美声唱法论文范文第1篇

关键词:意大利美声中国传统的声乐演唱艺术美声唱法中国化

一、意大利美声及其特点

“美声歌唱”是指意大利的一种歌唱风格，Bdcanto意大利语的字面翻译应为“美妙的歌唱”，也可译作“美歌”或“美唱”。具体讲，美声唱法讲究音色柔美、音质纯净、发声自如、旋律的连接匀称而灵巧、装饰音优雅而精美、歌唱风格真挚而富有情感。技巧上主张张开喉咙，声音明亮，吐字清晰和良好的气息支持。美声唱法规范的声音特点，可用“通、实、圆、亮、纯、松、活、柔”八个字来概括。

二、中国传统声乐的艺术特点

我国的声乐演唱讲究揣摩、润色、意境以及韵味。在中国艺术审美中“韵”是最高的范畴，中国艺术家认为“韵”是区别文艺与非常艺术、高级艺术与低级艺术的根本界限。“南腔多调缓，须于静处见长;北曲字多曲调促，须于巧处讨好。”(《顾误录》)演唱时必须突出地方特色，把握曲调特点，这好比量体裁衣，合适得体方能增加美感。

三、美声唱法中国法

1.美声唱法的传人、借鉴和发展。

美声唱法正式系统地在我国传授是始于1927年，在蔡元培先生等的支持下和萧友梅先生的倡导下创办的中国第一所音乐学院—国立音乐院。当时，萧友梅、黄自等用白话文写了许多以西洋唱法风格进行表达的独唱、合唱歌曲。这些歌曲反映了海外游子对亲人、家乡的思念与爱慕深情以及对祖国河山残破的焦虑和对祖国深厚的热爱之情。值得一提的是，他们的创作改变了学堂乐歌时期“选曲填词”的方法，自己创作歌曲，均配以伴奏并广泛地运用了各种演唱形式。到了19世纪30年代以后，西洋音乐在中国得到了广泛地发展。以冼星海、聂耳为首的广大作曲家创作了许多外来艺术形式的作品，这些作品与我国的民族语言、民族情感、文化传统、人民生活以及民族命运相结合，在中国的历史舞台上发挥了极其光辉的作用。

2.美声唱法与我国传统演唱艺术的异同。

美声唱法与我国传统演唱艺术的异同可从“风格”、“节奏”、“曲调”、“语言”、“情感”四个方面来分析。

风格。音乐风格主要是由作曲家气质、性格、素养、审美观点以及生活本身发展变化而决定的。西方美声唱法和我国传统艺术的结合在风格方面可以说是异中求同的，既有相似的地方，也各自拥有各自的地域特点。

节奏。在中国传统的音乐中，声音和休止的长短用“拍”来衡量。在传统的音乐中，可以根据唱腔和演唱者的情绪来改变音乐中的拍值。欧洲音乐中的拍值基本上是保持不变的，而我国的传统音乐中常用“放松”和“拉紧”(拍值变长可以称作“放松”，拍值变短则可以叫做“拉紧”)，使曲调充满变化和活力。

曲调。曲调是音乐的灵魂。中国人侧重声乐曲调，在实践中非常注意语言和音乐的联系，且音域不宽，富于弹性和歌唱性。由于我国多民族多语言的实际特点，也就影响了我国曲调风格的多种多样。在演唱中国作品时，首先应该掌握传统曲调的风格。

美声唱法论文范文第2篇

【关键词】美声唱法;发展过程;技巧;演唱风格;美学原则ExplorestheItalianAmericasoundsingingmethodessence

【Abstract】Thebeautifulsoundtosingthelawtoproduceinitwiththedevelopingprocessin,graduallymatureandisperfectandbecomesascientificvocalmusicsystem.Thebeautifulsoundsingsthelawnotonlytohavetheprofoundskillandtomanifestonekindtosingthestyle,moreoverhasownestheticsprincipleandtheartisticthought.

【Keywords】Thebeautifulsoundsingsthelaw;Developingprocess;Skill;Singsthestyle;Estheticsprinciple意大利美声唱法(BELCANTO)是十六世纪末在欧洲文艺复

新的发源地——意大利的佛罗伦萨(FIRENZE)形成的意大利歌唱学派，并在十七世纪内传播至意大利其他主要音乐中心：威尼斯(VENEZIA)、罗马(ROMA)、那波里(NAPOLI)、后传入米兰(MILANO)。

从古希腊的吟唱史诗及古罗马的颂歌，到中世纪的圣咏和复调合唱，再到十六世纪末的抒情性音乐剧(歌剧)的兴起，歌唱的形式经历了一个从独唱发展到合唱，再发展到比较高级的独唱的过程。尤其是歌剧的产生和发展、推动了声乐艺术的发展。

