艺术表演形式

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艺术表演形式范文第1篇

关键词：声乐艺术；表演教学；技巧性运用；教学模式

随着艺术发展对于复合型人才的不断需求，在声乐艺术的表演教学中，更加要突出对声乐艺术教学的创新性方法应用，在结合理论实践的基础上，形成开放性的创作环境，让学生形成创作灵感的积累，在反复磨砺与技巧的感悟中增强声乐艺术表演的能力提升，促进专业知识与现代化歌唱表演的全面融合。

1 简述声乐艺术教学表演训练的重点

（1）理论掌握的基础性运用。在声乐艺术的表演教学中，要形成学生主体作用的全面发挥，在掌握声乐艺术表演的相关理论基础的前提下，着重于对戏剧专业人才、歌剧表演人才、音乐剧表演人才等多方面的培养为目标，在重点教学的环节上，要突出对理论知识的学习掌握。因此，要突出对舞台表演的整体知识理解，围绕当前表演艺术的进展、发展阶段等深入学习，从世界公认的三大表演体系（即俄国的斯坦尼斯拉夫斯基表演体系、德国的布莱希特表演体系、中国的梅兰芳表演体系）及其美学原则进行理论根基的培育，更好的让学生形成专业知识的丰富，构建声乐艺术表演的整体思维空间和兴趣培养模式。

（2）情感融合的磨砺过程。对于声乐艺术的表演教学，是一项综合对音乐、诗词、古典乐曲、语言、行动和感知等的综合体，因此，在教学过程中，要注重对表演艺术中情感表达的渠道培养，形成表演与表达，表述与演绎之间的整体融合，让学生通过表演融入人物的内心世界，并通过肢体语言、歌唱艺术等塑造出来，构建学生在表演中肢体、语言、表演的整体融合，并强化创作材料的整体训练，突出学生的表演天性和形体动作的感觉，让学生在情感融合的魔力过程中构建常态化的训练模式，增强表演的主体能力素质。使学生在舞台上能“唱”会“动”又能“演”，这样，可以增强学生对不同角色的表现能力，以达到培养和造就他们成为全面的声乐表演人才。

2 分析声乐艺术表演教学的技巧性教育模式

（1）舞台实践的教学模式。在声乐艺术表演教学中，通过学生在表演知识与情感融合的基础上，采用舞台教学的模式，让学生强化表演能力。因此，在教学过程中，采用灵活多变的教学手段，形成舞台表演的综合运用教学模式，将集体性、表演性的教学方法运用到其中，通过长效培训机制的养成，让学生结合戏曲的训练方法，采用走远场、台步、云手等基本功的培育方式，并结合当前的热点剧照，通过小品、话剧、戏曲以及音乐剧的排演方式，让学生在舞台中强化表演能力。在表演的过程中，综合学生的个性特点，将学生融入假戏真做的氛围之中，并将真实情感的流露作为教学的重点，形成开放式的舞台教学，让学生在表演中彻底忘记自己，忘记自己的真实身份，形成真正进入角色的表演模式，并通过学生之间的相互磨合，在不同人物角色的性格把握上，形成舞台实践教学的整体应用模式，教师进行适当的指导和现场模拟，让学生在相互之间的表演中看到对方的表演不足，记录自己表演的进步与成长，构建全面发挥的舞台效应。

（2）演唱结合的结合模式。在声乐艺术表演教学中，要充分围绕学生的自身优势，并追求在“演”与“唱”的有机结合上进行全面突破，形成学生既能表演又能歌唱的良好优势。首先从学生的表演心理进行合理引导，让学生能随意的动起来，并可以结合表演的不同内容构成舞台艺术的表现形式，对自己的形体进行合理“加工”，在充分考虑学生表演心理的基础上，让学生在兴趣中分析歌舞内容与角色定位，在不同的表演场景下展示出不同的表演风格和行动艺术。学生学会在艺术虚构的条件下，轻松自然做到真听、真看、真的判断决定后再行动，达到 “眼中有景”“心中有情”，同时完成歌唱的技术技巧、声音音色、作品的表现风格、表现情绪等。调动学生的表演热情，激发学生的歌唱欲望，时刻要有一种表演的冲动把自己“燃烧”起来，要他们学会在“歌唱”中“表演”，在“表演”中“歌唱”，同样做到“唱必动”“动必唱”，使学生完成“演”与“唱”的完美统一。

