美术核心论文范文第1篇

【关键词】江苏民间；工艺美术；文献；文化发展

一、民间工艺美术的基本概念研究

关于阐述民间工艺美术概念的著作有很多，但关于其概念到现在为止学术界还未形成一个完全统一的说法。王海霞在《民间工艺美术》一书中指出“民间工艺美术是劳动者为满足自己的生活和审美需求而创造的、带有浓厚乡土气息的艺术形式”。柳宗悦在其代表作《工艺文化》指出“所谓‘民艺’，是指与一般民众的生活有着深厚交往的工艺品”。而著名民间美术理论家张道一在《张道一论民艺》对“民间艺术”“民间美术”“民间工艺”相关内涵做了论述，他认为这三者在概念上是有一个大小和隶属关系，也就是民间艺术广义上不但指民间美术，还包含民间音乐、民间舞蹈、戏曲、杂耍等。而美术与工艺美术，可以理解为包含具有欣赏性，提高大众审美的艺术，如绘画、雕塑、书法等，同时也包含具有实用性，能满足人们物质生产的艺术，如建筑、工艺等。从一论述可以看出，艺术大于美术大于工艺美术这一隶属关系，但张道一同时指出可以将“工艺”和“美术”分开，并列而行。美术，并非我国传统文化语境中所产生的词汇，是近代日本在向西方学习后，结合自身文化以汉字意译，并传入中国。工艺，是指劳动者利用各类生产工具对各种原材料、半成品进行加工或处理，最终使之成为成品的方法与过程。“民间工艺美术”是历史发展的产物，它的含义是属于一个历史的范畴。“工艺美术”之前冠以“民间”，“民间”可以理解为民间流传、基层劳动者、广大人民群众，那么本文认为民间工艺美术主要是指满足广大民众物质生活和精神生活需求而创造的具有民族气息的艺术形式。正因为民间工艺美术涉及范围之广，通常对其研究都会将其分类，而在《中国工美报告：全国工艺美术行业普查报告书》中的分类标准：雕塑工艺品、金属工艺品、漆器工艺品、花画工艺品、天然植物纤维编织工艺品、抽纱刺绣工艺品、地毯挂毯、珠宝首饰、民族工艺及其他制品、陶瓷工艺品、烟花爆竹等11个门类。本文的研究在此基础上结合其他相关资料，结合江苏地区的民间工艺美术种类从中选取比较常见的具有代表性的六大品类作为研究对象，主要包括：陶瓷工艺、刺绣工艺、民族工艺、编织工艺、雕塑工艺、漆器工艺。

二、江苏民间工艺美术艺术特点文献研究

目前根据笔者做的调研与工艺美术相关的研究资料很多，但目前还没有对江苏民间工艺美术研究文献的梳理，笔者认为对其的梳理是一项又繁复又具有价值的工作。目前国内收录文章最齐全当属中国知网，笔者在知网以“江苏工艺美术”为主题词检索到的相关论文仅355篇，其中学位论文149篇，学术期刊206篇。从这些搜集的论文研究资料来看，20世纪60年代至80年代的二十年里，关于江苏工艺美术研究的论文数量仅8篇。20世纪90年代至21世纪初的十年里相关研究也少，共16篇。21世纪以来，在大力保护和传承非物质文化遗产的背景下，中国工艺美术行业得到重视，关于工艺美术的研究成果颇丰，其中关于江苏工艺美术研究文本数量基本呈大幅度猛增趋势。笔者以“江苏工艺美术”为关键词在知网搜索系统中进行检索，统计出2001—2021年间相关论文的数量近393篇，是1960—2000年年间数量的近16倍多（见表1）。通过之前了解民间工艺美术的类别，因此笔者按照江苏地区现存的工艺从中选取其中具有代表性的类型，将研究论文进行划分：年画、剪纸、刺绣、印染、泥塑、漆器、织锦共7类。由于江苏各个地方都有重叠的民间工艺美术，如南京剪纸、扬州剪纸、徐州剪纸等。本文将选取不同地方最具代表性的工艺美术进行检索和统计，比如剪纸选取“扬州剪纸“作为主题词来进行检索，共检索出103篇，经筛选后选入23篇。对于检索出的相关文献主要根据以下的标准进行筛选：1.文献的篇名、关键词或主题包含检索工艺的种类名称。2.文献的研究对象所在地域是江苏地区。3.主要研究内容为江苏民间工艺的特点、创新设计以及现状与发展4.重复的文献只可选入一次。只有四个条件同时满足才能被选为本文的研究对象，统计后制作表2。从表可以看出，刺绣、云锦均是在80篇以上，为本文的主要研究对象。漆器、年画、剪纸的研究文献大于20篇，为本文次要的研究对象。2020年至2021年处于疫情的特殊时期，不能到图书馆等地搜集相关资料。因此本文的主要研究对象是以知网收录的电子期刊为主。本文通过对江苏地区民间工艺美术的学术研究进行分析，试图围绕艺术特点这一方面相关的学术研究进行梳理。笔者按照之前设定的研究对象，对相关文献进行整理和分析，将江苏民间工艺的特点分为艺术特点和技法特点两个方面，统计相关文献的数量和梳理具有代表性的观点进行论述。