在美声唱法形成的早期，意大利的大多数声乐曲作者也是声乐教师或演唱者。这是因为当时培养歌手要有在固定歌调上即兴加花的能力，从小就在乐理、复调、和声、对位、视唱、键盘、文化课等方面予以全面的训练。因此，当时的歌手都具备作曲家的学识和艺术修养。他们理解嗓音的天生规律，把不同程度，不同层次的带情感的声音人微言轻他们创作的基础；又深知如何发挥声乐技巧的创作规律，他们的作品旋律既优美动人而又富于歌唱。

美声唱法歌唱艺术的发展是由复调音乐转为单声部旋律的变化而促成的。在复调作品中，旋律线由几个不同的声部唱出，形成一种复合音乐织体；而新的歌唱艺术风格则使某一单声部的旋律线居主导地位，由乐器或乐队伴奏，歌唱家华丽的歌声和高超的技艺特点，就叫美声唱法。十七世纪初的“美声”独唱已不再是那种叙述故事和吟诵诗歌那样的独唱了，它已成为一种新的学派，一种更富有表现力的声乐艺术。器乐的宽广音域和演奏家灵活的技巧，使得美声唱法歌唱家与他们竞争。十八世纪歌唱家发展了嗓音的潜力，把音域扩展到了三个八度。用花腔唱法机能来发展演唱快速经过句、飞速音阶(SCALEVOLATE)以及具有丰满、明亮、带有金属色彩又有致远力，松弛而圆润的音质和充分的共鸣。由于这些特点使美声唱法举世闻名，并在它的发展中，逐步从地区性扩展为国际性，形成一种具有演唱风格，声乐技术，美学原则和教学理论的声乐学派。

“美声唱法”不仅是一种歌唱技巧，一种演唱风格，而且是一定的美学原则和艺术思想的体现。意大利美声学派是具有文艺思想、艺术理想的歌唱学派。是文艺复兴时期人文主义思想在音乐艺术上的表现。以“音乐之中歌词为先，节奏次之，声音居末。”作为美声学派创作、演唱的原则和理论依据。

美声唱法的演唱风格

历代欧美音乐评论家往往着重从“风格”和“学派”即从艺术和技术两个方面来评论歌剧或音乐会演出。通过对“风格”的评论，可以看出演唱者的艺术修养，语音技巧以及对乐曲的理解是否充足、全面；而通过从“学派”角度进行评论，可以看出演唱者是否受过足够的美声学派的严格正规训练。总的来讲，歌唱者若要正确地表现作品内容和作品的风格，则必须对该作品的作者，时代背景，当时的思潮艺术流派，该国语言特征及作品的特点等有充分的理解。创作风格的不同对于演唱风格的影响是最主要的：演唱风格也会对创作风格产生巨大的影响。尽管经历了各种演变，总的说来，美声学派的演唱风格基本上分以下三大类：

1平易、朴素的演唱(Cantospianato)

这是各种演唱风格的基础，适合的作品面最宽，如17世纪意大利古典咏叹调和舒伯特、舒曼、勃拉姆斯等人的艺术歌曲，以及一切抒情性的歌剧咏叹调。2加花的装饰性演唱(cantofiorito)

此种演唱风格又可分三类：

(1)灵活性加花(cantofioritodiagilita)一般说来，这种唱法声音较“浅”，喉器较高，音色如长笛。此种唱法为花腔女高音所应用，以起音干净，声音有弹性和灵活性，高音清脆、轻松见长。

（2）华丽性加花(cantofioritodibravura)是用较丰满的声音演唱。声音有威力，有热情，并富有戏剧性的表现力，在速度不是很快的情况下，可以作华丽，灵活的花腔和装饰性演唱，是花腔演唱中最辉煌的演唱风格。多为全能型女声所用。

（3）点缀性加花(cantofioritodimaniera)以抒情为主，点缀少量装饰性花腔。多为抒情性声部所用。

3朗诵性演唱(cantodeclamat0)

分两大类：

（1）严肃的朗诵性演唱(cantodeclamatodiserioso)常用较丰满的连贯的、富有歌唱性的朗诵式演唱。

（2）诙谐的朗诵性演唱(cantodeclamatodibuffo)在演唱有乐队伴奏的宣叙调时，同严肃的朗诵性演唱风格相同；在演唱用羽键琴和弦伴奏的清唱宣叙调(Recitativosecco)时，则常用近似说话，半说话式的(quasi~parlando)，轻松的声调，偶尔在突出的喜剧效果处才用说白。

美声唱法的技术要求与教学方法

美声唱法需要五年以上的长期训练，因为它的教学原则立足于大量反复试验，不断摸索，它是以特殊发声机能为基础的艺术形式。古意大利美声学派主要是依靠示范与模仿等口传心授的方式进行教学，积累了丰富的经验，十七、十八两个世纪歌唱人才辈出。但是由于当时的科学尚不发达，只能做出一些经验主义的总结，不能从科学理论上解释。但是这种传统的美声学派教学方式，表面看来似乎“不够具体”，“玄妙而不易理解”，但实际上却是很有成效的，意大利至今仍保持这种传统。用示范及启发式语言教学，达到强调气息支持和正确起音、连贯地歌唱的目的。初学时在领会上虽有一定的困难，但是经过较长期的训练，领会到了方法之后，都有很大的好处。用这样的方式训练出来的声音比较自然，能较好地培养声情并茂的良好演唱状态。随着美声教学的成熟，声音训练方面的各种技术也日趋规范，主要表现在以下几个方面：

