视觉概念设计范文第1篇

关键词：视觉传达；毕业设计；创新性；社会性

毕业设计是本科四年教学成果的总结，是学生大学阶段最重要的实践课程，也是视觉传达设计专业学生走向市场的第一步。信息技术和媒介传播的创新与变化，要求以培养应用型人才为目标，以社会市场需求为导向的视觉传达设计专业在毕业设计教学上，结合市场和社会实际，结合新观念和新媒介，体现创新性与社会性。好的选题是毕业设计好的开始，优秀的毕业设计作品，往往从选题开始就是优秀的。清代大艺术家郑板桥曾说：“作诗非难，命题为难。题高则诗高，题矮则诗矮，不可不慎也。”言简意赅地道出了选题在整个创作中的重要作用。具有创新性和社会性的选题，能驱动学生从市场和社会角度出发，不断地发现问题、解决问题，最终产生具有创新性和社会性的毕业设计成果。

一、我校视觉传达设计专业毕业设计现状

我校视觉传达设计专业学生在毕业设计选题阶段存在眼界和思维的局限性，在整个毕业设计阶段，学生通常首先将着眼点放在设计表现技法和毕业设计展的最终呈现形式上，习惯以某一门专业课程出发，虚拟课题占大部分比重，忽略选题阶段的市场调研、创意思维对毕业设计中期进展和毕业设计后期呈现的影响。而在设计中后期阶段也没有在表现形式上深入挖掘提炼出创新点，解决具体问题，导致毕业设计空有躯壳，言之无物，作品俗套而雷同。学生在选题过程中，首先切入的不是创意性的概念，而是单一的课程方向，如先确定是做包装设计还是VI设计，然后再随意虚拟出一个主题名称，套用市面上已经存在的设计形式，最后完成一系列的包装或是VI设计。这种选题只是单纯的设计形式重复，既没有结合市场的调研与分析，也没有考虑到后期能否实际应用，使最终的设计成果并没有实际的市场价值和社会现实意义。针对此情况，我校视觉传达设计专业在毕业设计整体教学改革过程中，认为毕业设计质量控制应从源头上抓起，对毕业设计选题阶段的教学进行了选题模式和教学管理的探索。

二、概念先导和问题主导的选题模式

1.概念先导，融会贯通。

毕业设计选题要以概念先导，引导学生分析社会中好的设计项目的策划、设计、媒介表现方式，通过观念的碰撞，产生新的创意点和核心概念，再依据概念来进一步确定选题，鼓励学生做出能融会贯通四年所学的设计课程甚至跨学科方向的毕业设计。如果毕业设计的目的就是研究与探索某一具体设计方向，这类选题也应该是以概念为先导，探索具有创新性的视觉表现形式和媒介应用形式，在观念上注重多维交叉融合和跨界思维，以市场的角度看问题。

2.问题主导，结合实际。

在毕业设计选题过程中，要关注社会动态，结合实际，以问题为主导来思考毕业设计的选题。原则在于，结合自己的兴趣点，思考在自己生活中和社会上存在的问题，以设计的介入来解决社会中存在的某个问题，完成一项完整的毕业设计。可以从以下几个方面作为切入点：一是思考自己的兴趣所在，从自己的生活着眼，思考身边的事物对自己、对他人、对社会产生的影响，以小处入手，让毕业设计能解决实际生活中的某个问题或是引起他人和社会的关注和思索。二是做来源于校企合作的真题项目，真实的项目是植根于解决企业和品牌存在的问题的，必须考虑到企业、市场、消费者和媒介，实践性强，是最具现实意义的选题。三是结合大型的设计竞赛。设计竞赛中的选题一般都是具有研究探索性的选题，关注于目前社会中正在发生的事件，或者近期设计行业中的焦点问题。以设计竞赛为切入点的选题能充分发挥学生的想象力和创作力，调动学生的积极性。概念先导和问题主导的选题模式使学生更能结合市场和社会现实进行设计创作，会不知不觉地驱动学生去关注市场，重视毕业设计的调研与策划，规划毕业设计的设计内容，使毕业设计有一个良好的有意义的开端。在近年毕业设计中，我校视觉传达设计专业学生运用概念先导和问题主导的选题模式，产生了一系列具有创新性和社会性的毕业设计。例如毕业设计作品“怡瑞嘉园———家庭式养老房地产项目”，学生对于传统的VI设计项目中作了创新设计，联合文理专业背景的广告学专业学生进行跨专业毕业创作，完成了一套具有扁平化视觉风格的完整房地产策划项目，例如关于梦现象探索与研究的“十万个梦什么”，融合了统计学、医学、文学等知识，以信息可视化设计形式进行表现。也出现了很多以解决社会现实问题和企业实际问题为出发点的毕业设计和校企合作项目，例如针对公共场所母婴室设置情况的“爱宝母婴室整体形象设计”，针对武汉本土企业的改良设计“武汉动物园的导视系统设计”、“soda二厂汽水包装改良设计”、“成都华贝兴废旧物资回收有限公司VI设计”等。设计效果出色，得到学校和企业专家的一致好评，优秀毕业作品多次得到本土媒体报道。

三、多层次与分阶段的教学管理

1.循序渐进的选题过程。

很多视觉传达设计专业学生在毕业设计乃至整个大学期间，都只重视设计本身，不能用系统和整体的观念思考设计的本质。要求学生在毕业设计选题阶段，完成选题的可实施性分析、前期调研和资料收集、设计内容和时间规划等内容，循序渐进地选题过程是很有必要的。