（3）时刻表演的实践模式。要想培养学生真正的表演才能，就要让学生每时每刻、无论任何地点都能有一种表演的技能，尽快地适应舞台、适应社会。因此，要将表演教学活动搬到课堂之外，搭建学生表演的舞台，加强舞台实践的多项培养，让那个学生在表演实践中形成丰富的表演才能，对于环境的拿捏、情感的掌控、人物形象的分析、合作交流的应用等，都能形成切身的体验和感受，多参加社会实践活动，多参加舞台表演训练，改变以往课堂教学的传统模式，合理调整舞台与讲台的关系，将讲台搬到社会的大舞台中，在实践教学中增强学生的表演天赋。

（4）开放式教学的活动模式。鼓励学生积极参加学校和社会上各种活动，如：声乐比赛、庆典演唱、合唱比赛、音乐创作发表会等，学生也可以利用双休日、节假日，在宿舍、会议厅、音乐教室等场地，举行小型演唱活动，同时也可以邀请同学好友观摩，这样大课堂和小课堂结合，课内和课外结合，既能提高演唱者的心理素质，又能达到检查学习效果的目的，提高音乐表演的艺术实践能力。教师和学校也应该多为学生创造演出机会，多举办音乐会，教师和学生都可以在舞台表演的实践中查找自己在课堂教学中和学习中的不足。

3 结语

声乐艺术表演教学是一项综合性的教学手段，尤其是在当前教育形式的发展环境中，更要突出对学生个体性表演能力的培养，增强舞台实践教学的整体应用，并突出表演教学的个性化模式，形成现代市场需求以及学生欢迎的教学体系，更好地推动声乐艺术表演教学的全新发展。

参考文献：

[1] 胡晓迎.民族高校少数民族声乐艺术传承与发展研究[J].中央民族大学，2012.

[2] 曹仁方.试论高校音乐教育中民族音乐的传承与创新――以菏泽学院为例[J].大舞台，2010（08）.

[3] 杨朝忠.音乐教育观在民族文化传承中的意义――以侗民族音乐传承为例[J].贵州民族研究，2010（03）.

艺术表演形式范文第2篇

关键词：语言；文字；艺术创作；有声语言

在如今这样一个信息化社会，传递信息的方式变得多样，从信息生成、信息传播、信息保存这样的循环的过程中，语言是被利用次数最多的一个方式，信息需要“清晰”“独创”“客观或主观”这样的要素来推进信息在传达中能表现出准确的含义。然而，语言这样的随处可得的元素在艺术设计中语言被艺术家广泛的使用，艺术家使用语言的立场跟所使用的语言不一样，越是鲜明的立场所使用的语言标签性越强，亚洲文化中书面语言与视觉达到高度的融合。