1歌唱语言：必须首先深入理解歌词，从歌曲内容出发去追求高度的艺术表现。要求歌唱吐字要像说话那样清晰、亲切。但如果真用说话时的发声、吐字去唱歌，就会产生“有字无声”的状态，不能满足歌唱“字正腔圆”的要求。所以要求“像说话”，而不是“真说话”的状态。咬字时要求增大上下臼齿之间的距离，喉咙就会随着打开：子音要靠前，母音相对地说来则要靠后。子音容易破坏声音的连贯性，所以子音要发得迅速而果断，发出后要立即回到母音的发声部位上来，这样才能做到“字正腔圆”。

2正确的音准、节奏：严格训练音准、节奏。特别是十七世纪末以后，盛行即兴演唱高难度的花腔华彩乐段，演唱这些无伴奏的即兴花腔需要很好的听觉和音准、节奏基础。

3正确的呼吸：美声强调呼吸是歌唱的基础，要求“歌唱时保持吸气的状态”，“在气息支持下歌唱”，用胸腹式呼吸方法。要求用调整呼吸状态来调整歌唱状态。

4准确的起音：要求起音轻松、明亮、准确、圆润。起音是良好发声的基础，是调整气息及喉头状态以及集中共鸣的最基本手段。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸、喉头稳定、思想集中、心理上作好充分的准备、声门闭全、挡气和呼气通过声门并振动声带这一对矛盾的恰如其分的配合。

5声区的统一：重视中声区训练和在一个音上的渐强渐弱训练歌唱者在没掌握歌唱技巧时，声区的分野是明显的，在声区变换的地方往往会出现破裂音或音色、音量上的不统一。但掌握了发声技巧后，声音就能上下统一，整个音域就像一个声区一样。因此，声区的统一成了声乐教学中的主要内容和教学成败的关键。

6声音的连贯性：美声强调保持音质的一致、声音位置安放不变，音与音的连接讲究平滑均匀，音量渐强渐弱控制自如。在训练声音连贯性的过程中，同时也向学生灌输了对乐曲风格和对“美”的概念的理解。美声(BELCANTO)最重要的就是声音的连贯性(BELLEGATO)，这样的声音使人感到演唱者感情投入，深刻，能牢牢抓住听众。要做到连贯性首先是声区音色要统一；音波(VIBRAT0)要均匀。

7声音的灵活性：重视声音的灵活性和花腔技巧训练。这样有利于发展音域，巩固头声，使声音松弛、解除喉音的挤压，锻炼气息的控制，增强声音的表现力，使声音轻巧、灵活，起音敏捷、准确；更重要的是能延长演唱寿命。

8优美的音质：美声学派十分重视良好的音质，“追求音质，音量自然会有”。美声唱法最可贵的和区别于其他歌唱发声法的最主要的特征，就在于它丰满、明亮、带金属色彩而又有致远力的、松弛而圆润的音质。这种音质含有较多的高泛音，音色明亮：具有充分的共鸣，音质丰满。

美声唱法概念的历史演变

十七世纪美声学派的教学注重中声区的音质，不片面追求高音或音量，强调气息的支持、正确的起音，放松、自然、优美、柔和而连贯的歌唱性。

十八世纪的演唱发展了花腔技巧、扩展了音域，但在声乐理论和教学原则上则仍沿袭传统，无新创见。

十九世纪是声乐发展的新时期，经过多少代人长期探索，不断改进，男高音获得了高音技术“遮盖”唱法。使原先被女高音独占称霸主角的歌坛局面，改变为各声部平分秋色的新局面。

二十世纪随着科学技术的发展，声乐教学、演唱实践和理论研究，在继承十九世纪传统的同时有所发展。由于二十世纪科技发展迅速，为生理声学、物理声学的科学研究提供了条件。生理学家、语音学家，声学专家和医生们对声带的机能及振动方式作了大量的科学研究。尽管他们在研究过程中对某些问题还有分歧，但在下列几点认识上是一致的：

1演唱中低声区时，声带以重机能状态全长振动，振幅较大，声带厚度作波状运动，也就是声带振动时声带较长、宽厚，发出的声音音质较浑厚、雄壮。这就是美声唱法中所谓的胸声。

2在演唱高声区时，声带以轻机能状态边缘振动，振幅较小，也就是声带振动时声带体积(部分振动)、薄(边缘振动)、窄(振幅小又频率高)，发出的声音较高亢、嘹亮，有金属色彩。这就是美声唱法中所谓的头声。

