素描学习论文范文第1篇

专业知识的教与学

专业知识的教学是体现一个学校最有特色的一面:师资水平的高低，学生能力的强弱，都会在社会上引起一定的反响;专业特色的体现也成了社会评价一个学校教学水平好坏的硅码。“服装设计与制作”的专业知识，主要是让学生掌握一定的专业设计、打版、推板、工艺制作能力，加强学生们对当前市场上的流行时尚、板型设计、专业设备的运用、市场营销、策划能力、车间生产管理方面的学习，所涉及的课程有《服装结构设计》、《服装市场营销》、《服装机械原理》、《时装画技法》、《服装美学》、《服装专业英语》、《服装生产管理》、((立体裁剪》、《服装工业制版与推板》、《服装CAO》等等。在教学过程中，理论所占的比例占到40%左右，学生实践操作占到60%左右。例如在《服装生产管理》的教学中，可以带学生去企业参观学习，实地考察，加深学生对所学知识的纵深理解，并直接让学生接触到生产现场。教师的示范作用是专业学习的重要环节，所以要求教师要掌握先进的专业理念、专业技能，并且要与当前的市场紧密结合。

毕业设计与制作的指导工作

虽然专科教育不象本科一样把毕业设计和毕业论文答辩作为一项重要的考核环节，但高职教育的毕业设计和论文却不容忽视，该考核项目一般放在第三学年第六学期，让学生实习完毕或在实习的过程中把毕业设计内容和论文完成。作为高职教育中“服装设计与制作”的毕业设计要求，可采取灵活多变的策略，对于绘画基础好的同学，要求先画出设计效果图，然后制版.做成成衣;对于绘画基础差的同学，可借助服装CAO绘制服装效果图，然后输出款式图，再进行打板，制作成衣。如果条件允许，学校组织专场的动态展示会，刻录光盘或出版作品集，让学生在毕业时有资料保存，也可作为毕业留念。“服装设计与制作”的毕业设计不同于服装艺术设计的毕业设计，前者强调和注重的是实用性的成衣设计和制作，后者则侧重于夸张性艺术效果强的设计制作;前者尤其突出的是板型和工艺的要求，后者则更突出的是款式的变化、求异、色彩的和谐以及设计者人文思想的追求。作为“服装设计与制作”专业毕业论文的要求应体现在服装生产管理、工艺制板推板，服装材料的研究等方面，让学生动脑筋去思考，去探索一些生产企业面临的技术性的难题，激发学生们去探索这些困难的勇气，从而增加学生对所学专业的责任心、使命感。

学以致用，要从基层做起

素描学习论文范文第2篇

【论文摘要】素描教学要注意观察方式的培养，以客观物象为依据，以写实的手法表现对物象的真实感受。文章对素描基础训练的内容和方法进行了探讨。

人们常说素描是一切造型艺术的基础，它既可以作为诸多绘画样式的基础课程，又能以一种单独的艺术样式而独立存在，因此画素描首先得具备素描的作画意识，同时还应掌握一些最基本的规律，在素描教学训练要以培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力和审美能力为目的，既要达到基础训练所必须具备的各项要求，掌握好基础知识和技能。同时，又应指导学生以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受，学生的主观感受应依据客现物象并受制于客观物象，所谓"艺术地表现"是指概括、取舍、加强、减弱等艺术处理。根据我在学习和素描教学中的心得，我认为画好素描要注意以下几方面的问题。

一、观察方式的培养

教师在向学生传授技法时，更要重视引导学生学会正确观察物象的方法，它与学习成绩的优劣和进度的快慢有着直接的联系。总的说来如果能用会以下两种形式的观察方法，就会把形体看准表达准，它们分别是：

1．剪影观察法：当一只老鹰从高空中找自己窝的时候，能准确地分辨出自己窝的形状而不会找错，可见任何事物都有区别与其他物体的特有的大的外形也就是说只要我们在作画中一直把握这种剪影，就可以画准物体大的基本形，可以说，这种观察方式可以一直贯穿我们作画的始终。

2．定点余光视觉观察法：在作画中，我们可以找到占据画面主体最大的物体带动其它小的物体去分析比较物体之间的比例，空间，同时在在看不同物体时，用眼的余光去比较着看其他物体，要在物象上能看出形体的结构关系，以及不同物体本身的空间凸凹关系，形体与形体相接的关系。