一、语言中的口语在艺术中的表现形式

艺术作品可以是有声、无声、静态、动态、平面、立体等这三对反义词来表现，然而声音是一种有声的艺术作品，我们听语言的方式也不一而足，有不一样的媒介，比如人声、电话、音响、耳机等等，有不一样的声音，比如优美的、低沉的、沙哑的、高亢的等等，也有不一样的语言本身，比如汉语、英语、西班牙语、方言等等，这些都组成了听觉语言的形式，当语言被人说出来的时候，通过这些因素来识别一个人的大体身份和立场。用声音作为元素的艺术有很多，比如京剧、歌曲、配音等等，这些是语言用声音的方式传递出来，将语言情感化、声调化、虚拟化。“中国的京剧表演的四种艺术手法：唱、念、做、打，四个基本要素，其中的唱指歌唱，念指具有音乐性的念白，二者相辅相成，构成歌舞化的京剧表演艺术两大要素之一的“歌”。”把原本只有音调的曲子跟词语本身含义的搭配，使得表达的情绪更有力量传递的信息更深入。在中国传统艺术中，有声语言为基础的艺术作品大量存在，而且是不可或缺的一部分。这样的形式在不论是中国还是国外都非常多，国外的音乐剧也是以歌唱、对白、表演、舞蹈四大因素为基础的艺术。安德鲁劳埃德韦伯创作的音乐剧《ThePhantomOftheOpera》一些很经典的台词：“闭上你的双眼，因为的眼睛只会告诉你事实，而事实却不是你所想看见的，黑暗中，伪装是多么的容易，真理成为了臆想。”整个音乐剧中采用的是比较严肃的音乐语言，通过演员肢体语言、音乐语言和这样的台词等因素交织在一起，这样的形式算是综合性非常强的一个艺术形式，有声语言在这样的艺术中起到一个最基本表达作用。有歌曲和对白的地方少不了语言，歌曲以唱的方式把语言输出；对白以念的方式把语言输出。听到的不仅仅是语气和情绪也是语言本身的含义，有声语言可以作为艺术的一种最基础的一种表现形式。

二、语言文字丰富艺术设计的视觉效果

书面语在艺术创作中具有丰富性和立场性，语言文字是书面语唯一的表达方式，语言文字的丰富性和立场性可以利用语言文字表现出来的国家性和民族性所形成的差异来表现。《当代艺术的主题》：“用墨汁所和毛笔写文字的各种方法和风格被统称为书法，中国书法艺术的发展历经不同时期。书法作为一种视觉艺术形成仍然备受推崇，它给人提供了展示自己诗人气质的机会，那细致入微的笔法和作品传达出的思想无不体现了诗人般的敏感。”在中国的书面语里，文字这一形式的书面语承载的意义非常重大，是人类文明史的见证之一，从最早的甲骨文到大纂小纂再到现在简体字一脉相承，文字的形式多样。在中国很早语言不单单只是用于表达跟交流的作用，语言文字本身就已经变成了一个艺术作品——借助书法艺术获得了文字实体这样的一种艺术设计，并且我们将其作为实体性的化身而不是概念性的观念或符号。当一件艺术作品中包含文字时，常会发现文字的格式有着特殊意义。书籍和字体设计都在文字本身上有艺术价值，这种艺术价值体现一个民族的细致、传承和创新，这样的形式有时会改变了或者掩盖了语言文字的语法含义。书籍的基础是文字，是通过形式上的创新与语言文字内容上的提炼高度融合跟和谐，这时语言文字变成了基础不再是丰富的视觉效果了，但在设计师的主观引导下设计出来的作品文字也在整个设计中丰富了视觉效果，比如将字体的大小、排版和色彩根据内容的不同有所变化。字体设计可大可小，在纸上的文字是小规模的文字；广告牌上的文字是大规模的文字。

三、使用语言在艺术设计中的动机和意义

1.使用语言在艺术中的动机使用语言的动机之一是为了记录事件或者艺术作品，用这样的形式才能长期的保存被后人延续和传递。比如日本设计师原研哉为了拍到完整的地平线，他来到位于南美玻利维亚中部的鸟犹尼市，拍到的地平线拍摄下来以此作为设计的灵感跟出发点，利用影像语言记录从而进行再设计。人们对于在艺术作品或者设计中使用语言的兴趣日益高涨，还有一个很大的原因是语言文字给我们提供了认知的作用。语言传达的效果直接、便捷、没有局限，美国摄影家杜安迈克尔斯常常会给图像配上标题来引导读者的人关注点以及图像想表达除了客观内容以外的含义，杜安迈克尔斯说：“传统摄影者没有意识到他们生活在一个虚幻的世界里，他们假定严峻现实的表象是摄影文献唯一可行的主题，语言可以作为一种暗示形式对图像加以补充，让我们了解二维空间难以发觉的东西。”另一个日本的当代非常著名的摄影师荒木经惟，他喜好的题材往往是记录生活，他的每一张照片都是有故事的，是当下发生让他颇有感慨而拍摄的，可是他利用语言文字将每一张照片的故事记录下来。