（一）艺术特点研究

艺术特点，也称“表现手法”。作家、艺术家在创作中所运用的各种具体的表现方法。不同的民间工艺具有不同的艺术特点，由于江苏民间工艺的种类繁多，故笔者首先要根据种类进行文献数量统计（见表3），然后根据统计数量和文献内容进行分析。从表可以看出，刺绣、云锦的艺术特点研究知网文献均是在30篇以上，其余均在10多篇，主要都是从艺术特点的层面进行阐述。本文中南京云锦的艺术特点主要包括云锦的纹样和色彩研究两方面。在选入的39篇文献中研究云锦色彩的只有9篇，其余26篇都是研究相关纹样的。由此可以看出云锦的纹样是极具特色的，大部分研究者都从云锦纹样的种类和构图格式入手，发现云锦传统纹样“再现”的必要。笔者选取其中部分观点进行梳理，周苏的《南京云锦的宫廷图案研究》针对宫廷图案进行整理分析，探讨了图案背后的历史文化内涵，最后提出如何对南京云锦艺术的保护与挖掘。李心怡的《清代织绣蝴蝶纹样镜化、演化与活化研究》选取南京云锦中清代织绣蝴蝶纹样进行考证、寓意分析，探究这种纹样的工艺，重点分析了蝴蝶图案结构与纹样表现手法，最后提出这种传统云锦纹样的活化设计。颜实的《“再现”与“再造”——南京云锦纹样艺术研究》、马银的《云锦装饰图式特征研究》、黄利筠的《南京云锦纹样的艺术形式及制约因素探析》等，都有针对性地对南京云锦的纹样进行了分析研究，从不同角度对云锦纹样进行分类解析，深入探讨了纹样背后的文化内涵以及对南京云锦的保护与再设计。云锦色彩相对纹样是容易被忽视，单独研究云锦色彩的不多，但就这选入的9篇，对云锦色彩的研究都比较深入。赵阅书、梁惠娥在《传统云锦与古典宫殿建筑的色彩溯源当议》一文中分析了传统云锦与古典宫殿建筑在色彩方面的联系，找到了两者之间的共性及规律体现，指出了传统云锦色彩要与其使用的环境协调统一。赵阅书在《清代云锦色彩考析及应用》一文中主要分析了云锦色彩的形成原因；指出了清代云锦色彩特点和用色规律以及清代云锦色彩在现代服装设计中是如何应用的，总结出清代云锦在现代服装设计中的应用价值。苏绣作为一门古老的工艺，从古代至近代的相关论著却是凤毛麟角，进入当代以后，学者开始关注苏绣，其相关的研究文献开始增多，从不同的角度和深度对它展开了研究。王欣的《当代苏绣艺术研究》从苏绣艺术的历史沿革入手，梳理苏绣艺术发展的主要阶段，分析传统苏绣的艺术类型以及其艺术特色，探讨“当代性”下苏绣艺术的转型。杨梦雅的《当代旗袍上的苏绣纹样设计研究》聚焦在旗袍上的苏绣纹样，梳理了清代至民国旗袍上刺绣纹样的风格及特色，重点阐述了代旗袍上苏绣纹样的主要特点，提出了苏绣纹样在旗袍上的创新设计。郑蓉蓉的《传统苏绣艺术特色研究》、陆洁的《传统苏绣的形式特征及其文化表现》、石羽丰的《近现代苏绣寿字装饰的艺术风格与造型特色》等都从形式特点、装饰性做了探讨。这32篇文章没有将苏州刺绣色彩单独进行研究，都是和纹样或针法结合一起进行分析，由此可见，苏州刺绣艺术特点中更突出的是纹样的构成形式。扬州剪纸、苏州漆器收录的文献中也是基本都是以剪纸图案和漆器纹饰研究为主，而苏州年画除了对造型和表现形式的研究，也有单独对年画的色彩特征进行研究的文献。

（二）技法特点研究

技法是指艺术家运用他们的工具和材料以获得表现性效果的方法或技术。江苏工艺种类繁多，不但他们的艺术特点有不同，最关键他们的技法也各有特色。故笔者首先进行数量统计（见表4），然后根据数量和文献内容进行分析。从表可以看出，刺绣、云锦、漆器的艺术特点研究知网文献均是在10篇以上，从表4和表3的对比可以看出刺绣、云锦都是研究艺术特点多于技术特点，而扬州漆器是研究技术特点多与艺术特点。本文南京云锦的技术特点主要是指云锦的独特织法，金砚舒的《南京云锦织造工艺的传承研究》首先梳理南京云锦的历史源流，分析其背后蕴含的文化、艺术价值。通过织造手法与地部结构的不一样对云锦进行分类，在织造工艺方面选取最具代表性云锦产品介绍其组织结构。同时论述云锦的织造工序，并对各道工序的原理和流程进行解释说明。张巧雪的《浅谈云锦木机妆花纱的传承与发展》、陆晔与王宝林的《独创的艺术成就——谈南京云锦妆花工艺》、胡德银的《浅论南京云锦实地妆花纱》、仲杰的《明代丝织工艺中的奇葩妆花》等都是单独介绍云锦极具特色的妆花工艺，以及制作工艺流程。而在之前梳理的关于艺术特点的一些文献里在介绍云锦纹样特色的同时也介绍了织出这种纹样的工艺，云锦大多数采用的是大花楼织机，工艺过程极其繁杂，工序很多，织造技艺独特，以综片起落与束综提花相结合，纬向起花，夹金织银，以古老结绳记事的方法，把设计好的花纹图案色彩转为织造的程序，然后再上机织造。苏州刺绣的技法特点研究者们主要是针对刺绣的针法特色进行研究解析，加佳、张竞琼的《近代女袄中的苏绣针法与配色探析》从主要针法和配色两个方面对近代女袄中的苏绣中绣线与绣线的配色、绣线与绣底面料的配色，以及绣线与绣底面料之间的光泽搭配，认为要从整体入手，根据面料选择不同的针法还要充分思考针法、绣线与绣底面料的和谐统一。周武珍的《近代民间服饰中的苏绣针法研究》、张美芳的《巧手夺天工——细说苏绣针法技艺》、朱凤的《苏绣针法及其运用》、汤雨涵的《苏绣技法及艺术特征研究》等对苏绣针法的种类和特色只做了初步探讨。扬州漆艺有多种漆艺技法。张燕发表了多篇研究扬州漆艺技法的文献，如《扬州平磨螺钿漆器》《扬州漆沙砚》等，将每一种漆艺技法的工艺特点、使用工具和雕刻步骤进行了详细论述。李志倩的《扬州干漆夹纻漆器》和《扬州彩绘雕填漆器》则是对张燕研究技法种类的补充，王桂平的《论点螺漆器艺术》、长北的《螺钿漆器制作工艺》、蔡国声的《清初的点螺漆倭角花卉方碟》都是从不同切入点螺钿漆器这一制作工艺进行研究，这些都更加丰富了扬州漆艺技法的研究。