用以上两点观察方法观察物象再加上对所画物象的敏感，就会更有力地表现对象，安格尔说过：“最好是让模特一下子使你震惊，而你们则立即产生深刻印象。

二、对结构及透视的理解

对整体的重视并不是说只强调整体而忽视局部细节的深入刻画。整体和局部是对立统一的关系，并不存在纯粹的“整体”，整体的丰富性有赖于对局部的深入刻画。所以要从透视和结构上来进一步理解。

透视是从西方遗传过来的传统绘画的理解物体的方式，分为三种：（1）大气透视；（2）消逝透视；（3）线透视。大气透视指调子因大气的阻隔而会产生远近的虚实变化。

结构是指我们所见物体的构成，以及各体块组合连接关系，它占据一定的空间，并呈现一定的形状特征，所有的空间调子一定要符合画面的结构和物体本身的构造，以及特征的把握，所以基础训练离不开对物体结构的分析和理解。从结构方面认识，由构造上把握，可以增加表现的深刻性。这样就要求轮廓准确和注意整体。要求轮廓准确是克服造型似是而非的主要办法，造型似是而非是初学者最普遍的毛病,要求轮廓准确，可以培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。这里所说的轮廓准确并不是说要在素描的第一阶段就细抠轮廓。我认为第一阶段打轮廓时能做到构图恰当，比例准确，要点鲜明，形象明了，就应该说是轮廓准确了。在素描训练过程中，应当要求学生在每一阶段都不断使轮廓更精确，特别是要求学生不要迁就轮廓的错误，那种明知有错而凑合了事的态度是非常有害的。如果在基础训练中老是犯轮廓不准的毛病，就不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表现物象特征结构的缺陷。

三、画面的艺术表现力

在我国古代就有很多画家非常重视笔法在绘画中的应用，《六法论》的第一笔就是“骨法用笔”，笔不仅是有一定的形状特征和力的方向性，同时也体现了画家的艺术素养和力的方向，画面中除了应用一些不同的工具材料使画面的效果更加多变，更符合画家对画面的要求，同时也注意笔法，画面中要讲究“气韵”，笔法的应用要符合气的需要，用笔要做到准确，随意并符合画面结构次序的需要，是一件非常难的事情，需要不断地去实践，去积累经验。习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。因此，教师对学生的“画外功夫”要正确引导，鼓励学生多掌握一些课外知识，如：文学、美学、历史等方面的知识，使他们多了解不同素描流派产生和发展的过程，以及它们的主张和特点。这样能够使学生扩大知识面，开扩眼界，有助于提高绘画水平。我不主张在素描基础练习上，采用变形的手法，在打基础的阶段，“变形”容易养成主观随意的习惯。但并不因此反对有些素描对物象的结构进行一定程度的强调乃至合理的夸张。在教学过程中，教师的指导作用是主要的，但学生的主观感受在素描作品的表现力方面也具有非常重要的作用。主观感受是来源于客观物象的，关键是教师要正确引导学生学会正确地观察物象和处理画面。

四、空间的艺术表现

在素描表现过程中，要探索点、线、面、黑、白、灰等造型因素的运用，不断总结，积累有效地表现对象，表现感受，形成画面的语言经验，不研究画法，死磨硬扣，易染上匠气。“所有伟大的画家都是表现空间的！”，这句话道出了空间的表（下转第148页）（上接第123页）现在画面中的需要，很多西方的画家在空间意识上都特别强，哪怕是抽象画家，他们的作品都流露出非常强烈的空间意识，我们画画是在平面上进行创造的，对象的绝对空间，对于画面所能传达的只是对象上面的形与色的空间关系，而这种关系只是一种感觉，对空间感觉的把握，决定着画面空间的传达，空间传达在基本功训练的诸要素中，是属于比较难的一个课题。为了打好坚实的基础，习作应以长期作业为主，这样便于领会教师的指导，便于深入理解，反复校正和进行探索。教学上的严格要求也主要体现在长期作业中。教师要向学生说明长期作业的重要性，对各种不良倾向要及时加以纠正。同时，也要布置一些短期作业作为辅助，使写生与构图相结合，记忆、想象和速写相结合，以避免学生在长期作业中容易出现的观察力迟钝以及画面板、腻的缺点。习作的优劣还取决于观察事物的深度和知识面的广度，取决于艺术修养和技术水平的高低。基础未打好之时，对于那种专门追求风格、流派的做法，教师要适当地加以引导和纠正。要让学生认识到：没有浑厚的基本功作基础，单纯地去追求某些风格、流派的做法是有害无益的。因为学生不仅要具备照着物象摹写的能力，更重要的是要培养自己的理解、记忆和想象能力。这样，才能真正具备全面的造型能力。