3在唱假声时，声带比唱真声时松弛并有梭形小缝，作轻机能状态运动，假声没有金属色彩的音色。

胸声、头声、假声三种不同的声带机能状态，发出三种不同的音质，胸声和头声同样是声带拉紧的“真声”，区别是：胸声是作重机能状态运动，头声是作轻机能状态运动；头声和假声同样是作轻机能状态运动，区别是头声带拉紧闭严的，假声是声带较松弛有缝隙的状态。这三种状态都可以单独使用，但在教学和演唱中使用的是一种混合状态，即混声。在不同声区、不同音高，混声的比例不同。

4声音的渐强渐弱：十七、十八世纪的声乐教师们很重视在一个单音上抑扬自如的训练(MESSADIVOCE)，尤其是在过渡音及邻近的音上。从现代声乐科学研究来解释实际上也就是声区转换的训练。渐强就是从声带的轻机能状态转换到声带的重机能状态；渐弱就是从声带的重机能状态转换到声带的轻机能状态。

5歌唱时保持吸气状态：实际上所谓歌唱时保持吸气状态有两重意义：一是指呼气时，两肋及腰部四周要保持住吸满气时的状态，不要一呼气就瘪下来。二是指喉头位置不要下降过低或上升过高，：亏要保持在平易地吸气时的适中位置上，不要改变喉头位置和呼气的通道。

6声音“位置”或“焦点”：声音的扩散，把声音拢成了“音柱”。“音柱”的长短、粗细变化实际上是咽管的长短、粗、细和声带的长、短、厚、薄在变化，声带用得长，则音柱直径也就长，音柱就粗；声带用得短，则音柱直径也短，音柱就细。音越高，则舌骨上提和喉头下降的“对拉”力量加多，则咽管就拉成细长，反之则短粗。所谓的“位置，或“焦点”的感觉，实际上就是喉部功能运动反射出来的幻觉。

7共鸣：人体发声声道可分成固定不变的和可变两大部分。声带以下的腔体如气管、支气管和胸腔等在声带振动发声时起一定的共鸣作用，但不能控制和调整。同样，鼻腔、蝶窦、额窦、鼻窦等腔体从理论上讲可能有极微量的共鸣，但也不能调整。因此，具有良好共鸣的声音及母音的雏形是从声带到鼻咽之下的口咽部这段距离形成的。口腔只是对母音的完善和完成起作用，对声音的共鸣起辅助性作用。对共鸣起决定性作用的是咽管。

8演唱中的器官调整：演唱和声乐教学一直围绕控制、调整声带的张力及闭合和声带的轻、重两种机能状态的转换；控制、调整发声声道(即共鸣管)的长、短、粗、细形状和体积，以及喉、咽、舌、口腔、软口盖、柱肌等腔体及肌肉的配合。

美声唱法在它产生和发展过程中，逐渐成熟和完善并成为一个科学的声乐体系，它能在世界声乐史上达到一个光辉的顶峰，依靠的正是那些严格、准确的技术要求和训练，还有那些动人的声乐作品和杰出的歌唱家们炉火纯青的高超技艺。参考文献

[1]加尔西亚.《歌唱艺术论文全集》.1847

[2]兰佩尔蒂.《声乐艺术论文》.1877

[3]范纳德.《歌唱的机能与技巧》.1967

［4］詹姆斯.弗兰契期·库克.《名歌唱家论歌唱艺术》.1979

［5］卢齐厄·马南.《歌唱艺术手册》.1974

美声唱法论文范文第3篇

【关键词】美声唱法；声乐教学；演唱；借鉴与融合

近些年以来，中国的教育体系和课程不断的在应和时代需求进行划时代的改革，人们越来越注重学生的素质培养。特别是在大学阶段，音乐课程具有强烈的全面、多样化风格的特点，培养学生的音乐欣赏能力和挖掘学生的音乐天赋，这样才使学生拥有独一无二的优势，在音乐教材中里面包含了很多传统音乐和外国流行音乐，当然其中也包括美声唱法的教学内容。不仅讲了美声唱法的技巧和实践过程，还非常详细的教导学生怎么发音，怎么改变自己的声调等。伴随着我国教育体系和课程改革的深入，我们要根据新材料新方法新课本新内容改革来不断的完善创新自己的教育方法和教学模式进行改革，并且促进美声唱法在声乐教学的融合。

一、美声的起源与发展

起初美声唱法是起源于中国西方的意大利，但是随着时间的推移与历史的演进与发展意大利民族的美式唱法逐渐席卷全球并在传播的过程中慢慢完善其唱法，使得美声唱法变得更加多样与灵活。十四到十七世纪的文艺复新就是在意大利这个欧洲国家展开的，意大利是古罗马的故乡，意大利人能接受到大量的古代希腊罗马文化遗存，一些对宗教文化钳制思想不满的先进知识分子，在古代罗马文化中找到共鸣。他们通过欣赏、阐释古典文化充满人性的美，表达他们对现实生活的希望，从而掀起了一场思想解放运动。这场运动就是文艺复兴，在文艺复兴中，歌剧、戏剧、绘画等艺术都统统的在这一时期大放光彩。尤其是意大利的佛罗伦萨，由于工商业的发张和资本主义萌芽，人们的生活日渐富裕和轻松，他们在艺术上的造诣也更加丰富多样。这就直接导致了佛罗伦萨成为意大利歌剧的起源地，促进了美声唱法的诞生和为日后美声唱法的发展打下了基础。随着意大利歌剧的发展与闻名，意大利的美声唱法也得到了世界更多国家的关注与喜爱。大大地推动了美声唱法的国际化进程。