（1）选题的可实施性分析。

选题的可实施性要从三个方面进行考量，一是学生自身的水平；二是选题的创新性；三是选题在毕业设计展中的呈现方式。如果学生的水平与选题的难度不能匹配，就应该缩小选题内容，减小难度，或是直接放弃选题，重新选择。除了新的选题外，毕业设计中也有很多老题新做的选题，这一类选题要注意选题的创新性，如果在老题新做中没有创新点可以挖掘，那就是重复的、没有意义的毕业设计。如果选题涉及到新的视觉表现方式和媒介应用形式，就要考虑设计内容能不能在最终的毕业设计展中完美呈现。

（2）重视前期调研和资料的收集。

确定了选题的可实施性，就要对主题进行调研和资料收集。视觉传达设计专业学生平时设计实践较多，容易孤立地看待设计问题，不能整体系统地对待整个设计，对前期调研和资料的收集不够重视。设计的根基和创新点，来源于前期的调研和资料的收集，只有实实在在地了解同类选题的设计和研究现状之后，才能确定选题的目的和定位，才能在创新点上有所呈现。

（3）设计内容和时间规划。

选题的可实施性和选题调研完成后，要确定具体设计内容，并制定好时间规划，对于毕业设计过程会起到事半功倍的效果。具体设计内容和时间规划包括在设计过程中需要完成的工作任务、毕业设计小组成员的工作分配、与指导教师沟通的时间安排、毕业展览呈现的效果规划等内容，只有确定好具体的内容和时间规划，毕业设计的中期阶段、答辩阶段、成果展示阶段才能循序渐进地进行。

2.双师团队分阶段协同指导。

从毕业设计选题到毕业设计成果展示阶段，指导教师在毕业设计教学中起着重要作用。以概念先导和问题主导的选题模式，促使毕业设计指导教师必须由擅长各自领域的教师和企业导师进行协同指导。学生会依据选题和分组确定具体的指导教师，在涉及到跨专业合作的毕业设计小组中，指导教师团队由相关专业教师共同组成协同指导，在涉及到校企合作的毕业设计中，学校教师和企业教师进行毕业设计的协同指导。指导教师在选题之前，就必须引导学生以概念先导和问题主导进行选题，并积极引入企业真题和竞赛项目作为毕业设计选题。在选题过程中，指导教师要与学生一起讨论选题的可操作性，并敦促学生进行完善的前期调研和资料收集，制定设计内容规划和时间规划，并将选题阶段整体完成情况以开题报告、任务书的形式完成存档。

3.分阶段多层次的考核体系。

我校视觉传达设计专业毕业设计教学过程分为设计选题、中期检查、毕业答辩和成果四个阶段，并依据四个阶段制定分阶段的考核体系，掌控整个项目化设计过程，在不同阶段有不同考核重点。设计选题阶段，选题是否来源于真题，选题的社会性和创新性是重要观测点；中期检查阶段，设计项目的计划进度、完成的方案质量是重要观测点；答辩阶段，设计项目的系统性和完整性，论文的创新点是重要观测点；成果展示阶段，设计细节显示出的专业性和创意性，设计项目能否产生社会效益和经济效益是重要观测点。而在选题阶段，也要依据选题的过程制定多层次的考核体系。学生在选题阶段有没有进行可实施性分析，资料收集与市场调查情况，设计内容和时间规划是否合理，共同组成选题阶段的分值。同时，提高选题阶段和中期检查阶段的分值比重，重视过程考核成绩，从源头上提高毕业设计的质量。

四、结语

总之，对于视觉传达设计专业毕业设计来说，优秀的毕业设计从选题开始就应该是优秀的，作为学生大学生涯的最后一步和进入职场的准备之步，毕业设计选题应该注重创新性与社会性的结合，通过概念先导，问题主导的毕业设计选题模式、严谨的选题论证与调研，整体系统的设计，提升艺术设计类专业实践教学和毕业设计质量，以培养应用型的艺术设计类高素质人才，反映出学以致用的意义。

参考文献：

[1]丁斌.艺术设计教学模式的创新与实践[J].大舞台，2013，（11）.

[2]饶简元.如何加强艺术设计专业毕业设计的教学指导[J].大舞台，2012，（06）.

视觉概念设计范文第2篇

[关键词]视觉传达设计师变化创作独立合作主控

在上个世纪二十年代，书籍设计者维岑斯创造了“视觉传达设计师”这个名称，形容“使印刷传达有结构和视觉形式的个人活动”①行为。它的意义在很大程度上预示了视觉传达设计师工作方式的独立性。从传达设计开始的一个人独立工作的创作方式，到现在由自己决定创作概念并同他人合作的创作方式，设计师们的创作状态有了很大的变化。如何正视这种变化，正确认识到自己的创作独立性所处的状态，从而帮助我们更好的发展，是非常值得我们关注和思考的。

一独立创作的视觉传达设计师

1.1非数字化时代的视觉传达设计师

在数字化设计高度发展以前，每一个设计师在设计创作时，基本上从头到尾都是一个人包干。他们通过一个人去探索主题的计划性，掌握用颜料绘画不容许有失误的技术能力，进行个人创作，直至完成作品。他们这种独立创作状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态极其相似。正如我们所知，视觉传达设计的历史并不长，很多的设计师现在依然从事着设计工作。例如：日本的田中一光、福田繁雄、户田正寿、南部俊安，波兰的WieslawWalkuski等。在欣赏他们的作品时不难发现，虽然不是在同样的时间、地点进行创作，但他们都具有相同的特征，即扎实的手绘功底，以及从他们独特的个人视角诠释的设计作品。正如户田正寿所说：“多少年前，在设计创作时，我基本上从头到尾都是一个人包干的。”②他们所处的正是非数字化时代的视觉传达设计师的一种普遍状态，即在创作概念、制作过程上拥有主控性的独立创作状态。相对与他们，数字化时代的创作者的独立性就有了些限制,但仍有这样的一部分人群拥有创作独立性，视觉传达学习者、独立创作的设计师占拥有创意独立性人群的绝大部分。