通过一定阶段的素描训练，使学生能够由三度空间的注视中把握形体，系统的去研究，运用艺术的手段对自然物象进行改造，变形，重组，使其转换为一种新的造型实在，它会把我们的素描基本功训练提高到以自然为前提的具体与抽象，再现与表现，感情与理性相结合的高度，让学生的选择，感觉，判断，直觉都参与到素描训练中，使在画面中发生的，不只是视觉表象的记录，它还应当传达出其对内在真实的揭示和一种新的艺术生命的召唤。

【参考文献】

素描学习论文范文第3篇

【论文摘要】正确处理传统绘画基础和艺术设计基础教学的关系，强调艺术设计绘画基础教学的目的性。在艺术设计的绘画基础教学中，注重学生的创造性思维和创新能力的培养，运用恰当的评价方法，培养学生的学习兴趣，使学科发展更规范、更完善，为社会培养更多更优秀的艺术设计人才。

近年来，随着社会经济的发展，社会对艺术设计人才的需求越来越多，“美术高考热”不断升温，每年报考艺术类院校的考生日趋增加，艺术设计学科逐渐成为热门的学科，全国各大专科院校也纷纷增设艺术设计专业，如平面设计，环境艺术设计、包装设计、服装设计等专业。但对于报考艺术设计专业的考生和已经进入高等艺术院校的设计专业的学生来说，不能简单地把设计专业等同于绘画专业，尤其是在艺术设计专业中的绘画基础教学方面，不能轻易认为用绘画造型可以替代艺术设计中的造型基础，从而忽略艺术设计造型基础的独特个性。艺术设计中的绘画基础教学定位的是否准确，直接影响到我们艺术设计教育培养目标的实现。

素描、色彩，是所有学习美术专业学生必修的基础绘画课程，在艺术设计教学体系中，把它们作为基础绘画教育课程，有我国多年艺术教育的历史原因。长期以来，素描、色彩课程一直被认为是一切造型艺术的基础，但在学习设计的过程中，大多数学生很难把基础绘画课和设计专业结合在一起，只注重绘画写生和技法的训练，而忽视艺术设计的专业性，牵制了学生设计思维的发展。在过去，我们的艺术教育强调基础，强调绘画功底，在这种情形下着实培养了一批批写实功夫和艺术表现力过硬的画家，以至于这些画家至今还陶醉于花费数月表现一个比真的还真实的手工绘画作品的满足感受中。现在的书店里，我们会经常看到一些素描、色彩书籍被命名为“正规画法、正规范画”的字语，难道除了他们的画法外，其他人的绘画风格都是旁门左道吗？何谓“正规”，艺无止境，但凡形成一定的范式或风格，即是走到了终点，接下来就是必然要打破它，超越它，这样艺术才能进步，我们才能创新。如今是一个数字技术、多媒体影像可以轻松去复制作品，可设计艺术却不能去重复、去拷贝，因为设计追求的是原创性和创新性；目前我们的创新设计、原创设计和国际上一些优秀的设计相比显得有些滞后，看看近年来一些产品造型专业的萎缩状况，一些大型的优秀建筑环境艺术设计、服装设计都来自于国外的设计师即可而知。我们的一些设计师的创造力相对就显得有些苍白，这是不是过分强调基础忽视创造力培养的结果，是不是所谓“正规”的绘画基础教育造成的？这就需要每个从事设计艺术教育工作者重新思考、重新定位我们的“绘画基础”和功底的了。

过去，我们传统的素描、色彩绘画基础课的教学内容过分强调物体的造型、色彩搭配、明暗调子、质感、体积、透视关系等方面的要求，这在传统绘画教学中能体现出其合理的教学目的性，因为那毕竟是在培养画家；但在现在的设计教学中如果还过分强调虚实、强调素描明暗调子，而忽略艺术设计教学目标的目的性，忽视对学生创造性思维和创新能力的培养，花上过多时间去进行追求光影的虚实和物象的体积、质感的表现时，会不会觉有些得太奢侈，会不会有好的教学效果呢？既然我们培养的是设计人才，而不是画家、艺术家，那么它的必要性又有多少呢？一味的对着物象去表现、再现，对着石膏像磨来磨去，会使我们学生失去自己敏锐的观察力和表现力，更谈不上创造、创新了。所以把传统的绘画基础课放在课下，把能培养学生快速造型的设计素描、设计速写、设计色彩放在教学首位，不失为一种目的明确的基础训练。