三、江苏民间工艺美术艺术特点研究的学术特点与学术反思

（一）研究内容有些扎堆和重复

通过对众多学者的理论研究和文献观点进行梳理，特别是之前的表2:中国知网检索情况表,采用文献计量学的方法对关键词和主题进行分析，从数据上笔者得出这些文献的研究内容上存在着对典型工艺扎堆的现象，主要体现在：1.研究者关注的研究对象主要集中在苏南地区的，然而苏北地区的民间工艺关注比较少。2.即使是钴胺与苏南地区的民间工艺研究也集中在南京云锦和苏州刺绣这两大类。3.对于研究者的文献来说，内容大多是对于具体工艺的样式分类，特点阐述，图片的收集，而对于工艺方面的深入分析与工艺背后文化含义的论述相对较少。4.对于某一具体种类技艺的个案研究比较多，而对于该种类技艺的系统化研究比较少。5.对于具体技艺的历史渊源和现状研究较深，而该技艺在行业中的发展趋势梳理较浅。

（二）高质量学术论文较少

美术核心论文范文第2篇

1．开设的美术教育类课程偏少，培养目标模糊高师美教院校发展长期受到美术院校的影响，虽然在20世纪80年代高师美教走上了全面开课的轨道，但课程设置几乎套用美术院校的课程模式，所开设的美术专业课程占有相当大的比重，美术教育类理论及教学实践课程量较少，不能突现出高师美教的师范性特点，这也导致了高师美教培养目标的不明确，以至于出现有些教师是以培养艺术家而不是培养艺术教育家为主要培养目标的偏差。

2．美术专业课程内容与学校美术教育改革发展需要缺少对接现在高师美教课程设置普遍由美术教育类课程和美术专业类课程两大模块组成，其中的美术专业类课程内容基本套用美术院校的模式，与当前我国学校美术教育改革发展缺少应有的对接，加上执教美术专业类课程的教师大都是由美院毕业的，他们对中小学美术教育改革了解不多，这使得他们在教学过程中，很难形成将美术专业教学与中小学美术教学需要联系起来的学术自觉，这带来了师范生在大学所学的某些美术专业知识在基层学校美术教学中难以施展的困境。

3．最终评价课程缺失了高师美术教育应有的综合评价机制“毕业创作”“毕业论文”课程是高师学生在大学四年所学知识的最终总结与呈现，因此，我们可以称这些课程为最终评价课程。长期以来，高师的“毕业创作”都是以美术创作作品展览的形式进行，完全照搬美术院校“毕业创作”的做法，这导致高师学生很自然地将自己的毕业创作与美术院校学生的毕业创作相比拼，教师和学生会投入更多的精力到毕业创作中，多少影响了高师学生在“毕业论文”写作的精力投入和对美术教育理论及实践的总结与反思，此外，“毕业创作”与“毕业论文”各自侧重在美术专业和美术教育两大块，缺失了课程之间的内在联系和高师美术教育将二者综合评价的机制。

二、高师美术课程设置策略

1．增设美术教育理论及教学实践课程，突出美术教育专业特点众所周知，一名中小学美术教师的基础知识结构应包涵美术教育和美术学科两大体系。美术教育理论及教学实践课程是高校美术教育专业课程的重要组成部分。近些年来，学院依据国家教育部的发展要求，在原有基础上增设了美术课程标准解读、各类美术课教学方法研究、微格教学、多媒体教学课件设计与制作、教育见习、第一次美术教育实习、第二次美术教育实习等课程，使美术教育理论及教学实践课程占有相当比重，突显出美术教育专业的特点。这些课程有效地提高了学生对美术教育专业的认识及其教学技能，尤其是学院将美术教育实习由原来实习一次调整为实习两次，收到很好的教学效果。第一次教育实习时间安排在大三上学期，实习时间为三周，均有带队指导教师带领，这样能随时给予学生指导。第二次教育实习安排在大四上学期，实习时间为四周，可让学生自由选择联系实习学校或组成一到二个实习小组，选派实习指导教师带领。前后两次教育实习给学生教学反思和回炉的过程，第一次教育实习返校后，教师针对学生们实习中遇到的问题给予深入的分析指导，帮助学生进行教学反思，从实践中认识教育理论的指导作用，引导学生从教学理论中寻找解决问题的方法，提高理论认识，以便指导其第二次的教学实践；有了第一次教育实习的基础，学生在第二次教育实习中更显从容和自信，教学更规范化，并在教学中有目标性地观察分析教学中遇到的问题，积极思考，寻找解决问题的方法，学生在两次实习中感受深刻，在一次次的教学实践中提高了他们的教学技能和专业认同感。合理安排每个学期的美术教育理论与教学实践课程，一方面确保学生每一学期至少有一门以上的美术教育理论或教学实践课程的学习，另一方面又将各课程相互串联，形成体系，充分发挥其职能作用，比如美术教学论、美术课程标准解读等核心课程被有意识地安排在教育实践课程之前，旨在引导学生掌握美术教育理论的同时，形成正确的教学理念，以发挥理论指导实践的作用；微格教学、教育实习等实践性课程旨在培养学生的教学技能；各类美术课教学方法研究等课程旨在指导学生在一定教学实践基础上寻找课堂教学的理论依据，形成研究教学的思考。同时还可结合举办师范生教学技能比赛、说课比赛等活动促进学生的教学评价与反思，使教学更有成效。

2．科学整合美术专业课程内容，彰显美术教育专业特色学院在对中小学一线教学调研中发现，因教学条件、学生兴趣等原因，那些偏难和较复杂的美术学科内容在学校难以展开，如油画人体、石版画等，因此，结合基础学校实际需要，科学整合美术学科课程显得尤为重要。以“双基＋创造力培养”来整合美术学科课程的思路是基于中小学“双基”教学的特点提出的，即在大学低年级阶段着重于美术学科基础理论与基础技能的学习，在大学高年级阶段着重于美术表现及创作学习，并采用选修的形式，让学生自主选择美术学科发展方向，在侧重研究某门美术学科的同时，又在相互交流中触类旁通地了解其他画种的表现手法，形成“一专多能”的美术能力。此外，在原本单纯的美术专业课程中整合美术教育教学内容，有意识地将美术学科与教育专业学习相结合，更能明确美术教育专业的本质，如《艺术考察》通常是带学生们深入乡村写生及收集美术创作素材的课程。经过整合，可将这门课程改革为《艺术考察与中小学教学调研》，教师带学生下乡写生、收集素材等活动之余，带领他们深入到乡村学校进行教学考察，了解地方办学条件和状况，并让学生提交中小学教学调研报告，思考开发利用地方美术教学资源等课题，这种一举两得的教学活动收到极好的教学效果，一方面，引导学生在美术学习的同时，思考美术与美术教学的关系，另一方面，创造了更多的机会让学生参观基层乡村学校，增进其对美术教育的责任感。再如，《民族民间美术》课程旨在引导学生了解民族民间文化的同时，让学生形成开发利用民族民间美术资源于学校美术教学的思考，如将该课程改革为《民族民间美术与校本课程开发》会更能明确其课程本质。