1.2数字化时代的视觉传达学习者

社会的不断发展，使越来越多的人通过学习关于视觉传达的知识，掌握了如：Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw这样的数字处理软件，期望能就此走入视觉传达的设计世界。他们大多通过进行假的设计课题，或参与非商业性质设计比赛的方式来学习。在这种脱离了市场运作的状态下，他们也同样拥有对创作概念上的主控性。最普遍的例子就是在学校学习的平面设计专业的学生，当然还包括喜欢视觉传达这个活动的人。在中国平面设计在线设计长廊的竞赛传真③中的16个展示中，设计者不仅是设计师们，还有更多处于学习阶段的人们。对于同一个比赛命题，正是因为有了创作者在创作概念上的主控性，才有了这缤彩纷呈的设计。想在结束学习后继续保持其创作独立性，就需要定准自己的目标，是与人合作还是进行个人创作。最好能多观察数字化时代的独立创作者的创作与运营方式，结合自身的实力求发展。

1.3数字化时代的独立创作者

同视觉传达学习者有所区别的是，数字化时代的独立创作者大多是应运市场要求和个人愿望而诞生的个人工作室的创立者，或大型设计公司的设计总监、艺术指导类的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者依照客户的要求进行着设计创作，他们同样拥有对设计创作概念上的主控性，有时还不仅如此。户田正寿认为“作为艺术指导，首先要做的工作是决定创作概念，定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。挑选创作人员时最重要也是最关键的事，是一定要合适那个创作概念的。否则，即使那人再优秀，也还是不用为好。②”从他的观点中不难发现这类人的创作独立性已经发生了改变，更多的是对关键事宜的独立思考，且其垄断和主控性在此得到了一定的体现。不过这并不是说他们不需要合作，脱离社会的设计是不存在的。

以上三类视觉传达设计师虽在创作方式上有所不同，但数字化时期和非数字化时期的设计师有一个本质上的相同点，就是他们都是独立的创作者。但正如历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也是不能用是否数字化来区分的，它始终是个发展的事件，独立性的变化和发展趋势就是对这种螺旋形运动的事件的分析。

二视觉传达设计师创作独立性的变化

成为一个视觉传达设计师就如同其他专业的人一样，都有一个学习的过程，因此从历史的普遍性上讲，他们大多都有过如下的几个时期：技术上学习，思想上独立的创作状态→技术上合作，思想上也合作→技术上合作，思想上独立的创作状态。我们不难发现这其中有个循环的变化。但设计师的这种循环和一般时间的那种线性链接的循环是迥然相异的，不光是设计师个人上的不同，更大的不同在于现代社会融合的趋势使得设计师们的独立创作状态，在不断的复杂互渗之中有别与最初的独立状态。

2.1个人创作——即完全独立状态

这是一种完全按照个人的意念、愿望来进行创作的状态。学生的创作和部分设计师的意念创作，还有一些为自己进行个人推广而进行的创作状态都属于这个范畴。追求和表现自己独特的观念、认识，并创作出能有效体现设计思想的作品，是这种创作状态存在的根本原因。维也纳的设计师卓思乐认为：“设计必须有个人风格，并传送艺术信息，个人的演绎最为重要。”④他的话在很大程度上描述的正是个人创作状态的设计师们的心里所想。这种状态如果向极端发展就会造成设计师的理想与市场的脱离，但如果发展得好就会获得巨大的成功。我在对艺术资源网世界设计师中列举的54名设计大师的统计中发现，仅有丹·赖辛格、塔帕尼·阿尔托姆、小岛良平、约瑟M·特里亚、松永真5位设计师在设计公司或广告部门工作过，其余的49名设计师要么在学校任职，要么就在毕业的时候就创立了自己的工作室或协会。他们大多都通过参加各种国际性展览来展现自己，其作品也大都被各博物馆和美术馆收藏。这可以说是个人创作状态成功方式的具体例子。当然，我们也不能忽视事物的背面，随着社会的发展设计被放到了一个很高的位置上。于是，一些设计师便产生一种“救世主”的心态，似乎一切问题都可以通过设计来解决，他们往往认为自已的思想走在普通消费者之前，而消费者根本不懂设计，因而不屑于了解消费者的思想，反而责怪消费者不懂得欣赏自己的设计，就象一个孤芳自赏的“现代艺术家”。沃尔特·格罗庇乌斯在1922年就曾意识到这点：“我们都很清楚。我们周围的事物都不是孤立存在的，而是以我们发展中的哲学为后盾的。”⑤包豪斯也曾意识到这点——“一旦包豪斯失去与外部世界的工作及其工作方式的联系，它将成为怪人的避难所。学校有义务训练那些清楚地了解他们所生活的世界的本质的人和那些有能力用他们的综合知识和想象力来创造能够象征这世界的典型形式的人。”⑤因此，我们应尽量避免进入这样盲端的个人创作当中。应当记住设计最终是为传达信息,传播资讯，与客户、技术人员以及更多的相关人员的合作能够更好的实现设计的最终目的。至于怎么样既保持创作独立性又能实现最佳的传播，在合作创作及主导创作的分析中有详细的说明。