二、美声唱法融入我国声乐教学的意义

我们国家的民族传统文化，它拥有着两千多年的悠长历史，其中音乐文化它涉及到的内容面非常广泛。其中包括戏曲、说唱rap、音乐、唱歌等。美声唱法是由外国引入到中国音乐教学之中的，并且他被全世界认为是音乐发声训练必学的课程之一。从根本上来讲美声唱法，它不但要求学生要有一定的演唱基础，并且美声唱法它能够考量一个学生的音乐演唱水平，所以对于演唱和声乐教学来说，美声唱法是更加促进学生演唱技巧和教师衡量学生演唱是否轻松自如的一门课程。此外中国的声乐文化它具有非常强的地域性和历史性，而美声唱法的融入，它能够使中国地域性的音乐有更好的表达更好的发展，或者是有更高的利用价值。而且在美声唱法的融入的过程中，并不是一味地将外国的技巧搬到中国声乐教学中，而是要中国的声乐教学因地制宜的进行改进和创新，把国外的美声唱法变成中国所独一无二的美声唱法。这样一个过程是一个非常漫长的研究，它需要所有的演唱专家等人一起探讨和研究，如何使美声唱法促进中国音乐发展和融入中国音乐文化？比如有卓玛等人，他们将自己的多年创造经验和自己的研究成果融入到音乐演唱的创作之中。我国为美声唱法融入中国声乐教学做出了十分巨大的贡献，这也意味着美声唱法不断地朝着中国民族化的方向发展与创新。对于大学阶段的学生们来说，它是学生的一个进阶阶段，所以说大学的声乐教学是非常重要的且必不可失的，要不断地积极的引入美声唱法，来表达和传播我国优秀的民族音乐，让我国的声乐更加有价值，更加的有内涵，为世界音乐贡献出独一无二的力量［1］。

三、声乐教育的现状

（一）我国声乐教学的几种主要方式

广泛的教学系统特别是声乐的教学系统，我国在理论方面的研究已经取得了十分重大的进步。现如今，我国的声乐教学与其他科目的教学不断的融合和交流，碰撞出更大的更有魅力的音乐文化，使得我国的声乐理论不断地得到完善与丰富。许多的学院和大学的杂志都发表了与其相关的论文，在声乐理论方面是有一定的建树性的。就目前我国的现状来说，将美声唱法与音乐教学进行融合有三种方式。第一种是在整个教学任务中，以美声作为学习的中心，但是要将民族的独特性作为辅助。第二种是以民族演唱的内容为主题，然后融合美声唱法的技巧。第三种是最直接也是最可行的一种方法，拿美声唱法与中国民族演唱手法相融合进行演唱。这些都可以改变以前单一的声乐表演形式，它丰富了我国的表演形式和表演风格，使得我国的声乐表演变得更加出彩。现在的声乐艺术和中国的民族文化已经在声乐教学中有一定的成绩。不仅丰富了我国表演的艺术形式，还丰富了我国的音乐文化的内涵，完善了我国的演唱系统，为我国储备了大量的优秀的音乐表演的人才［2］。

（二）我国声乐教学的几点不足之处

第一点，我国大部分的声乐教师没有让学生找到歌唱与情感共融的方法。所谓歌唱，就是应当使人的声音与旋律相融合相呼应，做到歌人合一、情感共振。如果脱离了人感情的歌唱是没有灵魂的是没有生命的！第二点，声乐教学方式单一枯燥。歌唱是一个十分让人开心愉悦的事情，在歌唱的时候可以忘记所有的烦恼与悲伤，歌唱是一个欢乐的过程。所以声乐教师可以采用表演加演唱二合一的教学模式，即可以让学生体会到表演的乐趣又可以推动声乐的学习。不仅如此，还可能激发学生对歌剧的喜爱，提升学生的艺术修养。第三，学生在面对美声唱法以及声乐教学中倍感压力。首先声乐教师应当多与声乐学生多沟通多交流，观察他们在美声学习和声乐学习中存在何种困难。其次，声乐教师可以带领学生多去音乐馆欣赏相关的歌唱方法，让学生们多借鉴其唱法。这样不仅可以使学生更好地学习，还能让学生的压力得到释放与缓解。