3．调整最终评价课程结构，明确美术教育专业本质目前，美术教育专业中有许多重要课程与美术专业课程极为相似，特别是“毕业创作”课程多以学生美术作品展示为主，不能全面体现出美术教育专业学生大学四年所学。只有合理调整最终评价课程的组织结构，才能进一步明确这类课程的实质。经过多年的教学实践，学院的美术教育专业“毕业创作”课程改革为“毕业综合展示”。“毕业综合展示”主要侧重于美术教育教学展示和美术学科技能展示两个方面，旨在全面展示学生的综合能力。在美术教育教学展示方面，包括有教学活动展板、教学实物和多媒体教学实录等形式。教学活动展板是在150cm×90cm的展板上呈现学生的教学实践成果，整个设计制作过程也是学生对教学实践进行整理、反思和总结的过程，指导教师组织学生整理充实教育实习中的教案、教学示范图、学生作品、教学录像、教学现场照片等资料，并有序地将教案、教学示范图、学生作品布置在展板上，这也是对学生设计能力的考验。教学实物展示包括学生教育实习的教案、示范图等，还通过多媒体展示学生的执教录像、教学课件等内容。人们在参观学生的美术教育教学展示内容时，都投以极大兴趣和充分肯定，并感受到学生们扎实的教学能力。在美术学科技能展示方面，美术教育专业学生在大学四年学习的美术技术门类较多，学生们的兴趣也十分广泛，这就需要给予学生提供更大的选择空间，可选择进行新作品创作，可选择整理完善自己认为平时画得较好的作品进行再创作，还可选择自己最感兴趣的某类美术内容进行表现；多元选择带来了丰富多彩的创作面貌，有油画、国画、版画、水彩、素描外，还有手工、剪纸、摄影、电脑绘画、设计等内容，这些作品都真实地记录了学生的专业技能及其创作能力，切实展现了美术教育专业学生的美术综合能力。每次的“毕业综合展示”都收到极好的效果，有观众戏称：看美术专业“毕业创作”就像逛“艺术精品店”，看美术教育专业“毕业综合展示”就像逛“艺术精品超市”。“毕业论文”也是美术教育专业的重要课程之一，过去，教师们在指导“毕业论文”时发现许多学生写的毕业论文往往照搬照套，缺乏自己对美术教育的真情实感，而他们对亲身经历的教育实习却有着许多体会和想法。学院将“毕业论文”改革为“毕业实习综述”，让学生从深有感触的教学实践中进行理论性梳理和分析，从中感悟实践上升到理论、理论指导实践的研究性方法。同时，我们还将原来在教室进行论文答辩的场所改在“毕业综合展示”展厅进行，将“毕业实习综述”答辩与“毕业综合展示”密切联系，学生们在相对开放的环境中由感而发，教师们也能从学生的答辩及其美术教学展示、美术创作中对学生形成全面综合的认识。

三、结语

美术核心论文范文第3篇

1．开设的美术教育类课程偏少

培养目标模糊高师美教院校发展长期受到美术院校的影响，虽然在20世纪80年代高师美教走上了全面开课的轨道，但课程设置几乎套用美术院校的课程模式，所开设的美术专业课程占有相当大的比重，美术教育类理论及教学实践课程量较少，不能突现出高师美教的师范性特点，这也导致了高师美教培养目标的不明确，以至于出现有些教师是以培养艺术家而不是培养艺术教育家为主要培养目标的偏差。

2．美术专业课程内容与学校美术教育改革发展需要

缺少对接现在高师美教课程设置普遍由美术教育类课程和美术专业类课程两大模块组成，其中的美术专业类课程内容基本套用美术院校的模式，与当前我国学校美术教育改革发展缺少应有的对接，加上执教美术专业类课程的教师大都是由美院毕业的，他们对中小学美术教育改革了解不多，这使得他们在教学过程中，很难形成将美术专业教学与中小学美术教学需要联系起来的学术自觉，这带来了师范生在大学所学的某些美术专业知识在基层学校美术教学中难以施展的困境。

3．最终评价课程缺失了高师美术教育应有的综合评价

机制“毕业创作”“毕业论文”课程是高师学生在大学四年所学知识的最终总结与呈现，因此，我们可以称这些课程为最终评价课程。长期以来，高师的“毕业创作”都是以美术创作作品展览的形式进行，完全照搬美术院校“毕业创作”的做法，这导致高师学生很自然地将自己的毕业创作与美术院校学生的毕业创作相比拼，教师和学生会投入更多的精力到毕业创作中，多少影响了高师学生在“毕业论文”写作的精力投入和对美术教育理论及实践的总结与反思，此外，“毕业创作”与“毕业论文”各自侧重在美术专业和美术教育两大块，缺失了课程之间的内在联系和高师美术教育将二者综合评价的机制。