2.2合作创作——参与创作但服从创作概念的制作

合作创作讲的就是合作，同客户合作；同设计同行合作；同需要我们的人合作。它同个人创作有着一种承接的关系，当然那种“我如何去想，决定了我怎么去设计”的想法在此是绝不适用的。随着社会分工的细化，进入公司后的设计师大多从事的是局部的设计与调整，对于创作概念的决定上处于被动的位置上。只有在设计师在做自我推广时，才恢复到独立创作的个人状态中。当个人创作状态的学习者初融社会时，就会面临这样一个需要转变态度的时期。

自动装置（伦敦皇家美术学院研究生视觉传达课程的产物）认为：“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。”⑥“骑工作室”始终把同客户的交流作为他们创作过程中的重要方面。在《非常设计——世界著名工作室作品展例》所列举的42个工作室里有5个象这样明确指出同客户合作重要性的工作室。在与客户合作的基础上最大的变化就是创作概念的主控性上的转移。大多没有社会实践经验的设计师，最初进入公司的时候只是整个设计流程中的一个工作部分。从文案创意到设计中的美工、设计师、美术指导都是服从于创作概念的。如果说一个设计分为：构思过程－－创造事物（或产品）的意识，以及由这种意识发展、延伸的构思和想法。行为过程－－使上述构思和想法成为现实，并得以最终形成客现实体（或产品）的可行性判断和形成过程。实现过程－－以最合目的性、实用性和经济价值为目标贯穿于整个设计活动．并将完成的事物(或产品)实现其所应有的综合价值。处于合作时期的设计师大多就只是行为过程的执行者。

这个时期也许压抑了很多设计师的个人化语言，但我们依然有展示自己的空间。台湾有一个名为“垃圾桶里的创意”的设计比赛，所有只要你自己认为是好的设计，不论是被主管还是老师枪毙过的作品都可以参加。它宽泛的参赛资格（只要对创意工作有兴趣，不分社会人士或學生，黑秀网会员或非会员皆可参加。⑦）就是为了提倡不论在什么时期都应重视个人的创意，而这正是对创作概念主控性追求上无时期差别的体现。正是因为设计师们对创作概念上的独立性追求，这种参与创作但服从创作概念的创作时期一般被作为一个向主导创作发展的缓冲期。

2.3主导创作——构思独立制作合作的状态

在社会不断强调设计重要性的当今，越来越多的设计师成立了自己的工作室。他们在创意构思上独立，在制作上合作，这就是设计师创作独立性的另一种状态。例如：“假发”工作室在给大西洋唱片公司制作P.O.D的唱片标签与标志的案例中，“假发”工作室的设计师迈克尔·罗宾森先是同摄影师合作，接着请照片处理师合成照片取得了乐队想要的效果，最后同其他的设计师合作制作了乐队的标志。⑥他决定了创作概念，在定了概念之后，挑选了适合的创作人员，虽然合作创作贯穿了整个设计，但我们更应看到他对整个设计的主导性。同样从户田正寿对挑选创作人员的高度重视当中，我们不难发现，对于创作的主导性是一个贯彻于每个细枝末节的。用迈克尔·罗宾森的话说，主导创作就是：“先有一个理念，然后让很多有才华的人来分工完成。”⑥它与完全独立状态的制作相比集众家之长的设计具有相当的优势。它既能体现设计师独特的设计想法，又能补充制作上的不足，有时还能帮助设计师从被动转换到主动设计的状态。即，策略型设计。“韩湛宁：成为一个平面设计师的初期困难吗？做为一个闯入者，你如何被大家所接受，你又是如果开展业务的？欧宁：在我决定进入设计界的时候，我已胸有成竹。我不想象这个行业的大多数人一样，听命于客户的要求，因此我独立开发自己的设计项目。《北京新声》原计划是一个独立出版物，我投了一点钱用于前期的采访和拍摄，后来它得到湖南文艺出版社的支持，它完全是一个百分百体现我自己意念的项目，出版社未加任何意见。对于创作型的人来说，创作比经营更加有趣，我不想失去这种乐趣。”⑧可以说有这种想法的设计师不在少数，福田繁雄就曾在西门子移动创意营中解释过，为什么他没有工作上的助手一直都是一个人创作，“创作是那么的有意思，为什么要把这么有意思的事交给别人去做呢？”可见设计创作的乐趣正是主导性创作者所拥有的，设计师们处于个人创作时期拥有过，在合作创作时期失去了。但视觉传达学习者同样也可以进行主导性创作。也许他们有一个很好的创意，但在技术上却不能达到当初的设想，这时候寻求技术上的合作将创意最终通过最好的形式表现出来，这种创作也可以认为主导性创作。俗话说“三个臭皮匠，顶个诸葛亮”，学习过程中的不足完全可以通过合作进行弥补，最重要的是不成熟的创意和想法可以在磨合中逐渐完善。即实现了最初的想法，又学到了更多的知识，更学会了怎么与人合作。

三创作独立性的现实意义

通过观察视觉传达设计师个人创作、合作创作，以及主导创作三个时期，我们看到视觉传达设计师创作独立性变化最根本的原因，就是在个人在面对社会需求和创作需求上的转换。目的性可以作为一个坐标，如同文化有回归和超越的两种动机一样，独立性的变化更多是一种超越。从个人创作时期发展到合作创作时期是因为技术上的不足，以及人生积累上的匮乏导致；当设计师们在积累了足够的基础后，便又从合作创作时期转换到主控创作时期，这个转换意味着处于这一时期的设计师们已经将他们的目的转为对设计创作的主控性以及设计创作乐趣上的追求了。