素描学习论文范文第4篇

“素描”课程考试主要由过程化考试、综合化考试（专业素养答辩）、成果化考试（作品展示）三个部分组成。课程成绩=平时成绩（过程化考试60分)+期末成绩(综合化考试20分+作品展示20分)。

（一）过程化课程考试在素描实践类课程中的价值体现过程化考试，是将评价融入到平时课程的学习过程之中，多方面、多形式、分阶段地考核，通过专门制作的评分表进行实时记录，总分为60分，主要由三个方面组成：第一方面为基础素描(20分)，训练60学时。基础素描的学习是学生个体发展的第一步，是让学生树立正确素描概念的首要环节。训练内容包含石膏几何体、静物、环境建筑等。该阶段评分由四个指标组成：学习态度（5分)，形象思维(5分)，技能掌握程度（5分），课堂互动（5分）。第二方面为结构素描(20分)，训练60学时。结构素描的学习主要是强化学生对形体的三维结构意识和空间意识，是整个课程教学的中坚环节。训练内容包含石膏几何体、静物、建筑局部、建筑等。该阶段评分由三个指标组成：空间形象思维(10分)，技能掌握程度（5分），课堂互动（5分）。第三方面为解构与重组(20分)，训练60学时及课后作业。解构与重组是素描造型能力的升华，是一种思维创造性的训练，是培养专业素养的有效途径，是整个课程教学的拓展环节。训练内容包含几何体、静物、建筑局部、自选题材等。该阶段评分由两个指标组成：创造性思维、空间形象思维、分析和综合推理（10分）；小结论文(10分)。采用以上三个方面的过程化考试方式后，学生在平时学习中的注意力非常集中，思维更加活跃，学习效果不断提高。由于过程化考试的评分是评判学生作业高低的尺度，每个学生都非常关心自己的成绩，人人都有潜在的竞争意识，因此在教师评画时，学生参与讨论或回答问题的次数增多、发言踊跃。通过这种考核方式，可以把期末的考试压力转化为平时的学习动力，引导学生注重平时的努力和知识积累。

（二）综合化课程考试在素描实践类课程中的价值体现综合化考试（答辩），主要对学生的专业基础知识、专业技能、艺术素养作出全面的综合评价，综合化考试的过程如下。综合化考试总分为20分，由三个评分细则组成：一是概括阐述整个课程所学及个人作品绘画思路（10分）；二是专业知识与技能素质（5分）；三是语言表达能力及应变能力（5分）。综合化课程考试采用了开放式答辩模式，学生和教师面对面。首先，学生阐述自己的实践成果与课程学习体会（10分钟）；其次，由主考教师对学生所学内容进行现场提问，学生直接给予回答；最后，教师会根据学生是否积累或具备了相应的专业素养予以综合评分。通过综合化考试，一方面有利于培养学生独立分析问题和解决问题的能力，提高学生的口述表达能力和应变能力。学生只有平时认真学习，加强理解，真正弄懂了教学内容，在考试过程中善于用自己的语言表述所学知识，这样才能对教师所提出的问题应对自如。另一方面，有利于促进教师自身业务素质的提高。这就要求教师对教学目标必须非常明确，对所讲专业内容必须非常熟悉。综合化考试是对学生所学课程掌握情况的真实评价，充分调动了学生的学习积极性，这对于提高专业课的教学质量，无疑会起到促进作用。

（三）成果化课程考试在素描实践类课程中的价值体现成果化考试（作品展示），是整个教学过程中一个重要的环节，也是学生自身价值体现的一个重要考核依据。教师对学生成绩的核定，“成型的作品”起着关键作用。成果化考试总分为20分，由两个评分细则组成：一是通过素描作品考察学生的绘画思想和技巧（10分）；二是网络展示投票（10分）。课程成果展为建筑学专业素描课程教学提供了一种重要的展示方式。通过成果展示，能够提升学生在理论和实践类课程中的学习能力，更好地提升学生的绘画能力和审美水平。在布展过程中，以学生自行布展为主导，教师起辅助作用。在前期准备过程中，要进行展览的主题确定、整体策划、内容选择、布置设计、撰写前言、海报制作、开幕仪式、评价交流等一系列基础性工作。通过作品展览，能够促进学生间的交流与沟通，形成团队精神。另外，也可以充分发挥网络展示平台的作用，深化美术作品的展示范围，扩大作品的交流空间和交流平台，让它成为美术课堂教学的拓展延伸。