二、高师美术课程设置策略

1．增设美术教育理论及教学实践课程

突出美术教育专业特点众所周知，一名中小学美术教师的基础知识结构应包涵美术教育和美术学科两大体系。美术教育理论及教学实践课程是高校美术教育专业课程的重要组成部分。近些年来，学院依据国家教育部的发展要求，在原有基础上增设了美术课程标准解读、各类美术课教学方法研究、微格教学、多媒体教学课件设计与制作、教育见习、第一次美术教育实习、第二次美术教育实习等课程，使美术教育理论及教学实践课程占有相当比重，突显出美术教育专业的特点。这些课程有效地提高了学生对美术教育专业的认识及其教学技能，尤其是学院将美术教育实习由原来实习一次调整为实习两次，收到很好的教学效果。第一次教育实习时间安排在大三上学期，实习时间为三周，均有带队指导教师带领，这样能随时给予学生指导。第二次教育实习安排在大四上学期，实习时间为四周，可让学生自由选择联系实习学校或组成一到二个实习小组，选派实习指导教师带领。前后两次教育实习给学生教学反思和回炉的过程，第一次教育实习返校后，教师针对学生们实习中遇到的问题给予深入的分析指导，帮助学生进行教学反思，从实践中认识教育理论的指导作用，引导学生从教学理论中寻找解决问题的方法，提高理论认识，以便指导其第二次的教学实践；有了第一次教育实习的基础，学生在第二次教育实习中更显从容和自信，教学更规范化，并在教学中有目标性地观察分析教学中遇到的问题，积极思考，寻找解决问题的方法，学生在两次实习中感受深刻，在一次次的教学实践中提高了他们的教学技能和专业认同感。合理安排每个学期的美术教育理论与教学实践课程，一方面确保学生每一学期至少有一门以上的美术教育理论或教学实践课程的学习，另一方面又将各课程相互串联，形成体系，充分发挥其职能作用，比如美术教学论、美术课程标准解读等核心课程被有意识地安排在教育实践课程之前，旨在引导学生掌握美术教育理论的同时，形成正确的教学理念，以发挥理论指导实践的作用；微格教学、教育实习等实践性课程旨在培养学生的教学技能；各类美术课教学方法研究等课程旨在指导学生在一定教学实践基础上寻找课堂教学的理论依据，形成研究教学的思考。同时还可结合举办师范生教学技能比赛、说课比赛等活动促进学生的教学评价与反思，使教学更有成效。

2．科学整合美术专业课程内容

彰显美术教育专业特色学院在对中小学一线教学调研中发现，因教学条件、学生兴趣等原因，那些偏难和较复杂的美术学科内容在学校难以展开，如油画人体、石版画等，因此，结合基础学校实际需要，科学整合美术学科课程显得尤为重要。以“双基＋创造力培养”来整合美术学科课程的思路是基于中小学“双基”教学的特点提出的，即在大学低年级阶段着重于美术学科基础理论与基础技能的学习，在大学高年级阶段着重于美术表现及创作学习，并采用选修的形式，让学生自主选择美术学科发展方向，在侧重研究某门美术学科的同时，又在相互交流中触类旁通地了解其他画种的表现手法，形成“一专多能”的美术能力。此外，在原本单纯的美术专业课程中整合美术教育教学内容，有意识地将美术学科与教育专业学习相结合，更能明确美术教育专业的本质，如《艺术考察》通常是带学生们深入乡村写生及收集美术创作素材的课程。经过整合，可将这门课程改革为《艺术考察与中小学教学调研》，教师带学生下乡写生、收集素材等活动之余，带领他们深入到乡村学校进行教学考察，了解地方办学条件和状况，并让学生提交中小学教学调研报告，思考开发利用地方美术教学资源等课题，这种一举两得的教学活动收到极好的教学效果，一方面，引导学生在美术学习的同时，思考美术与美术教学的关系，另一方面，创造了更多的机会让学生参观基层乡村学校，增进其对美术教育的责任感。再如，《民族民间美术》课程旨在引导学生了解民族民间文化的同时，让学生形成开发利用民族民间美术资源于学校美术教学的思考，如将该课程改革为《民族民间美术与校本课程开发》会更能明确其课程本质。

3．调整最终评价课程结构

明确美术教育专业本质目前，美术教育专业中有许多重要课程与美术专业课程极为相似，特别是“毕业创作”课程多以学生美术作品展示为主，不能全面体现出美术教育专业学生大学四年所学。只有合理调整最终评价课程的组织结构，才能进一步明确这类课程的实质。经过多年的教学实践，学院的美术教育专业“毕业创作”课程改革为“毕业综合展示”。“毕业综合展示”主要侧重于美术教育教学展示和美术学科技能展示两个方面，旨在全面展示学生的综合能力。在美术教育教学展示方面，包括有教学活动展板、教学实物和多媒体教学实录等形式。教学活动展板是在150cm×90cm的展板上呈现学生的教学实践成果，整个设计制作过程也是学生对教学实践进行整理、反思和总结的过程，指导教师组织学生整理充实教育实习中的教案、教学示范图、学生作品、教学录像、教学现场照片等资料，并有序地将教案、教学示范图、学生作品布置在展板上，这也是对学生设计能力的考验。教学实物展示包括学生教育实习的教案、示范图等，还通过多媒体展示学生的执教录像、教学课件等内容。人们在参观学生的美术教育教学展示内容时，都投以极大兴趣和充分肯定，并感受到学生们扎实的教学能力。在美术学科技能展示方面，美术教育专业学生在大学四年学习的美术技术门类较多，学生们的兴趣也十分广泛，这就需要给予学生提供更大的选择空间，可选择进行新作品创作，可选择整理完善自己认为平时画得较好的作品进行再创作，还可选择自己最感兴趣的某类美术内容进行表现；多元选择带来了丰富多彩的创作面貌，有油画、国画、版画、水彩、素描外，还有手工、剪纸、摄影、电脑绘画、设计等内容，这些作品都真实地记录了学生的专业技能及其创作能力，切实展现了美术教育专业学生的美术综合能力。每次的“毕业综合展示”都收到极好的效果，有观众戏称：看美术专业“毕业创作”就像逛“艺术精品店”，看美术教育专业“毕业综合展示”就像逛“艺术精品超市”。“毕业论文”也是美术教育专业的重要课程之一，过去，教师们在指导“毕业论文”时发现许多学生写的毕业论文往往照搬照套，缺乏自己对美术教育的真情实感，而他们对亲身经历的教育实习却有着许多体会和想法。学院将“毕业论文”改革为“毕业实习综述”，让学生从深有感触的教学实践中进行理论性梳理和分析，从中感悟实践上升到理论、理论指导实践的研究性方法。同时，我们还将原来在教室进行论文答辩的场所改在“毕业综合展示”展厅进行，将“毕业实习综述”答辩与“毕业综合展示”密切联系，学生们在相对开放的环境中由感而发，教师们也能从学生的答辩及其美术教学展示、美术创作中对学生形成全面综合的认识。

三、结语

美术核心论文范文第4篇

[论文摘要]美术课程是一种人文课程，是人文主义精神的集中体现。美术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺，而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。