创作独立性是具有普遍性的，表现无非是三种：一，一直保持个人创作状态完全没有进行反复变化就自我超越的一群设计师们，这样的人有福田繁雄、GUNTERRAMBOW以及在完成学习阶段后就直接在高校进行教育工作以及各个设计组织的创立者等等；二，完成从个人创作到合作创作，再到主控创作三个时期的设计师们，这是最常见的一种变化历程；三，就是从其它行业转入，直接进入了主控创作时期的视觉传达设计师，欧宁、图形大破坏工作室的成员们便是其中的佼佼者。针对个人需求上的转换，每人的经历又个有不同，用一与多的辨证关系来说，我们可以从中寻找到自己的一个定位以及发展方向。同时我们还可以看到这三种状态的交错性，对于属于数字化时代的我们更要能随时调整独立性的状态才能更好的适应发展。

在个人创作时期的学生个人创意的发挥应该处于独立的状态，在不断吸收知识的基础上发挥个人创作意识，开动个人的潜能是为将来的创作打下坚实的基础。与此同时，掌握好各类设计技能、知识，也就给自己摆脱步入合作创作时期创造了一个机会。当然连纯粹的自我都不存在，我在此所说的独立都是相对的，是指设计创作概念上的。前面说到过学习阶段的主导性创作，应被更多的重视，通过这样的锻炼我们能在协助他人的创作中将合作时期提前化，也能进行主导性创作的锻炼。当视觉传达设计者们依然缺乏商业社会的实际经验时，就应该进入合作创作时期，这样既可以学到知识、积累经验，又能避免设计师步入“现代艺术家”心态的盲端之中。学会合作，就是这个时期的首要任务。正如蒋华所言“设计作品不仅仅是做给设计师自我欣赏的，而是涉及到其它很多方面，比如涉及到最本质的传达与沟通，涉及到基本原则和技巧，涉及到客户与受众，因为设计本身是商业行为，它需要设计师与其他人之间的交流。”⑧在商业味十足的设计行业中，如何与顾客沟通？这段话也许能教会我们怎么调整我们的位置“我们首先要以朋友的心态顾客沟通，交流和讨论。这样才能真正了解、理会顾客对设计的构想和最终达到的效果。‘融合与沟通是关键’,先听顾客的想法，再提自己的观点，真正做到‘不去说服你，尽量靠近你’。要在尊重顾客个性和喜好的前提下结合自己的创意，通过讨论达到共识来设计作品，只有这样才能在设计中创造出与顾客的期望相近而又体现了设计师的水平的作品。如果顾客对设计方案有些不同意见、见解。应当与顾客交流感情，取得共识。但绝不能用‘外行’为理由指责顾客的想法。如果设计师能拿出正反两面的范例，与顾客进行交流，即不盲从盲顾客的观点，又注意从实用美学角度对顾客耐心引导，只要方法得当就会取得顾客的理解，从而双方达成共识。”⑨在这个时期，设计应归位到原点，设计的目的依旧是传达信息,传播资讯。此时的个人推广与商业创作是一致的，“潘沁：我们认为艺术性的设计与商业性的设计是一致的，是共通的，平面设计的本质都是一样的，即——传达。”⑧另一方面，就是注重设计家自身的个性修养，而个性修养则是设计师在生活实践中逐渐积累而成，这个过程越有弹性，这种对周边作品的吸纳也就越有效，对作品的排斥也就越小，二者是相辅相成的，个性积累本身对个性发展有一种推动作用，而个性的发展又能使自身的个性积累日益丰富。积累到发展是一个过程，维护这个过程是相当重要的，它是将来的主控创作时期的基础。可以说，通过合作时期的锻炼过后，已经能够认清自身的能力并积累了足够的阅历向主导性创作发展了。

学习阶段的主导性创作同经历过合作时期后的主导性创作在创作的主导性上是一致的，但从实践上又有所区别。学习阶段的主导性创作带有更大的未知性发展。

就我为例：我的毕业创作构想是通过照片的flash展示构建一个完整的我。完整是指通过镜头展现别人和我眼中的我的外表、个性特点，通过寻找共同点来表达我的各个方面，从而完成一个从外在环境到内在性格的摄影作品的体现，并通过flash的互动和背景音效使观者达到立体的感官理解。这个设计的定义一开始就明确了他人的参与，因为是表达她们眼中的我，在摄影图片的形式上我就不能进行干预只能在内容上制定一个概念。对比户田正寿“定了概念之后，就要挑选适合的创作人员，……一定要合适那个创作概念”②的标准相比，学习阶段的主导性创作在合作人员的选择上有很大的局限，这就要求在学习阶段主导性创作者在保持概念的同时更好的寻求合作。再从创作目的上对比，我的毕业创作是进行一个个人性探索，而户田正寿说“艺术指导要做的不是按着个人爱好去做事”②，这就是说进入社会化以后的主导性创作相比学习阶段的有了一个实用性的限制，创作目的从自己角度出发的创作转换到了从观赏人群出发的创作。最后对比修改完成阶段，户田正寿认为“最后到了开始印刷的阶段，从这个时开始艺术指导开始进入真正属于他一个人的世界。是否完整地表现和反映了自己所要的那种画面感觉？……在这个过程里，作为艺术指导向他挑战的是他自身，他要战胜的也是他自己”②，他说到的属于他一个人的世界在学习阶段主导性创作时期也是同样的，但不同的是在照片素材收集完成后我就进入了属于我一个人的世界。当然这个是只是个个案，但主导性创作是一个学习阶段中后期最应采取的创作方式，融合技术上的积累进行创作、合作能更早的适应步入社会后的各种环境。

