摄整个上课过程，学生课后通过多次观察上课情况，认真揣摩老师的讲解和示范，慢慢自觉吸收。再次，在课余时间，学生可以利用录音笔把自己练习的声音录下来，与课堂上教师要求的声音作对比，提高自己对声音的辨别能力。通过这些高科技工具的使用，可以使学生上课或课余时间练习时对声音的认识更加形象化，把教学内容更加形象化与直观化地展示在学生面前，让学生清晰地、形象直观地感受正确的声音，有利于学生对抽象声乐学习的形象掌握。
2.加强声乐教学过程中形象言语的运用。在声乐教学过程中，我们习惯使用两种教学语言进行教学。一种是科学地、真实地叙述情况的语言；另一种是用形象化、直观化的语言，它包括形容性、诱导性和比喻性的语言。针对民办院校音乐专业学生的实际情况，在声乐教学中，要多用形象化、直观化的语言。例如，一个学生气息不深，不会用横膈膜向下和小腹扩张的感觉去吸气，要么就是“挺肚子”，要么就是“耸肩膀”，如果教师总是说“横腼膜”要放往下放，没学过声乐或声乐基础不好的人都会很迷茫，但是如果教师要求学生像“闻花”一样地去吸气，学生会在“闻花”的动作中很快找到横膈膜下降的感觉。
3.加强教师肢体语言在声乐教学中的运用。在民办院校音乐专业学生声乐教学过程中，教师除了运用形象直观的口头语言对学生进行启发，让他们更明白音乐的技巧内容以外，我们还应加强教师在教学过程中运用肢体语言对声乐技巧内容的形象描述。通过教师的肢体语言启发来帮助学生达到歌唱技巧。比如：在歌曲演唱过程中，引导学生演唱抒情作品时，我们的手势可以轻柔一点；反之演唱坚定作品时，我们的手势可以有力度或者手势有力度地跳耀。或者，在唱跳音练习时，老师的面部表情或者肢体语言表现出来的是很轻快的，可引导学生在练唱时达到比较好的状态。
（二）加强声乐课程教学形式与方法的多样化。民办院校音乐专业在声乐课程教学中，长期以来沿袭了艺术院校声乐课的经验式教学方法，就是一对一小课教学。这种传统教学方法在面对民办院校音乐专业学生时，所取得的教学效果就不是很理想了。因为民办院校音乐专业学生的嗓音条件千差万别，入校时的水平也参差不齐，对教师示范讲解的领会也存在着个体差异，常常是上节课说过的问题下节课接着重复处理，导致声乐教师常常会做很多无用功，让民办院校的声乐教师很头疼。即使少数学生的歌唱技能得到了提高，那也不过是一时跟着感觉走对了，一旦失去了教师的监控，便会原地踏步，甚至退步。针对这一现状，笔者建议民办院校在声乐课程教学形式与方法上应从以下几方面着手。
1.小课（一对一）与集体课（一对多）的融合。小课一般是专业音乐院校最常用的一种上课方式。它通常以一对一的形式出现在课堂上。小课可以根据每个学生的情况进行练声、歌唱教学和作业讲解与示范。集体课又可以分为大班课、大课和小组课。大班课用于声乐理论教学及最基本的声乐发声实践教学。这种形式课的开展，可以帮助学生认识歌唱器官和它们在歌唱中的功用、歌唱的发声原理与特点等。大课一般用于初级声乐教学，针对大一年级新生为主，建议教师根据学生的声乐基础程度、嗓音条件和特点以三至五人为一组。练声、作品演唱环节每组轮流进行，未轮到的小组可以在旁观摩或自行练习。小组课被大部分专业院校用于二年级及以上年级的声乐教学中。建议教学组织模式与“大课”相同，人数可增至六到八人为一组，但各教学环节时间可以延长，讲解可以更加详细。通过小课与集体课相融合的教学方式，有助于调整学生单独面对老师时的紧张心态，还便于学生在自己迷茫的状态下，通过其他同学的演唱来寻找自己演唱的方法。