2.使用语言在艺术中的意义不论是有声语言和文字语言都都具有同一个作用就是传达信息，艺术设计者用文字是因为它能传达作品自身难以表现的意义，以及思想观念、描述、说明、争论、故事等。可以将艺术设计中采用文字来表达的原因可以分为七类：符号性的文字、隐喻性的文字、叙述故事性的文字、解释说明性的文字、解构语言自身结构的文字、形式运用到艺术中的文字、有互动对话的文字。这七类可以在同一个艺术作品上同时出现，有相互重叠的部分。比如海拔招贴这类的艺术设计离不开语言文字，似乎每一个文字都是在解释设计出来的图像，这种就是解释说明性文字，日本的福田繁雄喜欢用文字的变形设计招贴，打破文字本身的含义，只是对于文字的形式再创作，是解构语言自身结构的文字。

艺术表演形式范文第3篇

关键词：声乐表演；艺术特性；情感表现；方式研究

音乐创作全过程包括音乐作品创作、音乐表演、音乐接受三个环节。创作是基础，接受是目的，而音乐表现则是联结这两个点的中介，它使原创作品获得鲜活的艺术生命。声乐表演艺术中，表演者如何在表演中使自己感情与作品的情感融合表现出来，是笔者需要探讨的主要问题。

一、声乐表演艺术特性

（一）声乐表演中的模仿性

模仿性是声乐表演艺术的重要特性之一，所谓的模仿性主要指的是针对某一固定的对象，所开展的关于语言、音色、表情等方面的类似行为演示。模仿是每一个声乐表演者在学习的初级阶段必须要经历的阶段，模仿者通过对于先进表演经验的学习以及演示，为自己的表演模式开辟道路，积累经验，进而为自身在声乐表演中的进一步发展创造必要的条件。在实际的声乐表演教学中，关于模仿有着极为严格的规定，包括作品背景、声乐品位以及音乐风格、语言表现等多个环节进行理解，在理解的基础上再进行模仿。在先期模仿阶段，模仿者需要从表现、吐字、声音运用等多个方面进行开展，尤其是要将大部分的精力放在语言表现上。声乐表演模仿中，模仿者必须要做到语言正确、悦耳动人、吐字清晰，这是模仿的最基本素质。我国很多声乐大师都在声乐教学中注重语言的作用，举例来讲，已故大师沈湘先生要求声乐表演者必须要在语言上多下功夫，先从语调、语气、色彩以及韵味人手，最后才可以进入到歌唱环节。通过以上我们可以看出发声、语言等表演都是声乐表演的重要因素，发声、语言都是建立在模仿的基础上的。因此，发声、语言的模仿性是声乐表演艺术的重要特性之一。

（二）声乐表演中的特殊性与创造性

声乐表演中的特殊性主要指的是表演者在实际的表演过程中，所表现出来的表演个性特色，它不同于模仿性，是表演者自身所具备的特殊潜能以及特有风格。对于表演者在声乐表演中的特殊性，是受到多种因素，例如音乐类型、腔体构造以及个性嗓音等因素的制约。另外，声乐表演中的创造性，则是表演者发挥自己的主观能动性，对于声乐表演所进行的创造性表演与表达。声乐表演不仅仅是一度创作的过程，而是经过一度创作出现二度、三度创作的过程，但是二度、三度创作同样需要建立在一度创作的基础之上，其实质就是一种对于原创作的创造性表达以及再现。因此，对于声乐表演者来讲，在一度创作的基础上进行创造性表达，这是声乐表演的最终目的。声乐表演者对于任何一个声乐作品，都是一个由模仿性到创造性的过度过程，唯有创造性才是对于原创作品的超越，也是声乐表演的最大诉求。在实际的声乐表演中，声乐表演者需要最大限度的发挥个人潜能，挖掘自己的表演风格，从而实现声乐表演艺术的创造性发挥。