四结语

作为数字化时代的学习者，面临的是即将步入社会后的双向选择，确立自己的目标也许并不困难，但维持理想也不是那么的容易。一个视觉传达设计师只有记住个人创作时期对设计概念上独立构思的状态，并在合作创作时期依然能维持这种个人性思考，才能最终发展成为一个优秀的独立创作人。且我们当注意到创作独立性是一个变化的过程，在变化中掌握好构思独立性及协同创作时的合作的角色转换，正确处理个人在面对社会需求和创作需求上的矛盾，避免脱离社会进入孤芳自赏、锢蔽自封的怪圈也是所有的视觉传达设计师应当注意的。

虽然设计师的创作状态在不断的改变，但设计的目的始终是一致的，那就是传达信息,传播资讯。表达个人思想的传播和为客户进行的传播是不一样的。在主导性创作时期不论是如何进行主控，合作都是一项不可忽视的内容。在学习阶段在发展个人创作的同时也兼顾着多进行主导性创作的尝试，能帮助我们提前适应步入社会后的工作、学习。适应社会最主要的就是要学会同客户合作，让我们记住这句话“设计必须与客户合作，必须鼓励对话与增长创意，以建立吸引人们目光与注意力的支流。每个设计都以平等的方式处理，每个解决方案都是一个不断发展中的对话的自然而然的产物。”

视觉传达仍在不断的发展，视觉传达设计师创作独立性也在不断的改变，随着设计师自身的不断进步，及对创作独立性上不同程度上的追求，创作独立性应同创意、技法一样被人重视。人们通过了解它，认清自身所处的创作状态将作品发挥到最佳的水准，并更好的计划未来同视觉传达一起发展。

参考文献

①《二十世纪视觉传达设计史》（美）梅格斯湖北美术出版社1989年9月第一版

②《户田正寿的设计技法》（日）户田正寿广西美术出版社2001.1

③中国平面设计在线设计长廊竞赛传真/data/cns_1/gallery_41/awards_412/agra_4122/

④卓思乐/

⑤《包豪斯大师和学生们》弗兰克·惠特福德现代艺术《艺术与设计杂志社》2003.5

⑥《非常设计——世界著名工作室作品展例》[美]斯宾塞·德雷特/干特加·萨拉维兹安徽美术出版社2003.1

⑦垃圾桶里的创意黑秀网/default.asp

⑧设计在线《设计新锐榜》2001.8访谈--韩湛宁：对话欧宁/data/cns_1/article_31/dialogue_313/dgen_3139/2001-12/1009329861.html

设计在线《设计新锐榜》2000.5访谈--韩湛宁：对话蒋华与潘沁/data/cns_1/article_31/dialogue_313/dgen_3139/2001-11/1004580070.html

视觉概念设计范文第3篇

1.1设计资料的搜集

设计方案的确定是需要依据的，方可以保证设计定位的准确，才可以保证满足客户的需要。设计之初最先开始的工作就是对基础信息的搜集和整理，为下一步构思提供依据。园林景观设计资料涵盖范围很广，主要包括基地现状和历史人文等资料。基地现状资料包括自然条件（地形地貌、水文状况、土壤状况、植被状况等），气象资料（日照条件、温度状况、主风状况、降水状况、小气候状况等），人工设施资料（建筑及构筑物、道路和广场等），视觉质量资料（现状景观、环境景观、视域等），环境资料（物质、知觉、法规、周边规划等）。历史人文资料主要包括：对设计有影响的特色的历史资料（重要的历史事件、历史人物、当地的历史沿革等资料），人文状况（人口组成、民族组成、文化素质状况、主要从业方向等）。除此之外，还应该对整个工程项目的初步投资预算有所了解，以便在规划设计时控制成本。

1.2设计基础信息的整理分析

搜集好基础资料后，当对其进行整理分析。整理分析设计资料应根据项目设计的需要而定，分清主次，主要的资料应详尽调查整理分析，次要的可以做简要的了解。在整理分析过程中很容易找到灵感，在结合项目的功能设计构思便会快速地产生了。

2园林景观功能的基本定位

园林景观设计开始之前最应该做的是功能的定位，这是设计的最基本原则，一切设计都应该在保证功能的前提下再做艺术加工与处理。可以称之为园林的景观种类很多，如庭园、小型游园、花园、公园、植物园、动物园等以及居住区园林景观、广场景观、道路景观等等。不同的园林景观发挥的作用也有所不同，设计之前应做好调查，确保整个园林功能的准确性，才可以为后期的艺术处理提供准确的信息。功能定位主要依据园林景观的性质及客户和使用者需求而定。

3园林景观造型格局的确定

3.1定位景观风格

园林景观风格直接指引着设计的方向，影响着园林景观与环境的协调关系，影响着景观设计的功能和看点及工程造价等诸多问题。园林景观风格是设计构思过程中首先确定的项目，直接关系到景观的品味与档次，关系到项目的造价控制。确定园林景观风格主要从环境特征、气候因素、建筑格调、项目卖点、客户需要、园林主题等方面入手，综合考虑这些因素来确定景观的风格。