四、将美声唱法融入中国声乐教学的方法

（一）引进科学技术，提高学生的学习兴趣

新时代信息技术手段弥补了守旧教学的短板，在传统的教学活动中教师要承担沉重的教学任务，在选材才上要准确，确保传递正能量，而且要确保内容浅显易懂，可操作性强，再者选择的内容要能够引起学生的学习兴趣，这些条件看起来很容易但是叠加起来就给教师的教学工作造成了很大的困难，降低了工作效率。信息技术的应用可以让教师的教学工作更加自由，让教学变得更加轻松，这样既节约了教师的时间又提高了工作效能，利用多媒体设备指导好学生如何发声？如何把握气息？与此同时也可以观看一些前辈们的演唱视频，从他们的视频中找到发声技巧以及如何把握自己的气息等。这些都可以提高学生们学习美声唱法的兴趣，可以提高教学效率。打破空间概念、时间概念能够让学生学到更多更广的知识。用学生所喜爱的学习方式来进行学习，有利于提高学生对于美声唱法的兴趣，也能够让他们提炼更多的学习经验和学习技巧［3］。

（二）咬文嚼字，关注文字发音

在学习美声的过程中，人们很容易遇到一种困难，那就是在美式发声与中文咬字清晰间很难达到统一协调。一般来说，美声是意大利民族流传过来。那么我国学生在学习时就应当更加小心的注重软腭这一发音器官的提起，在平时的训练中学生要多多关注这一微小的细节以便为以后的演唱打下牢实的基础。教师在平常的音乐教学中也应该更加注重对学生字词发音的关注与纠正，防止学生一错再错。优秀的美声演唱应当是气息十分稳定绵长，咬字发音清晰稳定。

（三）教学内容走进生活化，将知识与兴趣相结合

在传统音乐教学的课堂上，都是按照教师的教案一步一步走，学的知识都是固定的，无视学生的个性发展，使学生禁锢自己的思想。如果打破传统式教学，将学生生活中的实例运用到课堂上会引起学生的兴趣。在教学过程中学校及老师不应该一味的追求教学的成绩，更应该注重学生的反馈，以及他们在学习过程中心理变化，比如情绪、兴趣等。老师应积极引导学生走向积极乐观的状态，所以应让学生对音乐产生浓厚的兴趣，而这个兴趣应来自教师的教学过程，包括他们的教学态度、教学方式、教学模式等。这样可以让学生在课堂上时刻保持兴奋，并对美声唱法产生兴趣。如果教师根据学生的兴趣改变之前的教学方法，选一些现实实际的例子打比方或者进行一些实践活动，这样会丰富教学内容也能提高学生学习的乐趣，让他们从心底去接受音乐，去欣赏音乐，比如在学习《青藏高原》的时候，教师可以带学生进行社会实践去实际体会草原大自然的气息，从而表达思想感情。通过这样方式让生活走进课堂，让学生走进实际，这样的方式大大促进了学生的自主创造能力，还能积累自己的实践素材，为以后步入大学积累知识。更重要的是这样的课堂没有固定学生的思想，给学生很大的空间自主创造、自主学习，从而提高他们的个性发展，还能锻炼学生的动手能力，培养他们自己主动思考的优秀品质。

五、结束语

综上所述，美声唱法与传统音乐教学的发展是时代的需求，对它的继承和发扬也是我们在所不辞的义务。而在大学的音乐教材里面，选择一定的合适的美声唱法的融入和贯通，这是对民族音乐文化的发扬与丰富。它能够促使学生更好的以及更加热爱的继承我国民族的优秀音乐文化，不但如此还能够推陈出新革故鼎新的吸取国外优秀美声唱法来丰富和发展我国音乐文化的内容和形式。这样的方式不但能够保证我国优秀音乐文化时刻保持生命力和精彩的活力，还有利于提高学生的自身素质和艺术修养，并且可以激发学生的爱国热情和民族文化自信，以此来了解更多的有关于我国的民族音乐知识。在未来的发展过程中，如何把握美声唱法朝着民族化发展、发扬，这就需要学生和声乐教师不断的共同努力与奋斗，所有优秀的、值得借鉴的、在世界上广为流传的都是在实践中总结经验，不断地进行创新与改革，最后以独特的民族文化的姿态展现到全世界的人民面前。

参考文献：

［1］王州．努力推进《外国民族音乐》课程建设——”全国普通高校音乐学（教师教育）本科专业必修课程《外国民族音乐》教材教学研讨会”记实［J］．人民音乐（评论版），2011（1）：24-25．

［2］高骊萍，吴亮花．值得借鉴的美国音乐教育学生自我认知叙事研究——《自我认知透视——两位职前音乐教师的经历叙事研究》介评［J］．星海音乐学院学报，2010（2）：75-79．

美声唱法论文范文第4篇

论文关键词:声乐歌唱语言美声唱法戏曲演唱

论文摘要：在高校音乐教学中，声乐演唱的教学已成为必修的科目，无论是西方的美声唱法，还是我国的传统戏曲演唱以及民族唱法，都对于歌唱中语言提出了明确而又严格的要求，没有语言，歌唱也就失去了灵魂，语言是构成声乐艺术的一大基础，是来以表达思想感情的工具，语言既是声乐作品创作的基础，同样也是声乐演唱的基础。强调歌唱中语言的重要性，是声乐演唱和声乐教学的重要环节。