二、声乐表演情感表现方式

（一）深刻体会音乐作品的情感意蕴

首先，深刻理解音乐作品。每一首音乐作品都是有着内涵情感以及内容的，只有对音乐作品有着较为深入的了解，包括词义、曲情、时代背景等，才可以更加完美的用歌唱来表现，进而更加深入的了解作品的风格以及作曲家的创作个性。举例来讲，对于音乐作品中的歌词，歌唱者必须要对于歌词进行认真的分析与研究，甚至可以说是要做到逐字酌句的研究，只有这样才可以更加深入的了解歌词的内容，从而使得歌唱者更加有感而唱，达到以情动人的目的。再举例来讲，音乐作品的曲风，每一首音乐作品的曲风是不一样的，曲风与作者的个性特征、生活态度以及生活经历密切相关，只有对于音乐作品的曲风有着深入的体会，才可以更好的使得歌唱者表达出歌曲情感。其次，构建作品必须深入作品。音乐作品中的情感才是音乐作品的灵魂与生命，对于再创作来讲，只有将再创作提高到超越原创的高度，才可以将音乐作品中的情感表现出来。演唱者对于歌曲爱的越深，歌唱过程中也就表现的越纯真、越完美。

（二）充分表现表演主体的内心情感

表演主体要想充分发挥其内心情感，就必须要对于音乐作品有着较为深刻的认知，不仅仅要理解音乐作品，而且还要有对音乐作品的独特理解，只有这样才可以发挥出音乐作品二度创作的激情与活力。表演主体的内心情感主要分为三个阶段。首先，表演主体的情感萌发。表演主体的情感萌发，是建立在表演主体对于创作者、创作年代以及创作背景理解基础上的，通过熟悉作品的内涵，进而产生表演主体的情感萌发。其次，表演主体的情感融注。表演主体的情感融注，需要表演者根据自己生活的积累，特别是切身体验，人生经历、阅历再加上自身的修养、文化底蕴等诸多方面，对音乐作品中所表达的表演者经历的或未经历的情感和意境加以想象、感受。最后，表演主体的情感表现。当表演者经过萌情、融情两个阶段达到达情这一心理阶段的时候，表演者仅仅具有真实性即对原作的忠实是不够的，还必须与表演者的创作个性相结合，实现真实性与创作性的统一，才能圆满实现音乐表演的艺术使命。

艺术表演形式范文第4篇

一、戏剧化服装表演的艺术特征

（一）突出主题性、戏剧性。在戏剧化服装表演中，舞台造型、音乐、编排、服装、模特的肢体动作，以及模特的化妆造型等都突出其主题性和戏剧性，这类表演生动有趣、整体营造气氛，同时运用高科技手段，在灯光的作用下打造特定的环境，超现实主义、虚拟的舞台设计效果。例如，2016 Chanel春夏航空的舞台秀场设计，演出场地变身机场，观众们手持登机牌式的邀请函需要经过安检，才能来到会的“候机室”看秀。整场表演就是围绕一个机场的主题，突出模特穿着休闲装的风格，围绕主题，插入戏剧性的秀场表演。

（二）丰富观众的感知系统。戏剧化服装表演加入情境再现的舞台设计，突出其生动活泼、整体性、故事性等的演出规律，丰富了观众的感知系统，带来听觉和视觉上的冲击，给观众留下深刻的印象。2015Chanel秋冬女装时装周秀场中，巴黎大皇宫变成一家地道的法式高级餐厅，场地里老式的吧台，空气中飘着咖啡的香味，在吃吃喝喝中走完整场大秀，给观众留下难以忘?训挠∠蟆?