3.2景点布置与主题的确定

园林景观中的景点指的是在大景观环境内，对区域景观或者节点进行功能和艺术的定位及命名。景点规划应以合理均匀为原则，对比与调和并用，使每个景点都有景可赏。园林景观主题是整体环境或区域环境内需要表现出来的总体特征，对景观环境、看点、特色等方面有重要的影响。

4园林景观初步设计快速构思的程序

4.1景观概念的确定

园林景观设计是一个综合形象设计的过程，但大体上应属视觉形象设计。无论声音形象还是视觉形象的设计实质上都是在表述一个概念，所以概念的确定是一切形象设计的前提，相当于文章的主题，没有主题怎么知道要表现什么，因此在造型之前应先确定概念。

4.2基本形象的塑造

确定概念之后就要研究造型，园林景观造型是一种视觉形象，其概念本质的表现主要是通过造型来完成。想要快速构思就应该根据表现的内容合理地选择形象来塑造整体造型，一切形象都应为表现概念而服务。形象的选择应根据调查的内容、景观的功能、艺术需求而定。

4.3造型的表现

视觉概念设计范文第4篇

关键词：平面设计；版式编排；视觉习惯；关系

进入21世纪以来，网络信息的快速发展，为广告和新媒体行业带来了新的机遇，伴随其来的也存在新危机。版式编排在平面设计中具有无可替代的作用，在社会不断发展的今天，人们对于媒体行业中的版式编排也有了新的要求，不仅要独具创意又要能够符合现代人们的审美观念，创造出受大众喜爱的平面设计新形式，要在实践中不断的掌握版式编排对人们视觉的影响因素，让人们能够真正看到平面设计的魅力。

一、研究平面设计中版式编排与人的视觉习惯关系的意义

无论是在古代还是在当代，人与人之间的沟通交流都是不可避免的。人们能通过语言、文字、广播等媒介传递情感。因此，要更加明确的表达认得感情就需要借助版式编排传达出来。版式编排一方面是为了满足信息社会的信息传播，将信息传播以版式编排为载体展现出来，使其能够更加鲜明的传达出其思想感情。平面设计是通过艺术手段刺激人们的视觉神经，让版式编排遵循人体自身的视觉习惯，并将其有序的反映在版式编排上，以达到让人印象深刻的目的。

二、版式编排的概念以及与人视觉习惯的关系

1、版式编排的概念

版式编排是指编排工做人员将要传达的思想感情结合到现代信息中，并结合大众视觉审美的要求，遵循一定的编排规律，将文字、图像与画面有机的统一起来，并经过排列组合等处理方式，把死板的文字转化为多种视觉组合表现出来。良好的版式编排能更快的受到大众的喜爱，并且能够将信息准确的传达出来，达到一种视觉艺术享受的目的。

2、版式编排与人视觉习惯的关系

版式编排和人的视觉习惯是统一的但同时又是分开的，二者是相辅相成存在，版式编排为视觉习惯的形成提供了灵感，并找到合适的切入点，进行信息的传播；而人类视觉习惯的形成是逐步受到版式编排的影响，由浅及深的表现版式编排的视觉美感，在时间的推移下，渐渐养成视觉习惯。以下就是其主要表现：第一，以人的视觉习惯为基础。在人类的发展过程中，视觉习惯的形成是极其漫长的，其中最重要的因素是心理因素。当人们在读取报纸或是听广播时，版式编排会对大众的视觉产生影响,进一步的影响其心理视觉，并留下较为深刻的印象；在整体的编排设计过程中，要坚持人在信息传播的重要性，从大众的角度出发，将平面设计中的版式编排贴合大众，将大众的审美观点融入到作品设计中，不仅能够传播信息，还能够适应社会的发展新需要，提高经济效益的同时实现可持续发展。第二，创新其编排方式。在版式编排的发展过程中，其自身视觉习惯的形成并不是完全被动的，相反的，绝大多数的视觉习惯形成是经过不断的创新，保留传统中的优良点，结合新时代的新鲜元素，从而不断的刺激人们的视觉，以期改变人们的审美习惯。

三、提高版式编排水平的方案

1、提高文字编排的可理解性

文字是版式编排的重要组成之一，也是人们得到信息的途径之一。提高文字在平面设计版式编排的可理解性，对于帮助大众来了解和分析信息有重要作用。具体的措施有：首先，要选择固定的字体，也就是保证字体的统一性，使平面设计的编排版面更加合理，保留原有的版面效果；其次，字号的选择，切莫选择过小的字号，这样会影响其阅读能力，为提高阅读能力，要对字号适当的进行放大，吸引大众的注意力；最后，对于字符间的间距，要根据字体和字号的大小进行调整，使大众在阅读时能够有舒适的感觉。

2、迎合大众的视觉习惯

在通常情况下，人的观察是围绕物体展开的。在观察同一画面时，每个人的视角都有所不同，但是，观察的顺序却是大体相同的，从大众的观察视角来看，版式编排需要更加合理，并且注重其是否符合大众要求，争取做到有序，有创新的版式安排，带来视觉冲击的同时博取大众的眼球。

3、遵守视觉变化过程

在版式编排的过程中，设计部分是其中比较重要的方面，为更加符合视觉变化的过程，要加强文字、图像的拼接和组合，合理有序的编排加上遵守视觉变化的设计，有利于真正实现“艺术源于生活并高于生活”的艺术追求，从生活的小事中找到灵感，并融入到编排设计中，创造出生活中的美感的视觉享受。

四、结束语

版式编排是随着平面设计的发展而逐渐完善来的，在进行平面设计时，优秀的版式编排是平面设计中触动人们视觉习惯的重要环节。平面设计中一是要认识到人的视觉习惯同版式编排的联系，以人民大众的视角来进行版式的编排，力求在传递信息的过程中，确保文字的可理解性、依照一定的视觉流程规划、设计，以期实现信息传递的大众化，版式编排已经成为平面设计中不可或缺的一部分，给人民大众带来更多美的视觉编排盛宴。

参考文献

[1]崔福荣.平面设计中版式编排与人的视觉习惯关系的研究[D].山东轻工业学院,2012.