2.组织安排“小老师课”。“小老师”课与以上三种集体课有所不同。它依托民办院校音乐专业声乐教师所带的二年级下期和三年级及其以上的学生来开展。把每位专业教师的学生按年级为单位分组，专业老师作为指导教师，每周由组里一位学生当老师，一名学生当学生，其余同学旁听，认真做好笔记。一堂课结束后，由专业老师与学生们共同交流，对本堂课的内容做出点评，对“小老师”的语言表达问题、作品的理解与伴奏的编配问题、发声技巧等问题共同探讨。这种形式不仅可以加强“小老师”专业水平综合化的提高，也可以促进本组学生积极交流，提高同学们主动学习的积极性。
（三）加强声乐课程艺术实践的多层次化
声乐是一门表演艺术。它的表演离不开舞台，在舞台上面对观众演唱的感觉与在琴房里面对老师一个人演唱的感觉是完全不同的。在舞台上会将自己在课堂上没有意识到的缺点和错误直接真实地表露出来，通过在舞台上的表演可以让学生体会到许多课堂上根本无法感受到的东西。与此同时，教师也可以通过学生在舞台上的表演，对比检验自己课堂教学中的成绩和不足，并且针对这些问题进行教学调整。因此，我们在提倡多实践的同时，还应加强艺术实践的多层次化。
1.加强班级音“月”会的举办。以民办院校音乐专业的自然班级为单位，各班每月定期举办音乐会，以“百花齐放、百家争鸣”的表演形式出现在民办院校的校园里。各年级各班的音乐会活动的展开，不仅可以让音乐专业的每位学生都有上台演出的机会，加强自身专业的磨练；而且学生们通过观看各年级各班的音乐会，可以积极有效地促进自己专业的提高。同时，这对学院学习氛围的促进也有帮助。活动的组织者可由班干部牵头安排，让每位同学都有担任活动组织者的机会。这样可为学生们提前锻炼如何搞好一场音乐会做铺垫，为学生们今后进入社会后能更快更好胜任文艺工作做准备。
2.定期举行优秀学生的音乐会。虽然民办院校音乐专业学生层次不一，但是仍有些相对优秀的专业学生，为了将这些同学凸现出来，并创设一个良好的学习氛围和环境，让优秀学生更加优秀和成熟，让较差的学生能够以此为参照，看到差距找出不足。以声乐教研室为单位，制定一学期一次的专业尖子生汇报演出的活动计划，汇报的标准要求完全以演出和比赛的形式呈现。为了让每个人都有机会参与到这种系统的教学实践，坚持采取主动报名的形式，一学期进行一次选拔。学生们为了能够争取到这种实践机会，一定会做好充分的准备，并花更多的时间和心血投入到日常的练习之中去。经过几次汇报以后，学生的演唱能力有明显提高，整体水平也在不断的提升。
3.加强同当地文广新局、文化馆、社区的联系，建立友好合作关系与实习基地。经过一系列的实践教学，我们的学生在逐渐成熟，演唱技能和综合素养都得到了逐步提升，但是在参加比赛和社会上的演出活动时，仍然感觉到与专业演员有着明显差距。主要表现在舞台经验不足、不够自信，虽然技能技巧上有一定的实力，但是整体表演显得气质不足、稚嫩、胆怯。针对这种情况，为了让学生们有更多的锻炼平台，我们采取了一定的措施，以音乐专业为主力建立了一个艺术实践团队，加强了同当地文广新局、文化馆、社区的联系，尽量多给学生提供相应的演出和实践机会。通过这样形式的锻炼，学生们的演唱和综合实践能力都得到了很大的提高。
三、民办院校音乐专业声乐课程评判机制的构建
任何一种教学评价方法都有自己的长处和缺陷，都有特定的适用范围和界限。由于声乐课程教学活动的复杂性、多因素制约性以及教学评价技术和手段的局限性，使得任何一种教学评价方法都不可能很好地运用到声乐教学评价中去。为了检验民办音乐专业声乐课程教学的效果，提高民办音乐专业声乐教学的质量，有必要对声乐课程的教学内容、教学方法进行检验并作出相应的评判。如何构建声乐课程的评判机制，值得我们研究。
（一）声乐课程评判机制构建的重要意义
