精神文明创建发言材料范文第1篇
唐卡绘画艺术与漆画艺术的结合,发掘漆画艺术本源审美内涵的多元性,让漆画艺术继承发扬少数民族优秀艺术的文化内涵,再通过少数民族艺术的传承促进漆画艺术的发展,保护和传承好祖先创造的优秀文化遗产,提高漆画的文化价值。
关键词:
漆画艺术;唐卡绘画;创新;文化价值
一、漆画艺术对唐卡艺术文化语言的吸收
七千多年来,漆艺以其独特的文化视角和艺术语言记录着中华民族不同时期的历史形态和美学意识,记录着人们对于美好生活的无限向往,所以传统漆艺具有浓厚的文化内涵和审美研究价值。漆画的脱胎之变无异于摆脱了传统漆艺对于器皿功能性胎体的依赖,进入平面的独立视觉绘画语言的创作空间,在当代漆画在成长过程之中,传统漆画的辉煌不可能在新的艺术创新环境下只继续享用老本,顺应自然地进入了以精神传达为主题、材质与精神相融合的理性时代。唐卡艺术,源于藏族绘画艺术的发展,是青藏高原上特有的一种绘画艺术。唐卡的起源和发展与藏传佛教是息息相关的。唐卡这种主要以卷轴画形式出现的艺术,满足了信徒的宗教生活需要,画在唐卡上的佛、菩萨,代替了寺庙中的塑像和墙上的壁画,成为他们可以随身携带的崇拜物。唐卡艺术因此应运而生,蓬勃发展起来。所以,有人又针对唐卡便于携带的特点,把它称之为“流动的壁画”或“流动的庙宇”。中国当代艺术的发展与创新正通过对精神内涵的追求,构架人类精神和心灵的守望地,提升其人文价值与精神内涵。现代漆画艺术发展与创新应当从我国优秀少数民族艺术文化中吸收养分,展现漆画艺术独特的少数民族文化精神。唐卡绘画艺术与漆画艺术的结合,力求推陈出新,践行具有地域特色少数民族韵味的漆画艺术风格,拓展材料与技法可延伸性的同时,发掘漆画艺术本源审美内涵的多元性,让漆画艺术继承发扬少数民族优秀艺术的文化内涵,再通过少数民族艺术的传承促进漆画艺术的发展,保护和传承好祖先创造的优秀文化遗产,提高漆画的文化价值,让其焕发出更加灿烂的光彩。如范迪安所说:“一定要发挥漆画语言的长处,不仅要发挥长处,而且要把这种语言推向更为深刻的探索……不仅从语言的角度,还应该上升到文化的层面,精神的层面”。
二、漆画形式对于唐卡艺术形式的保护创新
1)漆画艺术材料对于唐卡艺术表现形式的保护。
传统唐卡艺术创作大多还在用矿物质颜料,从保留下来的唐卡可以看出都已经出现氧化变色、破损的现象了,这是我们不愿看到的。传统唐卡艺术制成材料的主要成份是动物纤维和植物纤维,所以材料脆弱、易损、不宜长久保存。一是唐卡制作材料自身由于时代性,使其内在结构不断发生变化,导致材料本身老化;二是由于环境如温度与湿度、光照、供奉等原因,造成唐卡霉菌繁殖、灰尘附着、收藏环境是否适合都将影响到唐卡艺术的保护。而漆画的主要材料是天然大漆,这种材料有其独特的耐久性,耐磨、耐水、耐酸性,使得漆画可以长久保存也有助于体现漆画形式自身价值。
2)漆画艺术独特的工艺和材质对于唐卡艺术表现形式的创新。