音乐表演艺术总的分为两大类，一为声乐，一为器乐。其中声乐是用人声唱出的带语言的音乐，是音乐与文学的结合的一种综合性的艺术表演形式，这一表演形式在国外是专指歌唱，在中国则是歌唱、戏曲演唱和曲艺演唱的统称。与同为音乐表演艺术的器乐演奏相比较，有着语意表达直接、感情表达真挚的特点。在声乐演唱过程中，声乐并不能孤立的去看待，好的歌唱并不是单纯的把声音发出来就可以了的，在对于歌曲的思想内容、音乐主体的理解与表现上，在对于语言韵味与演唱风格的把握与表现上，体现出鲜明的艺术性。

声乐艺术最突出的特征是语言与音乐的高度结合，世界上无论哪个国家或任何一个民族都不能例外，声乐语言，从创作到演唱应包含三个层面的内容，第一是词作者根据现实生活中的元素或者已经被创作过的具有典型性的文学语言——歌词。第二是曲作者根据歌词内容所呈现情感画面所创作的既能体现歌词的内容情感又富有音乐性的语言——旋律。最后是声乐演唱者通过对歌词和曲调的独特理解，用歌声把以上两种语言生动的表演出来，世界上无论哪个国家或任何一个民族都不能例外。简单的说为“歌必有词”。当然也有无词的歌，如前苏联作曲家格里埃尔的《声乐协奏曲》，作于1943年，是苏联音乐史上第一首为人声而写的协奏曲，作品虽然没有直接体现战争主题，但它所描述的苏联大自然的美，苏联人民在卫国战争严峻考验的日子里表现出的纯洁自豪，满腔热情和对祖国的热爱，以及对幸福的向往和对胜利的确信，都是紧紧地同当时的现实联系着的，正是因为这样，这首作品虽然没有歌词，但是它的内容却明确易解。还有一些歌曲中用大量的衬词以及歌曲的花腔部分，这些都是整个歌曲中随歌曲内容的情绪产生的一种表现手段，如歌剧《魔笛》中的夜后咏叹调《复仇的火焰在我心中燃烧》，表现了她的复仇心理，正因为声乐艺术的基本特点是语言和音乐的结合，我们在学习声乐和教授声乐的过程中就一定要紧紧围绕着这个基本特点学习和教学。

演奏音乐需要有乐器，人声乐器怎样发出歌唱的声音，在人声这个乐器中，有一种独特的功能是任何乐器都做不到的，就是配合歌声时发出传情达意的诗词歌赋，我们把其称为歌唱的语言。声乐艺术就是音乐与文学的结合形式，语言是声乐的重要组成部分，歌曲的旋律都是在语言的基础上才有可能产生的，无论歌唱者的技术多么高超，如果离开语言，也是空洞的，没有灵魂的，更构不成歌唱的艺术，通过音乐和语言的结合塑造出各种各样心灵的情感和各式各样的音乐形象，这才是声乐艺术的魅力。“诗言志，歌永言，声依永，律和声”，早在《尚书》中的论述就明确了声乐艺术的性质。

歌唱语言的准确掌握运用，无论在美声唱法还是在我国的民族唱法这都是不可改变的重要原理。歌唱语言的准确掌握运用，是歌唱技术的重要训练课程，尤其是我们运用美声的发声方法，来演唱中国作品的时候，由于中国的语言文字与欧洲语言文字在结构和发音上有较大的差异，导致某些发声技术上的差异，有一些学生在演唱时过分注意发声方法以及声音，而忽视了语言的准确性，导致演唱的时候，听不出其中的歌词也就是语言，更不用说进一步了解所演唱歌曲的内涵，而另外一些人则是过分注意咬字，忽视了字的结构，把语言分解开演唱，使人听起来非常吃力，进而破坏了音乐的连贯性和完整性，破坏了歌唱发声的基本原则，有人说美声唱法只注意声音而不注意语言，这是不正确的，美声唱法之所以在欧洲产生，并不是发源地意大利地区民族天生就是那种声音，美声唱法的形成与意大利的语言特点是分不开得，意大利语的语言的发音特点比如，元音结尾，辅音比较纯，说话习惯的夸张性，以及豪放的热情性格等，这些特点对于美声唱法的发声方法的产生和发展起着决定性的作用。

在我国的民族唱法中和戏曲演唱中，更是对于发声咬字的准确和清晰提出了明确的要求，如沈括在《梦溪笔谈》中写到：

美声唱法论文范文第5篇

本论文关键词：美声美声耳朵美声呼吸打开喉咙

“美声”（BelCanto）就是美的歌唱的意思。仔细阅读“美声学派”大师的著作，我们会发现“美声学派”要求歌唱者能够表现以下这些特点：纯正的发音、优美的音色；演唱时的轻快和杰出的技巧；强弱自如、连音流畅；由正确的发声方法和听觉训练所形成的完美的音准；能随心所欲地表达感情和乐思。由此可见，“美声”的歌唱原则是有助于歌者的训练的。而将美声的歌唱原则运用在长笛教学中，同样收到了非常好的效果。