1.声乐课程评判机制构建对声乐教学具有导向作用。导向作用是指教育评价本身所具有的，引导评价对象朝着理想目标前进的功效和能力作用。在声乐课程评判机制构建中，有什么样的评判内容，声乐教学就会注重被评判方面的内容，从而在教学过程中就会向着评判机制中的方向努力。对声乐教学来说，这些评判内容、评判标准起着积极的导向作用，发挥着导向功能。在声乐教学中，师生们必须按目标努力，才能达到合格的标准，否则就达不到合格标准，得不到好的评判。
2.声乐课程评判机制构建对声乐教学具有鉴定和规范作用。规范是导向作用的最终目的。要对声乐教学进行规范，就要让声乐教育评判机制对声乐教学对象进行鉴定并作出判断。声乐教学评判机制对教学的鉴定和规范作用主要体现在：检验声乐教学效果的好坏和总结声乐教学经验的成效。随着教育部对民办院校本科教学水平评估的实施，使得民办院校各种教学文档的规范性加强了。比如，登分册上各种分栏的设置就加强了教师对整个教学情况的反思，甚至给出具体的措施和方案。
3.声乐课程评判机制构建对教学具有改进作用。声乐课程评判机制的构建对教学还具有一定的改进作用。评判机制的构建促进了声乐教学方法的改进和声乐教学的改革。声乐教学方法的改进是基于评判机制评判做出反馈以后的反思。目前声乐小组课是公办音乐专业以及民办院校教学改革或改进的重点，对声乐小组课的界定与研究意见不一。因而，我们应该从课程大纲的角度出发，从对学生的影响出发去研究并作出改进。
（二）声乐课程评判机制构建的原则
1.坚持公平、公开、公正的原则。公平原则体现在评判机制内容的构建上必须对任何教师和学生一视同仁，不得有任何偏袒。公开原则是指评判后的数据资料一经整理必须及时全院张榜公示，让教师和学生全面了解别人眼中的自己。公正原则体现在学院领导对评判后的数据资料经过认真分析探讨后，对教师和学生作出公正的评价。
2.坚持客观性与整体性相结合的原则。在声乐课程评判机制构建的原则里，客观性原则既是对声乐课程评判公正性的保证，也是公正性的前提和基础，是声乐教学评判机制构建的基本要求。整体性原则是指要从声乐教学评判机制构建的整体出发，树立整体理念，多角度、深层次地进行多方面评价，防止以点代面、以偏概全的出现。
3.坚持科学性与指导性相结合的原则。科学性原则是指声乐评判机制构建的基础与核心是科学的。声乐教学评判机制的构建必须具有鲜明的科学性，这样对其所进行的评判才具有科学性。声乐教学评判来源于声乐教学实践，反过来又要服务并指导声乐教学实践。
（三）民办院校声乐课程评判机制构建的内容与方法
1.评判机制对学生的评价。在民办院校对学习的评价主要是由声乐教师负责的。建议以诊断式、形成式与总结式三种评价方式相结合对学生进行评判。
诊断式评价。在民办院校中建议从以下两种形式开展：一是以对初入大学的大一新生一进校便开始进行的摸底考试形式展开，对大一新生的声乐演唱底子作出初步判断，为声乐老师根据学生的特点与自身的教学优势相结合来选择学生提供参考。二是对大二、大三、大四的全体学生进行的评价。以每年寒暑假回校后的第一周，对所有年级的学生按年级展开摸底考试的形式展开。自古流传着一句“拳不离手，曲不离口”的老话。它道出了我们声乐专业每天练习的重要性。这样使学生即使在假期之中，仍然不敢轻易懒惰，放弃对专业的学习与练习，从而促进学生学习积极性与主动性的提高，实现 “笨鸟先飞”。
形成式评价。形成式评价针对大一到大三的全体音乐专业学生。每学期所进行的声乐期中考查与期末考试是形成式评价最常用的评判方式。教师通过观察学生期中考查或期末考试的表现，来判断学生这一学期学习的情况，包括对声乐技巧以及舞台表演的掌握，从而对学生学习结果进行检验，促进学生学习效果的提高。