漆画材料由肌理、材质、构成等多因素组成其表现多元化。大漆具有沉着丰润的色调和优美含蓄的色泽,使漆画具有不可替代的材质美感。漆液粘稠,可吸附各种质材使不同材料都有了入漆的可能,无限拓展了漆画材料的丰富性、未知性。另一方面漆画脱胎于被世人誉为中国传统艺术“活化石“的漆艺,承载蕴涵了中华文化丰厚的历史底蕴及文化内涵。唐卡绘画历经千年的融合演变及《造像度量经》的程式化发展,形成了刻画细致绵密、色彩富丽堂皇和装饰趣味浓厚的整体特征,体现着浓郁的藏族特色。首先,线描和色彩的有机组合和巧妙变化是藏族传统绘画的主要特色。线描为造型骨架,是藏族传统绘画的基本手段和一脉相承的审美表现技法特质。其次,色彩是藏传佛教绘画的另一重要传统。绘画的颜料多是画工采集植物矿石颜料自制而成。其色彩纯度高、色相丰富且不易变质褪色。再次,画面构图及人物造型讲究丰富圆满,讲究对称,严谨的秩序。多采用散点透视手法,不受时间、空间的限制,将同一主题而发生在不同时代的不同地点的事务组合在一起,形成连续性情节。最后,唐卡绘画都有寓意性的造型,唐卡表现内容采用了象征性意义的手法,用高度提炼后的图符造型信息达到传播教化众生的目的。漆画唐卡的创新是以唐卡绘画艺术与漆画传统相结合作为切入点。以藏传佛教文化为本体,以漆文化和西方现代艺术为异质参照,通过借鉴和提炼藏族传统唐卡绘画传统因素与中国漆艺传统相结合,融汇漆画的包容性、创作材料及工艺的特殊性,以虚实相生的手法,并适度吸收西方现代平面构成的技巧,逐渐探索漆画唐卡这一种新的唐卡艺术表现形式,从材质、色调、构图到主题,都更多地继承了藏族传统艺术的主体元素。
三、漆画唐卡艺术创新的文化价值
漆画唐卡这种艺术形式的创新是在对藏族传统文化艺术的全面考察和系统深入的史学梳理和审美辨析的基础上,重建了藏族本土美术现展的内在的历史视野,并逐渐萌生出以藏文化为主体性意识、以漆画表现形式相结合的实践创新。依托于西部藏族地区的民族文化,自觉地从藏传佛教文化的历史文明中发掘现代文明的潜力和文化的创造力,并以开放性的眼光与中国传统漆艺相结合,立足于藏文化传统本体的继承与弘扬基础上吸纳融化外来异质文化因素,探索唐卡艺术的现代化创新传承保护,试图建构一种符合本民族现代特征的新的唐卡艺术形式,呈现藏族传统文化以及正在经历的现实变迁。保护唐卡艺术的传承创新应从观念角度尊重藏文化的传统思维方式,将少数民族传统文化、中国传统文化相贯通,从中华民族大文化的历史文明中发掘对文化艺术传承保护的有益因素和创造力,锻造具有中国文化特质的艺术风格,开拓新的艺术资源和表现形式,并在多元民族文化的互动共生中创造一种民族文化认同和精神价值的重建。漆画艺术语言与唐卡文化艺术的创新结合作为地域性、民族性艺术的当代表现与中国传统艺术表现形式的整体构建是一种互补共生的关系。
综上所述,漆画唐卡艺术的创新立足于丰厚的民族文化,以更加开放的视野、更加广阔的胸襟,积极吸收和借鉴优秀的文化及其表现形式,将技艺与思想、技艺与文化融为一体,完美结合,并在实践中锤炼和培育独特的艺术品格,完成对唐卡绘画艺术的传承和保护。
参考文献
[1]宼焱,对漆画语言的思考[N],江西科技师范学院学报,2003
[2]王向阳,陈锐,陈圣谋,当代漆画[M],江西美术出版社,2012.12.
[3]乔十光,立足传统综合发展-振兴中华漆文化之我见[J],装饰,1997.1.