教育的人文主义是以人的和谐发展为目标，希望人的本性、人的尊严、人的潜能在教育过程中得到最大的实现和发展。在我们提倡素质教育反对应试教育的今天，人文主义教育观对我们现行教育有很好的指导作用。美术教育作为一门学科教育，它有自己的独特性，它主张以学生自身的发展为目的，强调发展人的天性，发展人的个性，发展人的潜能。因此，用人文主义教育观来指导美术教育是顺应时代的潮流，是未来教育的一个发展趋势。

美术课程是一种人文课程，是人文主义精神的集中体现。人文主义指的是一种高度重视人和人的价值观的思想态度。它注重人的自由与平等，人与社会、自然之间的和谐。美术是人类文化最早和最重要的载体之一，运用美术形式传达情感和思想是人类历史中的一种重要的文化行为。美术并不是单纯的技艺，而是人类文化的积淀和人类想象与创造力的结晶。它记录着不同时代的文明，闪烁着人类的智慧、代表着人性的深度。美术是人类情感和精神生活的创造表现。任何美术表现形式都包含着一定的情感和思想。学生通过美术学习与自己情感生活的连接和相互作用，学习用美术方式表达和交流情感，使学生的不良情感情绪得以释放和宣泄，恢复他们心理的平衡，从而获得创造、表现和交流的能力，达到健全人格，陶冶性情的目的。因此，通过对美术的学习，将使学生的审美情趣和能力不断提高，性情不断得以陶冶，从而增强对自然和生活的热爱和责任感，形成尊重和保护生命和自然环境的态度，以及创造美好生活的愿望与能力。可以说，美术已经成为人文教育的核心学科。

美术课程的人文性开始受到广泛的关注和重视。美术教育作为一门基础学科教育，它没有应试教育的功利性和目的性，能更好地贯彻人文主义教育思想。即使在高等教育阶段，美术教育作为艺术教育的一个重要组成部分，其教育目的和作用也开始受到越来越多的重视。1997年5月，北京大学隆重宣布成立艺术学系，并明确表示：希望通过在全校开展艺术教育，培养学生的艺术感受力与理解力，用艺术生动的表现形式陶冶他们的情感，使他们具有更高的精神境界、更开阔的胸怀和眼界、更丰富多彩的生活经验和人文修养、更健全的人格，成为21世纪合格的人才。我们知道，当下的美术教育不再是传统的素描、绘画、版画、雕塑课程及欣赏课，它有了更宽泛的内容。在欧美很多国家，开始用视觉艺术教育来代替美术教育，它超越了传统的“纯艺术”范畴的教育，为学生提供了更广阔的艺术教育。美术教育的对象不是针对那些对美术感兴趣的少数学生，而是面对全体学生的，倡导全面发展的人文主义教育理念。强调通过直觉、推理、想象、技巧以及表达和交流的独特形式过程逐渐形成丰厚的文化修养。美国的《艺术教育国家标准》在强调美术学科结构特点的同时，始终贯穿着以学生发展为本的思想，内容标准是根据学生达成目标来制定的，注重学生在参与美术活动时的感性体验，发展美术创造的基本能力。中国现行的美术教学也开始以强调美术学科体系转向激发学生创新意识和创造精神，强调以学生发展为本的精神。因此，用人文主义教育观来指导美术教育，成为对现行教育进行改革的一个重要理论依据，开始受到更多的关注。

美术核心论文范文第5篇

关键词：美术学科；中国画专业；人才培养；综合能力

多年来，我国的美术教育无论是专业美术院校，还是综合性大学，针对美术学科的人才培养，各院校教育学者仁者见仁、智者见智。目前，中国画专业的人才培养基本上形成两种模式：一种是延续师徒传授的传统方法；另一种是受西方现代教育体系和理念的影响，注重基础造型和色彩能力的培养方法。近年来，由于社会发展对美术学科人才需求的变化，一些教育学者和教师在中国画专业教育教学的实践中，对该学科领域进行了积极的探索，并逐步形成各具特色的人才培养模式。