总结式评价。总结式评价主要针对民办院校音乐专业的大四学生。到了大四下学期，音乐专业的准毕业生必须以个人的形式或者两到三个人的组合形式举办一场“毕业音乐会”，向社会、向学校、向父母、向师弟师妹展示大学四年的学习成果，接受社会、学校以及父母的检验。
2.评判机制对教师教学的评价。在民办院校里对教师教学的评价应从学生对教师的评价。院校级领导对教师的评价以及同专业同事之间的相互评价三个方面来进行。
学生对教师的评价。学生对教师的评价是整个教学活动中很关键的一个环节。学生对教师的评价结果直接影射出学生对教师的整个教学过程的认可程度。这对教师教学后的反思起一个反馈作用，也为教学督导部门的教学管理提供一个方向。学生对教师的评价一般以问卷调查和网评两种形式展开。
院级领导与教研室主任对教师的评价。院级领导与教研室主任对教师教学评价包括对教师的教学情况及备课、讲课、课后辅导等以及教师素质即思想、道德、业务等素质的评价。评价的方法可以从教案检查、课堂深入、对学生学习成绩的检查、观摩教学等方面展开。
同专业同事之间的相互评价。音乐专业的教师，工作地点都在同一琴房大楼里。通常琴房都是紧挨着的，同事之间一起交流工作非常方便，彼此了解深刻。通过相互评教的方式，可以从同专业教师的角度评价来全面了解我们的教师。这样对教师的评价显得更加全面、周到。
以上三种对民办音乐专业教师的综合能力与水平的评判，都要以评级打分的方式进行，并分项分条对教师进行评价，最后汇总统计。将评判结果作为教师奖罚、评聘、晋职、评定专业技术职称的重要依据。
初级声乐教学计划范文第5篇
关键词：模仿；找准自我；鉴赏；创新
现在，在声乐教学中有一部分教师对“模仿’一词讳莫如深，不大愿意提到它，总认为“模仿”是一种惰性、机械性的学习方法，会限制学生的个性及创造性的发展。还有人认为“模仿”不是艺术，也不会成为真正的歌唱家，不予提倡，甚至坚决反对。在学生中，也有一部分对“模仿”的概念存在模糊认识，认为可有可无。
另外还有一种过分强调“模仿”，认为模仿要精确到位，字字、句句以及每一个细微的动作、表情都要模仿得很精确，稍有点个性的成分、即兴的东西就是叛逆。这样，又使模仿学习完全丧失了个性，失去了自我，更谈不上发展创新。
“模仿”在辞海里是这样解释的：“依照一定的榜样，做出类似动作和行为的过程。人在掌握语言和各种技能的过程中，以及艺术习作的最初阶段，都要借助于模仿。”声乐权威夏里亚平说过：“教师必须能够说清楚，什么是他要求学生去做的事，解释和模仿是所有声乐教学的基本方法。”笔者认为模仿在声乐学习中不是惰性、机械性的学习方法，而是一种积极诚实的学习方法。尤其是在初学阶段应予提倡与正确引导，它可以帮助我们更快地入门，更快地掌握基础知识，它能使我们吸取前人的经验，早日进入声乐艺术的殿堂。在声乐学习中，注重模仿，将有利于传承发展，提高创新。
一、在模仿学习中入门
模仿虽是一种传统的声乐教学模式，它同样也适用于现代声乐教学。模仿的首要任务是要使学习者尽早入门，更快地提高。我国的戏剧、曲艺、山歌号子、民间小调传承都是口传心授，这种方法代代相传。意大利美声学派的早期教学也是模仿式教学。在现代的声乐实际教学中，声乐教师给学生做示范演唱也是在向学生进行模仿的启示。学生跟着老师的示范与磁带、光碟中的声音模唱，照着做，虽然是只知其然，不知其所以然，但却是初级阶段很重要的一种练习方法。在这一阶段中，学生应尽量“依样画葫芦”，就像初学写字的人一样，先从“描红”开始，模仿得越像越好。到了学生对老师的范唱有了一定的感性认识，在模仿中对歌唱的器官、气息、位置、共鸣等技能技巧有了一些体会，并能较自如地配合，较灵活地运用时，学生还应加强理性的认识，只有多分析，多问几个为什么，通过思考和反复地练习，掌握好歌唱中控制运用各器官的方法，才能达到理想的模仿。