二、建筑学专业课程考试改革实施效果评估

“素描”课程以往的考核方式一般都采取期末交一张素描作业。这种考核方式没有给学生留出足够的发挥潜能的空间，学生的创造性受到很大限制。过程化、综合化、成果化的考试方法一改以往“一张作品定分数”的评价模式，采用更科学、灵活、多元的考核形式，为学生营造了宽松的学习环境，提高了学生的综合能力及创新意识。

（一）多样化的考核形式激发了学生的学习兴趣学生对艺术书籍的阅读、答辩PPT制作、自行布置素描主题展览等丰富多样的教学方式和轻松灵活的课堂氛围非常欢迎，从而激发了学生了浓厚的学习兴趣。

（二）举办校园素描主题展增强了学生的荣誉感素描教学课程体系中，能否将素描理论知识、素描实践练习、素描成果展示合理地结合起来，素描主题展示就显得十分重要。因为它是学生对课程学习的个人成果总结，并且可促进师生之间的交流、本专业学生与其他专业学生的交流。

（三）考试方式有利于培养学生的综合艺术素养考试方式改革的目的在于改变以往学生改变应付考试而被动学习的局面，进而关注学生掌握理论知识的程度和运用理论分析与解决问题的能力。通过考试方式的改变，学生学习的主动性增强，不仅在素描课上如此，对于其他艺术门类学习的积极性也有所提高，这对培养学生的综合艺术素养起着很大的作用。

（四）参与式教学模式转变了教学方法的改革考试方式改革的目的就是要从重普遍转变为重个性，从学生被动接受的教学转变为以学生为主体的启发式教学。譬如，让学生模拟讲课，这样能充分调动学生自主学习、主动获取知识的积极性。进行互动研讨时，让学生查阅有关的资料，然后进行课堂讨论，以学生为主，教师为学生提供一个宽松的环境，以求挖掘出学生潜在的一些独特的个性化思维。

三、建筑学专业课程考试改革完善的思考

“素描”课程考试改革虽然取得了一定的效果，但也显示出一些问题，需要在今后的教学实践中加以改进完善。

（一）加强与建筑学其他课程间的交流与互渗应当积极开展与建筑学其他课程间的交流与沟通，努力开创课程间知识渗透与互补的局面，形成知识交叉辐射。

（二）改进答辩式考试形式答辩考试可以分散到过程学习中，分别放在教学计划的不同阶段实施，这样能在最大程度上客观反映学生学习的真实成绩。

（三）加强学生学习质量评价反馈机制考试结束并不意味着本门课程学习的结束，教师要将考试成绩分析与学生进行交流，让教师和学生都能从中受益。

（四）进一步拓宽学生的艺术视野教师应该通过指导学生阅读相关的人文艺术资料、举办读书报告会等来进一步拓展学生的知识领域。另外还要组织学生参观美术馆、观看各类画展、参观成功的建筑、走进艺术院校并邀请一些学者专家作报告等，让学生的艺术视野更加开阔。

四、结语

素描学习论文范文第5篇

我并不想把这篇文章写成理论性很强的学术论文，而是想根据我二十多年的绘画经验，以及所学的历史、文化知识，谈谈我对于绘画的一些观点和看法。很欣赏宗白华先生的《美学散步》，因此，非常希望按照那种散步的方式书写抽象的理论。这篇关于经验的文章，也将尝试以随笔的笔法阐述绘画艺术的理论。

小学时自己爱好绘画，初中时接触中国画，大学时认真学习水彩画，这中间与其说是一个练习技法的过程，倒不如说是一个构建绘画思维的过程。因为，到后来我发现，绘画的技巧表现是其次，最主要的还是个人的理解能力。