（三）情节化的编排创意。戏剧化的服装表演在整场演出的编排中，要体现戏剧化服装表演的特征，有别于程式化等其他表演形式，掌握好整体演出的关键，理解和把握本场演出的主线，诠释给观众整体性的戏剧化服装表演，不能让观众的视线脱离服装，减弱对服装的印象，因此对编导的要求就会比较高，要体现戏剧化服装表演的艺术特征。戏剧化服装表演的编排创意无限，不能太平淡无奇，也不可以太夸张，影响观众对服装的印象，所以在戏剧化服装表演中，编排创意也是非常重要的，具有较高的情节化的编排要求，才能达到完美和谐的统一。

二、戏剧化服装表演艺术形式的创新表达

（一）戏剧化服装表演形式中的编排。戏剧化服装表演中编排更是追求创意，将戏剧化形式合理编排在一场服装表演中，突出故事性的情节发展规律，给观众留下深刻的印象。创意的编排容易引起观众的共鸣，更形象直观表达作者所要表达的情感态度，或是表达人生，或是表达爱情等，每个故事都有其情感抒发，在编排中加入模特戏剧化形式的表演，配合舞台的戏剧化效果，两者合理结合，达到和谐演出效果。

（二）戏剧化服装表演中的音乐。音乐是服装表演中的灵魂。音乐对模特的表现有直接的影响，包括对现场气氛的烘托，戏剧化的服装表演更是需要音乐的衬托，突出其活泼、生动等特点，达到音乐、服装、情感、人物的和谐统一。音乐与舞台设备相互作用，达到戏剧化的整体表演效果。歌剧或戏曲是音乐表演的一种戏剧化形式，在戏剧化服装表演中，利用歌剧或戏曲的某一种音乐表演形式，与现场音乐表演的形式相结合，传递音乐丰富饱满的质感。

（三）戏剧化服装表演中的舞台造型。舞台造型是一场服装表演的重要组成部分，必须达到“人、物、景”的和谐统一，“人”泛指现场的模特与观众，达到一种互动的效果；“景”指现场的戏剧性场面，戏剧性的舞台效果；“物”是指现场的道具，以及模特拿的道具等。

灯光在舞台上的作用不容小觑，灯光可以营造舞台的整体氛围。在舞台上的各种装置和灯光的合理配合利用，都是为了突出主题，营造整体的戏剧性线索。

艺术表演形式范文第5篇

（一）跨界音乐——古典与现代的融合

跨界音乐译自英文Crossover，起源于上世纪五六十年代。广义上指两种或两种以上的音乐风格交融在一起的音乐形式，狭义上则单纯指古典音乐与通俗音乐相结合的产物。跨界音乐形式新颖，视听效果丰富，相比流行音乐更加内敛，较之古典音乐则更为活泼。法国钢琴演奏家理查德•克莱德曼（RichardClayderman)是最早涉足跨界钢琴表演的音乐艺术家之一，他将自己流淌着古典气质的演奏与通俗音乐相结合，成功开辟出一片古典与现代相融合的音乐世界。近年来，备受瞩目的跨界音乐家当属克罗地亚钢琴家马克西姆•姆尔维察（MaksimMrvica），他在一定程度上继承并发展了克莱德曼的表演形式，在演奏方式和音乐内容上结合了流行音乐表现的多种形式：风格迥异的背景编曲，搭配现场镭射灯光、LED等技术。衍生出超乎想象的视听画面，在演奏方式和音乐内容上更彰显出现代音乐家的气质和风范。美国新世纪音乐作曲家和钢琴家约翰•施密特（JonSchmidt）的音乐创作和表演也同样具有典型意义，他擅长将不同的音乐元素融合进自己的改编曲创作中，赋予原作另一种音乐意象，更营造出极具震撼力的视听效果。

（二）多媒体——数字化的合成艺术

多媒体艺术是合成的艺术，在多媒体艺术表现中，图、文、声、像元素组成了基本的多媒体结构，形成了视听艺术的表现系统。多媒体钢琴表演，是将数字空间（虚拟世界）融入剧场空间（真实世界）的表演艺术，正是众多元素的集合，使观众在感官上得到满足。钢琴家宋思衡在《交响情人梦》音乐会中，运用多媒体技术，为观众营造了一个可视化的音乐氛围。此音乐会大获成功后，他在《肖邦•爱》多媒体钢琴舞台剧音乐会上更大胆地将舞台剧融入多媒体表演中，这种戏剧化的舞台表演给视听结合的概念作了进一步的拓展。可视化的钢琴表演拉近了与观众的距离，将其带领进更深层次的戏剧梦境。随着数字科技深度介入艺术与文化领域，更多的艺术家们都在数字的“工具箱”里寻觅新的创作灵感，拾取更得心应手的创作工具与手段，不同程度地实现着自己的艺术梦想。运用电子技术或更多科技手段所创造的多媒体钢琴表演，给观众们展示出一个虚拟化的艺术世界，合成出更贴近观众需求的钢琴表演形式。这些数字化的集成与整合，使艺术元素间实现了有机互动，产生出与传统艺术特征迥然不同的新审美特质。