这一阶段的模仿学习时间是较长的，也是模仿学习中打好基础最重要的阶段。在此基础上，到了只要通过老师某一个手势、眼神或某一声乐术语的提示，学生就知道，老师是什么意思，指的什么地方，该怎样去做时，就到了模仿学习的高级阶段。这时学生能基本体会到老师的要求、方法，理解歌曲的风格、韵味，在扎实模仿的基础上加上自己的悟性、理解，去运用自己的声音，自如地发展个性，追求特色，逐渐形成自己独有的风格，经过不断追求和不断地创新，便有可能会成为极具个性特色的歌唱演员或歌唱家。
二、在模仿学习中找准自我
从学习模仿的初始阶段起，学习者首先最重要的是找准自我位置。其一，要正确估量自己，清楚地认识了解自己的音色、音域、乐感及音乐素质等声音条件。如果你的声音粗犷、低沉，就不要拼命去追求声音的清纯、亮丽。你的音域不宽，不能唱高音，就不要刻意地去追求音域的宽广。其二，要找准老师，千古名言曰：“师高弟子强”，所以，要拜有丰富教学经验的老师为师。老师会根据每个学生的个体情况制定出具体的教学计划。在老师的指导下进行模仿学习，是模仿学习中找准自我的有利保证。
当学习者找准了自我，根据自身的条件、基础、艺术水准找准了模仿对象之后，就可以去选择适合自己模仿的磁带、光碟。在模仿学习中，通过分层次、分阶段的学习，通过演唱者与老师、与范本(磁带、光碟)的不断磨合、不断领悟与消化，通过由简到繁、循序渐进、持续不断的努力，他们的发声器官就能凭借听觉的音响信号作出快速的反应，从而，由心理听觉来指挥生理的条件反射，下意识地调节好发声状态，逐渐形成好的歌唱习惯，逐渐实现自己的梦想。
三、在模仿学习中掌握技能技巧
汉普尔认为：“对于优秀模式的模仿不会有什么害处，只是不能机械的或奴隶式的模仿。”要认真分析模仿范本和歌唱家的演唱技法，不能盲目地照搬和复印。在模仿者还没有达到一定水平时，不要去盲目地发展个性，过早地追求个性可能是没有根基的花朵。模仿学习首先要有敏锐的鉴赏能力。什么是好的、优秀的，什么是不好的，什么是坏毛病，要分得清、看得准。好的方法，好的特点可模仿学习，不好的弃之、不可学，千万不要优点没学到，某些歌星的坏习惯、坏毛病却沾上了。例：有的学生认为某某歌星的声音有特点，有沙哑的效果，于是就捏着嗓子，伸长脖子去挤压声带，结果丢掉自己自然的声音和好听的音色。沙哑的声音学得有点像了，自己的声带却受到了损伤。正像当年一曲电影插曲《妹妹你大胆地往前走》使多少盲目的模仿者，唱哑了嗓子，喊出了多少个“破锣式”的“哥哥”“好汉”。自然的声音不等于不要方法，甚至可以说，自然正是要靠“方法”才能得到的。在模仿中学习理解与掌握声乐的一些技能技巧：歌唱的意识与感觉，内在的气质，正确的发声，通畅而又有支持的呼吸，高位置与“关闭”集中的声音，“打开”与整体的共鸣，音色与音质的变化，情感的处理，咬字吐字、归韵收音等等，这些声乐上的技能技巧都可在模仿学习中学到并掌握。
四、在模仿学习中发展、创新
声乐的演唱风格、方法是多种多样的，不论何种演唱艺术形式，发展到一定的阶段，都会逐步形成具有独特个性的唱法、流派，这就是在模仿传承的基础上发展，提高创新的结果。声乐诸多唱法流派的产生，是声乐艺术发展繁荣的必然产物，如果我们的声乐演唱与学是寄托在无休无止的模仿上，那只会成为古董，尽管模仿达到惟妙惟肖，甚至达到乱真的地步，那也只是廉价的仿造品。模仿是为了学习先进经验，避免走弯路，缩短学习时间。模仿的目的是提高，但模仿的出路在创新。所以我们在声乐学习中要培养自己的情操和美德，提高我们声乐技巧和艺术修养，充分发挥自己丰富的想象力和创造力，怀着创造精神去观察分析每个作品，用创造的思维去表现处理每个作品。