1．“美声”耳朵的训练

“美声耳朵”的训练其实就是“美声学派”关于听觉训练的目标。教师不仅训练学生视唱与音程的辨别，而且要求学生像对待发展正确的音高那样去发展学生预想中想达到的完美的声音音质的能力。一旦做到这一点，受过训练的富有识别力的耳朵就会引导学生自主地在练习中不断地去衡量音色、音准，并判断元音是否纯净、节奏是否准确，以及其它声乐问题。但是要获得正确的训练有素的听觉是一项长期而艰苦的任务，只能在教学中遵照循序渐进的原则，不能急于求成。

这一因素同样适用于长笛教学。对学习器乐的学生来说，“耳朵好坏”（指听觉能力的高低）是相当重要的。几乎所有的学生在接受器乐训练的同时就已开始了有系统的听觉训练。就拿音乐基础训练之一的练耳课程来说，要从小学一直坚持到大学，几乎成为仅次于专业学习的、历时最长的科目。长笛这件乐器对于初学者来说还是有一定吸引力的，因为它是一种初学时很容易掌握的乐器，（虽然它和其它的乐器一样，要精通它，达到最高水平是很难的）。长笛携带方便，不需调音，是一件固定音高的乐器，较之非固定音高乐器—拉弦乐器，在音准上相对容易把握一些。虽然长笛有这样的优越性，但仍要用耳朵仔细去辨听音色是否统一，音准是否准确。长笛是一件边棱音乐器，无需哨片，长笛的声音主要依靠吹奏者的气息控制和嘴唇的微调来调整。诸如呼吸不匀、嘴唇过紧或过松、吹孔覆盖的多少、嘴唇是否居于吹孔中心等等都会影响到吹出来的声音。这就需要用耳朵仔细听辨，勤奋练习，逐渐达到标准。

2．“美声”呼吸的训练

这里“美声”的呼吸指“美声学派”的先驱者为了要获得一种音质优美、圆润、甜美、柔和、连贯、轻松自如的歌唱效果，从长期的教学和演出中总结经验，终于得到一种一致认可的、最科学、最有效的歌唱呼吸方法—胸腹式联合呼吸法。将这种呼吸法运用于长笛吹奏中，也收到了令人满意的效果。

同美声唱法的呼吸训练相一致，长笛教学中对呼吸的要求也是胸腹式联合呼吸。获得这种科学的呼吸是非常重要的，它可以使笛声美妙清脆，柔和持久；使吹奏出来的音符干净清醇，流畅清晰。这就需要我们坚持不懈地练习—（1）可以采取陶醉的“闻花香”式的呼吸训练，口鼻同时缓缓地深吸气，两肋扩张、横膈膜下降，将气保持在腰间系皮带处控制一会儿，体会气息的扩张支持后再将气缓缓呼出，呼气时仍将继续体会腰部一圈的扩张保持。这种缓呼缓吸的练习是胸腹式呼吸的最好练习，它使得长乐句的吹奏不再成为困难。（2）可以采取“狗喘气”式的呼吸训练，即快速地吸气，导致两肋快速扩张，随后再快速将气呼出，如此反复的急吸急呼就象狗喘气时那样。这种呼吸的训练可以练出腰腹肌很好的弹性，对完成跳跃、短促的音符有轻快的效果。（3）可以采取“抽泣”式的呼吸训练，就象人伤心抽泣那样，快速地将气吸入后再将气缓慢地吐出。这种急吸缓呼的呼吸适用于较长乐句中的抢气，使得吹奏长乐句时气口很小，吸气不占时间又能保持整个乐句的连贯性。（4）可以采取“深吸气、暖哈气”式的呼吸训练，口鼻同时将气深深地吸入，再将气控制着轻柔地呼出，可以用保持长笛的吹奏嘴型同时往手心暖暖哈气的方法来体会这种呼吸的控制，这种呼吸训练可以极大地美化长笛的音色。

3．“美声唱法”打开喉咙的技巧在长笛教学中的运用

喉头是人声的声源体。歌唱发声时喉头位置的状态，与呼吸的深浅、共鸣腔的调节有十分密切的关系，它将会影响到声音的音质、音色、力度、音准以及声部特征。因此，歌唱发声时喉头应保持在相对稳定的正确位置上。喉头相对稳定是指歌唱发声时的喉头始终处于自然、自如、颈部肌肉放松、易于发出优美声音的稳定状态。正确的喉头位置形成于打开喉咙深吸气的状态。打开喉咙最充分、最自然、最适度的方法就是练习打“哈欠”。这里的打“哈欠”实际上是哈欠刚刚酝酿时的“半打哈欠”状态，这个状态下的哈欠，鼻腔呈开放状态，软口盖积极向后上方牵提，舌松软平放，使得舌根和后咽壁距离拉开而形成一个拱型空间。