（三）印象——音乐、空间与氛围

当下，多元文化的扩张为大众审美带来转型，审美文化从理性沉思走向感性娱乐已成趋势，大众对钢琴演奏的接受活动由以往的倾听—思考形式向直观视听—感知过渡。不同于传统形式，现代钢琴表演为观众铺陈出多元的艺术空间，生成直观的审美印象。这种印象，由钢琴作品本身、表演空间、环境氛围等多种元素组成，钢琴表演活动由此渗透出更具感官享受的震慑力。如：美国钢琴家贾罗德•莱德尼克（JarrodRadnich）在其电影原声音乐改编曲《海德薇主题》（Hedwig’sTheme）的音乐录影带中，将演奏的场景设置在一间十分诡异并充满魔幻色彩的房间内，同时铺垫雷雨和闪电声作为背景音响。炫目的演奏与表演空间、环境氛围相互契合，所孕育的视听效应如同电影情景再现，令观众沉浸并陶醉在奇幻的钢琴音乐印象中。（四）新技法——个性的衍生20世纪美国先锋派作曲家亨利•狄克逊•考威尔（HenryDixonCowell）在其钢琴作品中创造性地运用了小臂和拳来演奏音簇，又发明了琴弦演奏艺术——即借用打击乐和弦乐发音原理，从钢琴内部拨弦的演奏方式。从作曲技法的角度来看，这些对新音响的探索在一定程度上拓展了钢琴的表现力，而从演奏的形式来看，新技法的运用却给观众带来了新的听觉刺激和审美体验。德国作曲家安妮塔•福克斯(AnetteFocks)为电影《情键四分钟》（FourMinutes）所作的《敲击谢幕曲》（Abschlusskonzert）中，大量运用了音簇、琴弦技术（拨奏、拍打琴弦）、敲击琴盖等现代技法，为作品渲染了浓烈的打击乐音响色彩，极具视听震撼力；美国新世纪钢琴家约翰•施密特(JonSchmidt）在其改编的通俗钢琴曲《无与伦比的美丽》（WhatMakesYouBeautiful）中，分别安排五名演奏者拨奏琴弦、敲击琴盖来表现音乐主题和节奏韵律，并在乐曲后半部分融入多声部合唱、六手联弹等形式来丰富作品的表现力，合成出崭新的、极富个性的音乐表演形态。当然，这些表演形式都需要良好的扩音设备来实现，并最终在音乐会上呈现给观众。

二、应用与探索

任何一个敏于文化风向变化的人都切身地感觉到，以上种种现代钢琴表演形式的创新，无不与当代生活和文化背景紧扣在一起。在音乐研究被多元文化浸染的今天，钢琴表演艺术迎来了一个崭新的时期，传统的演奏形式已经无法彻底满足受众日益苛刻的艺术审美需求，这为专业院校的钢琴表演教学提出了更高、更新的要求。国家教育部颁发的《全国学校艺术教育规划》中明确指出：“艺术教师要积极探索、勇于改革教学内容和教学方法，应重视现代教育技术和手段的学习和应用，逐步实现教学形式的现代化、多样化，拓展艺术教育的空间，提高艺术教学的质量。”长期以来，我国高等艺术院校钢琴教学注重演奏技能的训练，忽略了学生个性与综合素质的培养，更缺乏人文内涵的引导。面对新的发展趋势，丰富钢琴教学的内容、建立多元化钢琴教育教学理念是时代所需。