一、专业技能与创作能力培养

（一）专业技能培养

目前，我国各专业院校的中国画专业的基础课程均设有素描、色彩、临摹、写生等内容。这些基础课程的专业技能包括用笔用墨、线描、色彩、画面经营及意境表现等。因此，人才的培养需要加强专业技能训练。培养学生准确的造型能力，即对客观事物进行准确的刻画。这不仅要注重对物体的轮廓、结构、透视、层次、明暗等方面的表现，而且还需要在原来造型的基础上加以提炼、强化或夸张、变形，以突出中国画创作的特点。速写不仅可以有效提高学生的造型能力，也是记录、收集生活素材的重要手段。中国画创作讲究“目识心记”，这要求对物体的造型、结构和生长规律能够理解并烂熟于心，这样才能下笔如有神。速写要讲究“笔不离手”，要求学生对物体有辨识、概括的能力，而且还要对物体有充分的认识和了解，以及深刻的记忆。所以，画速写不但能培养学生看、想、记、画的技能，还可以训练学生手、眼、笔的协调配合能力，使学生在短时间内能迅速、准确地抓住形体的特征。中国画专业的造型表现语言与其他画种有明显区别，中国画以“线”作为造型的表现手段，所以课程教学中应该加强“线”的练习。“线”是一种高度概括、凝练的绘画表现形式。学生需要了解中国画线条的应用规律，并对客观事物有深入、细致的观察和了解，通过线条的表现，对客观物体进行概括提炼和归纳，这样才不至于停留在对物体表面的描绘。中国画专业教师在指导学生对物体进行观察时，要注重培养学生的观察和审美能力。传统西方绘画讲求科学，强调客观、真实地描写对象。但是我国传统的中国画教学要求在观察对象时遵循自己的主观意愿，强调物体的意象性格和精神特征。在各高校的中国画专业教学中，表现题材分有山水、人物、花鸟三大科目，各个科目都有其特有的精神内涵。山水讲究意境，人物讲究神态，花鸟画讲究情趣。所以在教学时，这三科的观察和表现方法也有所不同。宋代画家曾云巢在观察草虫时记载：“取草虫笼而观之，穷昼夜不厌；又恐其神不完也，复就草地之间观之，于是得其天。方下笔之际，不知我为草虫，草虫之为我耶。”[1]这段话明确地说明了画家在观察物体时的体会。从草虫放在笼子里不分昼夜的观察，到对形貌、结构特征了然于胸，又到大自然的草地间观察它在自然环境中的生活习性、动态变化等，最终达到“不知我为草虫，草虫之为我耶”物我两化的境界。又有宋伯仁的《梅花喜神谱》在序中提到的观察方法：“余于花放之时，不厌细徘徊于竹篱茅屋边，谛玩梅花之低昂、俯仰、分合、卷舒，图写花之状貌，得二百余品……”[2]正是这种知之甚详的观察积累，方能极为传神地表现对象。中国山水画观察方式是以走马观花的方式对山水进行散点透视的观察，涵盖了眼中所见山水的全貌，即山水总体印象的总合。山水画最著名的观察方式莫过于宋代画家郭熙在《林泉高致》中提出的“三远法”。“山有三远，自山下而仰山巅，谓之高远；自山前而窥山后，谓之深远；自近山而忘远山，谓之平远。”[3]郭熙将山水画中的远近透视觉关系，总结出山水的空间与构图表达，形成了山水画自由、独特的观察方法。中国画人物的观察方法，最著名的观点莫过于东晋时期顾恺之的“传神论”。他提出的观点概括了中国人物画的观察和艺术表现方法。他强调以形写神，通过对人物的观察和画家自己“迁想妙得”来把握人物内在的精神面貌，表达人的性格气质和精神状态，即“传神写照，正在阿堵（指眼睛）中”[4]。中国画笔墨，从狭义上看，是用笔和用墨的合称，包含笔法、墨法、章法等基础技法。中国画家认为，笔墨运用水平的高低决定了作品的质量。从广义上看，笔墨运用的特点，则体现出画家独有的艺术语言和精神面貌，也代表了画家的艺术风格。然而，笔墨功夫则需要不断地练习、积累，才能有所提高。中国画教学中，如何有效地提高学生的笔墨功夫，关键在于对笔墨正确的训练和学习。在进行笔墨教学的过程中，教师正确的引导方法是非常重要的。一是对经典作品的解读和临摹。要求学生在临摹作品之前，除了分析画家运用的笔墨技法之外，还要对作品产生的社会背景、画家的艺术思想和历代评论家对作品的相关评论等有所了解。二是对经典作品的意临。了解作品的笔墨技法后，在临摹作品的笔法、墨法、章法、风格、意境等过程中，通过自己的理解及感悟，摆脱形似上的束缚，把别人的长处融入到自己的作品当中。三是笔墨关系运用训练。笔墨关系即需要画家熟练掌握笔墨的运用规律，并通过掌握毛笔的笔力、笔性、笔势、笔意，以及墨意、墨韵等之间的节奏关系。因此，学生可以通过对经典作品的学习和临摹，掌握笔墨运用规律。

（二）专业创作能力培养

美术创作作品要有创意，是创作最基本的要求。如果作品画面与别人的似曾相识，或如同孪生兄弟姐妹一样，那就是抄袭、临摹。所以，培养学生的创新能力是人才培养的重要的组成部分。首先，要培养学生的创新思维和丰富的想象力。教师先要引导学生从传统的临摹的模式中解脱出来，要对物体有正确的观察方法。比如，传统的对花鸟的观察模式是“触目横斜千万朵，赏心只有三两枝”[5]。其实，在绘画中，两三枝花卉的描绘和表现众多朵花的气势和意境是截然不同的。教师可指导学生从生活采风中，善于发现物体的美感，以及在创作课上，尝试把物体的自然形态进行变体或夸张。例如，表现一个西红柿，先用平时常用的观察角度进行描绘，然后再从俯视的角度，分别绘竖着的、横切一半的、切四分之一的、剥皮的西红柿等。总之，尽可能让学生从各个角度观察自然物体的形状和结构，以及纹理等细节，丰富学生对物体的整体认识。在全面了解和认识物体的外在和内在特征后，学生还可以从不同角度对物体进行切割和重新组合，形成一幅新的画面。指导学生观察物体的纹理细节，如把蝴蝶放大几倍，观察蝴蝶翅膀的纹理排列，从正面纹理、半侧面纹理、侧面纹理等对蝴蝶纹理不同细节和角度进行观察，会发现这些纹理有不同疏密、大小、聚散节奏的关系。学生对物体观察角度的变化，不仅开拓了学生对物体的观察思维，而且也使学生从中得到创意能力的培养。其次，学生还可以学习和借鉴其他画种的构图方法，比如版画、插画、油画、综合材料绘画等。荷兰画家梵高、法国画家莫奈喜欢借鉴日本浮世绘的绘画表现形式。如梵高的名作《星夜》中的漩涡被认为是参考了日本画家葛饰北斋的作品《神奈良冲浪里》。从梵高的作品《日本情趣：花魁》《日本情趣：梅花》等，可以看到日本浮世绘作品对他的影响。还有莫奈作品《圣阿德雷斯花园的阳台》，也是参考了葛饰北斋《五百罗汉寺》的构图。所以，教师在教学时，可以通过对这些画家作品的案例分析，引导学生从其他画种中吸收养分。教师还应该引导学生尝试使用各种绘画材料和绘画表现技法。在现代社会审美多元化的背景下，传统的中国画颜料和“三矾九染”或“逸笔草草”的绘画技法已经不能满足当下人们的审美需求。同时，随着科学技术的发展，各种各样的绘画颜料不断涌现，也给画家提供了综合材料在同一画面运用的可能。比如，有些中国画写意画家在绘画时使用了水彩颜料。现当代画家齐白石和郭怡孮，以及众多的工笔画家就曾在同一画面使用水彩、丙烯、日本岩彩颜料等综合材料。现代画家的表现方法非常丰富，比如可采用揉纸法、拓印法、撒盐法、撒胶法、泼彩法等。郭怡孮曾说：“作画时甚至连手指甲、木棍、笔杆都使用上了。”一切有助于丰富画面效果的表现方法，都可以鼓励学生尝试。教师在实践教学中，要善于导入国家、社会或专业协会的项目进行教学，这样可以使学生从真实的项目创作中得到锻炼和积累创作经验，从而滋养创新能力。社会的项目创作是需要在规定时间内完成的，这就要求学生在创作的过程中，要进入画家的角色，要有创新思维和专业技巧的能力，以及对时间的掌控能力。根据课程教学安排，教师要带领学生深入生活采风或在课堂中创造情景体验。如听一段音乐、观看一段舞蹈、读一首诗词，然后发挥自己的想象力，画出自己心中的感受。