视觉概念设计范文第5篇

关键词：平面设计；元素；视觉表现

0引言

网络时代的到来，使科学技术的演进升级速度得到了极大的提升，人们通过网络也能够在短时间内获取大量的资源，对最新资讯的追求得以实现。随着多元文化的不断碰撞，人们的思想观念也在一定程度上发生了改变，从消费方式的改变上就能看出目前多元化作为社会的一个主体形式，已经影响了很多人的日常生活和生产。平面设计想要持续提升就需要引入更多的视觉元素尤其是在多文化进行渗透，多文化特征不仅给视觉元素能够带来新的活力，同时也给相关设计者在进行平面设计时贡献了新的创意。通过将传统平面设计方式与视觉元素，结合技巧的熟练，目前平面设计已经不单是局限于自身的设计，而是能够与其他领域进行深入的融合，这种融合从底层开始推动平面设计，对原有的设计方式进行重新思考，并朝着立体空间媒介和虚拟空间媒介思维迈进。

1平面设计与多维化概述

1.1平面设计概述

所谓平面设计，是指采用计算机技术，将文字图形色彩等设计元素融合在一起，并通过设计者的想象力，达成一个艺术综合体形式。平面设计能够与日常生活常见的一些事物产生联系，所以平面设计的底层设计灵感也是源于生活的，这种脱胎于生活又反作用于生活的艺术表达形式决定了其所使用的设计形式应该与生活息息相关。

1.2多维化的概述

多文化一词是由几何学中的空间概念引申而来的，是对一维二维三维等概念的代指，平面设计中的元素视觉将维度的含义进行了进一步的延展，不仅仅是几何学概念中的维度，更是将人的想象力引入其中，使得平面设计元素中的维度大大扩展，不仅局限于自然界和环境中真实存在的维度，也是对社会现象的一种主动收集和融合。平面设计者在进行多维化设计师要包含不同的内涵，而想要做好这一点就需要设计者能够对不同的内涵都有相应的理解和思考。对于多纬化的内涵，还能够从以下几方面来分析：首先从几何学角度来分析，将维度运用到平面设计中，打破了原有的平面设计中，视觉元素的固有空间维度通过更加丰富的表现手法，将相应的元素加入平面设计中。使最终形成的成果能够在二维平面之外形成更多的设计表达，让平面设计能够具备多纬化特点。其次，从表达形式上来分析，平面设计的整体构成是由图像、文字、色彩等设计元素进行组合而成的。由于设计元素的多元化在进行相应的设计表达式，也有了更加丰富的选择，以多维表现手法在平面设计中进行表达，能够实现更加丰富多彩的表现效果。

2平面设计中视觉元素多维化的应用

2.1图像多维化的应用

摄影技术是平面设计中图像元素的主要供应方向，在进行平面设计的过程中，往往图像占据着视觉元素的主要构成，在平面设计中有非常重要的占比。尤其是对于现代化设计理念和设计风格为主流设计方式的平面设计中图像的意义更加明显，如果没有图像的参与，整个平面设计的语言表达将是不完整的，同时，一定会存在某些方面的缺陷，导致整个设计成果不成熟、不完善。

2.2文字多维化的应用

文字作为承载文化发展的重要媒介，那是从时间还是从空间的角度来分析，文字都是一种多文化，在现代平面设计中，文字对设计理念和内涵进行表达的功能性还是无法撼动的。这些年随着相关技术的发展，文字也有了新的活力，在平面设计上有了更多的设计方式。例如文字叠加多维化：将文字放置在其他图像上，或对文字本身进行叠加，使平面设计的效果更加的丰富，不仅可以改变过去文字过于单调的表达形式，也能够使文字自身成为一种多维性的表达元素。但是在采用文字叠加时，不能够过分强调叠加效果，否则文字自身的识别性就会下降，影响到整体效果。

2.3色彩的多维化运用

在现代平面设计过程中，色彩是对平面设计的整体水平进行增加受众性的手段。能够对已有的设计结果，起到提升的作用，作为重要的视觉元素也是，消费者在看设计作品时最直观的部分。色彩可以对文字和图像进行辅助解释，强化设计效果，使图像文字更加醒目，适当的色彩能够强化平面设计的表达效果，由于每一种色彩在约定俗成中都有不同的语言和功能，所以采用合适的色彩，能够更好地表达设计主题。

3结语

在平面设计过程中，视觉元素表现出的多文化特点是当今社会发展和相关技术不断进步的共同产物。为平面设计者们提供了更多的表达效果和思路，在表达形式上有了更加多元化的选择。

参考文献：

［1］王天凤.平面设计元素视觉表现的多维化探究［J］.美术教育研究，2018（10）：57.

［2］韩雪萌，吴微.平面设计元素视觉表现的多维化研究［J］.现代交际，2018（6）：134-135.