（一）拓展形式

作品是钢琴教学内容的重要载体。拓展不同表演形态的作品有助于提高教与学的积极性，让学生从多元的曲风中吸收养分。而今，大部分专业院校的教材更新缓慢，教学曲目陈旧保守，演奏形式以传统为主，几乎未涉及其他形式的作品。笔者观察，目前国内相关乐谱出版物集中在双钢琴、四手联弹等室内乐范畴，新形式的作品相对较少。近年问世的乐谱有上海音乐出版社出版的《中国现代室内乐作品系列》，推出了数首为钢琴等多件乐器而作的现代室内乐作品，形式比较新颖，在传统教材基础上是一个补充。其他作品方面，有上海音乐出版社出版的《凯文•柯恩流行钢琴曲集》和江苏文艺出版社出版的《情景钢琴博览会》等，这些作品汇集了现代、影视、爵士摇滚等多种曲风，其中大部分曲目都可以编制电声乐队与钢琴合奏，效果颇为丰富，展现了多维钢琴音乐的无限魅力。另外，上文所述约翰•施密特、贾罗德•莱德尼克等现代钢琴家们改编的作品乐谱均在其官方网站出售，一定程度上弥补了曲目的不足。巴尔扎克曾断言：“一切皆是形式，生命本身亦是形式”。艺术也是如此，音乐表演的形式存在于作品之中，存在于不同作品之间。只要我们善于发现并敢于创造，很多作品都可以实现后期的形式合成，以供教学需要。

（二）应用形式

针对不同学生的特点，如何拓展教学原则与方法，更合理地应用形式，是提高教学效果的核心和关键。笔者认为，在长期的教学中，除了遵循循序渐进、因材施教的原则，还应关注以下几点问题：第一，合奏、重奏是最常见的器乐表演形式，无论哪一种形式的组合，都应强调乐器之间的对话，引导学生理解音乐组织结构之间的关系，强调合作；第二，和声以其强大的结构凝聚力及丰富的色彩感染力，是音乐形态研究中的重要内容，我们应从不同风格的作品中培养学生的和声感受，掌握作品和声动向，逐渐提高学生的即兴演奏能力，从而使其更自如地与乐队合奏，或与其他形式融合；第三，音乐教育关注人、音乐、文化三位一体，积极应用多元化钢琴表演形式的同时，还应结合不同的形式融入多元文化背景的阐述，拓宽学生的艺术视野并提高其音乐鉴赏力。当然，根据不同形式的属性，在教学中还要不断总结和实践独特的方法，使这些形式适宜不同的教学需要，发挥多维度的功能。

（三）探索形式

音乐教育是一门极具创造力的学科，加强学生在教学过程中的参与性，培养其创新实践能力，是现代教育理念所倡导的主题。鉴于相关教材和作品的缺乏，不断探索钢琴表演新形式，是进一步拓展教学内容、培养学生主观能动性、实现教学互动的重要途径。美国美学家、符号学家苏珊•朗格提出：“一种形式，即一种意象。”任何一种音乐表演形式，不仅是一种安排的组合，一定程度上更代表着音乐作品的生命，其呈现给观众的是一种意象。围绕这一内涵，从现代社会人们渴望新事物的角度出发，我们应结合不同层次的审美需要和心理需要，探索多样化的钢琴表演新形式。这需要我们正确把握音响运动、表演形态及情感三者之间的关系，让形式负载更丰富的艺术内涵。如今，许多演奏家成功地将民乐、舞蹈、魔术等艺术元素融入钢琴表演，重组出更具观赏性的表演形式，为教学提供了借鉴。另外，透过多媒体、跨界钢琴表演等形式的启发，尝试运用更多科技手段也将为现代钢琴表演赋予更多可能性。现在我们完全可以运用电脑、音响系统、双排键电子琴等多媒体元素来实现模仿交响乐队的目的，借助多媒体平台为钢琴协奏。这在一定程度上节约了成本，还将为观众带来多方位的音乐体验和感官享受。同时，在演奏会现场搭配LED、干冰等设备营造气氛，极富科技感、现代感的表演顿时跃然于舞台，为观众呈现出美轮美奂的个性化钢琴表演情景。

三、结语