二、理论研究能力的培养

（一）自学能力的培养

学生研究能力的培养，其中也包括了自学能力的培养。所谓自学，是在课外时间、没有导师指导的情况下自我学习和研究的过程。为培养学生的自学能力，教师课程教学计划及课程教学中要给予学生充足的自学时间，并布置适当的内容和任务，让学生在没有依赖和干涉的情况下，用眼去观察、用脑去想、用手去做、用心智去探求，自由地学习和研究专业理论，以及实践专业知识。此外，还需要教师对学生的综合素质有全面的了解，因材施教。

（二）论文撰写能力培养

目前，中国画本科专业的理论研究，主要在于学位论文的撰写。因此，在选择论文题目时，要考虑以下几方面：一是对毕业创作有着深刻的体会和理解；二是手中有充分的参考文献资料，足以支撑完成论文的撰写；三是经过4年的学习，对专业基础或核心课程有着充分的认识和浓厚的兴趣，有完成论文写作的激情和能力。此外，论文的撰写首先要完成开题报告，这是检验论文的题目及框架是否符合学士学位论文撰写的要求，还可以看到学生论文写作的思路和研究方法，以及是否有完成论文的可能性和可行性。学生通过毕业论文的撰写，不但可以加深对专业的理解，还可以从中掌握课题研究的方法和手段，得到研究能力的培养。

三、审美认知和综合素质的培养

（一）提高审美认知

优秀的艺术作品要给人以美的感觉，这就要求画家或美术学科学生提高审美认知。古哲云：“师古人不如师造化，师造化不如师心源。”这源于禅宗的美学思想。这说明在创作作品时，从观察和临摹前人的作品中得到启发和体会，不如深入生活采风，从大自然中体验生活，以得到灵感的启发。个人的悟性也是非常重要的。通过写生得到心灵的净化，以及理论的升华和审美认识，并运用于创作作品中，这就是个人悟性的充分体现。画家在采风写生时，首先是对物体的观察，然后从最美的视觉角度入笔，这样才能画出具有美感的写生作品。在作品创作阶段，对作品的构图、造型、色彩及线描表现等，都需要经过心源审美的感悟，具备高超的绘画技巧和表现能力，才能创作出具有美感的美术作品。中国古代具有代表性的美学思想有儒家、道家和禅宗。中国现代美学著作，如潘之常的《中国美学精神》、金雅主编的6卷《中国现代美学名家文丛》、徐复观的《中国艺术精神》等都能为学生提供较为宏观的视角。西方美学思想的代表性人物，如黑格尔、康德和车尔尼雪夫斯基等人的观点也应涉猎。这些美学思想和著作的学习，有利于学生提高审美认知及综合素质。

（二）提升综合素质

对美术学科的学生而言，综合素质的培养是非常重要的。综合素质的培养离不开生活、学习和创作的阅历，需要对古今中外不同文化以及对邻近学科有所了解。学生在进行专业创作及理论研究的过程中，常遇到各种需要解决的问题。因此，美术学科中国画应用型人才的培养，不但需要学生有较强的专业技能和创作能力，还需要“读万卷书，行万里路”。1.读万卷书博览群书可以增长知识，这是自古以来人们所遵循的真理。作为美术专业的学生，不但要读本专业书籍，掌握本专业的理论知识，还需要读人文社会科学的书籍。如哲学家冯友兰的《中国哲学史》，可从中了解中国哲学的脉络。复旦大学特聘教授葛兆光的《古代中国社会与文化十讲》，思考和推论了中国文化形成的原因和理由，能为学生提供不一样的视角。中国画专业的学生在研习专业的同时，也要学习中国古代文学名著，如《春秋》《论语》《孟子》《史记》，以及中国古代诗词等，了解中国优秀的传统文化和人文历史，提升个人的人文素质。中国传统绘画历来强调绘画与书法意趣相通，书画异名而同体，讲究诗、书、画、印融为一体，才能赋予画面丰富的视觉美感。北宋时翰林画院的画学生，不但要学习中国传统绘画的表现技法，还要学习汉代4部重要的著作，如《说文》《尔雅》《方言》《释名》等，系统地学习和分析汉字字形和考究字源、古汉语词、方言词，方言的语言、词汇、语法和探究事物名源、训解词义，以及汉语的语词源学等。2.行万里路所谓的行万里路，就是通过采风写生、专业创作及社会实践等，丰富学生的社会实践和专业创作经历，以提高学生的综合素质和素养。“外师造化，中得心源”，是唐代画家张璪提出的艺术创作理论。这说明学生不仅要学习专业理论，更重要的是深入生活和社会实践，在实践中得到深刻的认识和体会。如今的社会实践，可以从以下几个方面进行：参加文化部门及专业协会组织的项目创作活动；在校学习期间，参加文学、美学和专业创作理论等方面的学术研讨会和讲座；参加学校与其他院校间的交流，包括教师与学生、学生与学生的交流；通过选派交换生到国内外其他高校进修学习，增加对不同国家和地区文化的了解。这些社会实践无疑对个人综合素质的培养，起着极为重要的作用。

四、结语

随着社会的发展，美术学科中国画专业人才培养以及就业等教育和社会问题，将面临着更多和更大的挑战，同时也对美术学科的人才培养模式提出了更高的要求。这就要求高等教育美术学科的教师不但要有现代高等教育的理念和应用型人才培养的教学与研究能力，还要有与时俱进的创新思维，这样才能使美术学科跟上时展的潮流，也才能为国家建设培养德智体美劳全面发展的应用型人才。

参考文献：

[1]罗大经.鹤林玉露[M].上海：上海古籍出版社，2012.

[2]宋伯仁.梅花喜神谱[M].杭州：西泠印社印社出版社，2017.

[3]郭熙.林泉高致[A].邵大箴.艺术文从[M].石家庄：河北教育出版社，2016.

[4]刘义庆，朱碧莲.世说新语·巧艺[M].沈海波，译注.北京：中华书局，2017.