从爱好绘画入门学习的好处是可以保持对于绘画的敏感性和思维性，或者说是一种意识。当然，缺点就是对于形体塑造的把握不够到位。通过以后学习西画的经历，我发现了学习中国画和西画的一个差别，那就是中国画入门简单但是深入难，而西画则相反。我想，原因有两个。第一个就是刚才已经说过的，中国画的造型并不想西洋画那般严谨。我临摹写意花鸟和山水时感觉到，对于形象的把握还是比较容易的。但是，西画则不行。为了打好基础，必须得从石膏几何体开始进行长期辛苦的训练。我光是练习石膏几何和静物，就整整用了三年时间。直到那时，我才真正理解了为何达芬奇的老师要求他的学生反复地写生鸡蛋。因为，将客观事物真实地描绘到一个平面的空间中是一项非常复杂的工作。而第二个原因，则是中国画强调意境，而西画强调摹仿客观自然。意境是一个非常主观化的东西，它不能用任何方式加以精确表述，除了你亲自体会到。

但是，一直到我现在重新审视中西两种绘画模式时，我才深刻地体会到中国画的“易”正是它的“难”。而在西画中，如果你已经具备了扎实的造型能力的话，剩下要做的就是不断提高自己的思想水平。通过阅读和学习西方的文学、哲学、宗教书籍，你能将自己的绘画水平提高到一个新的高度。大学学习的一个最大收获就是，我接触到了大量的人文社科以及自然科学的知识。所有这一切，在以往的应试化基础教育阶段是无法学习到的。这种学习一方面大大开拓了我的视野，另一方面也使我的思考能力和理解能力得到了锻炼。因此，对西洋画的精神有了更好的把握。学习中国画则完全是另外一回事。看似简单的笔墨法则其实要求一种对线条和空间布局的整体性把握。而且，在西画中，线条、颜色等内容并不是作为独立的个体而存在的，它们的目标只是为了实现对整体形象的塑造。而在中国画中，这些元素本身就已经成为独立的绘画语言。我个人认为，西画是可以临摹的，因为它本身就是建立在摹仿自然的基础之上。但是，中国画是无法“临摹”的，因为中国画的技法带有很大的主观性和随意性，它是创作者“神”的流露。优秀的中国画家在作画时，也许并不是在仔细考虑如何表现形象。很有可能的一种情况就是，作画的精神意识代替了理性的思考，因此直接从手中流泻而下。这一过程与莫扎特的一句话很相似，他说：“并不是我创造了音乐，而是它们本来就存在于我的脑海里。”苏东坡也有一个重要的观点就是“胸有成竹”。因此，如果你没有把握原画作者的思想精神是很难临摹得“像”的。

当我学习西画一段时间后。同许多人一样，我开始认为西方绘画要比中国绘画先进。特别是在透视上。中学的时候，老师总是让我们尝试结构素描的造型训练，也就是有意识地将物体处理成一个透明的物象，通过线条来表达结构空间。一开始我只是照样画葫芦，因为我怎么也想不通为什么不直接通过明暗素描来表现一个真实的物体形象而要用这种很奇怪的线条来强调结构。直到几年后，我才猛然发现这是一种理解的象征。结构素描的目的是为了让我们建立起空间的概念！的确，在透视学没有创建之前，人们无法把握如何在一个平面内表现一个有深度的三维立体空间。我们在学画的过程中一直牢记着透视的原则，不过，正如结构素描一样我也无法明白它的根据。好在有中学的自然科学，通过光学的学习我终于理解了透视的含义，也明白了结构素描是为突出物体的空间特性。由于晶状体的凸透镜造型，人眼产生的事物图象具有近大远小的特征。因此，不管什么物体遥远到接近视平线的位置都会缩小成一个点。平行线在人眼看来最终将交会，我们看到的世界是无数圆锥状的空间的集合。

后来我才发现，中国画中同样有透视的存在，而且是更加巧妙的“散点透视”，这样以来，传统透视学中静止的空间被打破了，画面开始具有动感，带有动画的色彩。而且，中国画中的平面化因素，更能够体现绘画的表现性语言特征。

学习西画要牵涉到许多自然科学的知识，除了光学（透视）之外最重要的就是几何学。我也是通过中学的学习才发现，西画的造型阶段其实就是无数次相似三角形的运用。中学老师在教授素描课的时候，总是喜欢用笔在对象和画面之间来回比对。他告诉我们，只要对象两点间的线条倾斜度和画面中一致时，就说明造型准确了。其实，这正是运用了相似三角形对应边平行的性质。其实这种构图法在地理学，特别是地图的绘制方面早已经得到广泛的应用了。因此，我们在作画时只要假设对象是若干三角形的几何体就能准确把握形状位置。当然，这一平面化的三角形组合还是应该被“还原”为“立体”空间。