精神文明创建发言材料范文第2篇
现有课程在教学中主要存在以下问题:(1)材料课程主要是通过多媒体,单纯知识型的讲授。而对于材料肌理、色彩、质感等视觉化的特征,学生没有直观把握,对这种枯燥的讲课方式,学生缺乏学习兴趣。(2)针对室内材料课程的课本很多,但基本上都是就材料讲材料,缺少对学生启发式的材料创意课程的拓展。(3)室内材料课程是一门实践性很强的课程,需要通过学生的实际动手操作,获得对于材料的肌理、质感、颜色等感官上的体验与认知,才能对材料有深刻的认识,从而使创造性的使用材料提供可能性。而现有的室内材料课程,教学实验条件不完善,材料实验室陈列的材料工艺相对落后,对于材料教学的实践环节,受到场地和设备的限制,形同虚设,很多问题只能纸上谈兵,教学效果欠佳。使得学生在后面的室内专题设计课程上,往往在室内空间中如何创意性使用材料问题上显得无所适从。
室内空间表皮材料直接作用于使用者的身体感官体验,使用者通过的感觉器官的分析器对材料作出的综合印象。这种综合印象包括人的感觉系统因生理刺激对材料作出的反映,或者由人的知觉系统从材料表面得出的信息。在室内材料的教学中,教师强调学生感受不同形态、质感、肌理、色彩的材料带来的不同的空间体验。不同的材料或不同的加工工艺、以及不同的材料组合所展现的空间情感。在教学训练中可结合听觉、触觉、味觉等进行材质体验。设定“喜悦”、“冷酷”、“悲伤”、“愤怒”、“神秘”、“温馨”等不同空间情感表征,启发学生发挥创造力,用不同材料来表达。从而打破传统的仅从视觉体验材料的物象,让学生将异质意象转化为视觉物象,提高学生对材料特性的认识,促进学生以后的室内设计创新设计中开拓和发现材料运用的新领域。
传统的建筑材料如砖、木、石、瓦等承载着几千年来人们对生活的体验,如泉州民居的红砖燕尾脊、徽派民居的石雕和木雕、江南民居的灰砖黛瓦,都是表达地域文化情感的重要手段。在全球化的大背景下,如何使传统材料重新寻找自身的文化价值,许多设计师都在探索着自己的设计语言。如王澍设计的象山校区,用当地民居的拆除下来的青砖材料和瓦片混杂作为建筑表皮。设计师将传统材料从物理的功能属性中脱离,以艺术化的形式对传统材料进行再认识再创造,将传统民居材料视作传统文化的精神映像,将其作为地域文化载体予以尊重。在室内材料的教学中,为了让学生体验传统建筑材料的文化映像,材料创新课程可以考虑结合我校闽南地域文化特色,在课程加入实地体验课程,将传统红砖民居作为学生体验地域文化精神的场所。如杨阿苗故居是闽南传统民居的典型代表,通过学生实地考察走访当地工匠,认识理解闽南民居红砖不同建构方式,引导学生分组利用传统红砖材料亲自动手用自己理解的建构方式,搭建一堵1.5乘1.5米隔断墙,鼓励用传统的红砖材料创造新的建构形式,在搭建方式上红砖可以是承重材料也可以是非承重的,通过亲身体验来认识红砖材料,对材料物质层面的理解提高到对材料所蕴含的文化精神的认识,从形而下之器转向形而上之道层面的讨论,进而探索红砖这种地域材料的物质极限。
在室内设计风格千变万化的时代,设计师都从各自的角度探索着设计创新的道路。室内教学同样需要与时俱进,室内设计教学如何在传承中创新,如何引导学生开拓设计思维,建构室内材料教学课程的新体系是室内设计教师所要研究的问题。室内材料创新课程教学还处在探索阶段,有许多内容还需要进一步完善。但是该课程在教学的方法上突破了传统的材料课程讲述空洞理论的方式,对学生的设计创新能力有明显的提高,调动了同学们的设计创意的积极性。在教学过程中,教师通过引导学生将材料多维度的感官体验,转化成为自己的设计语言,学会用材料自身来叙述空间,重新定义材料作为表现语言的价值。室内材料课程只有用前言设计的理论为基础,教师学理传授,注重学生创意思维的发掘,材料创意课程才不会流于肤浅和形式。(本文作者:李俐、张恒 单位:华侨大学美术学院、华侨大学建筑学院)
精神文明创建发言材料范文第3篇
一、珍惜机会努力工作、在实践中接受锻炼
半年的村书记助理生活,真的不是几句话可以说得清的,几张纸可以写得完的。过去的每一件事情,都历历在目。在工作中,我充分发挥个人特长以及在工作中积累的经验,积极为村出力献策,自己也得到了最大程度的锻炼。
第一,坚持理论学习毫不松懈。xx党委是一个非常注重理论学习的单位,村书记对上级政策、文件精神的理解、把握能力都非常强,他不但要求自己要学习吃透,还要求班子其他成员也必须做到。我作为书记助理,每个月都参加村党委班子学习、村两委班子联席会、党员党日活动等等,和全村党员、干部一起学习讨论上级决策部署及有关文件精神,不断用新理论武装头脑。同时,我还注重自学,包括通过上网、看新闻、看报纸等渠道了解国内国际形势;通过阅读书籍来增强自己的理论修养,这期间我阅读了《罗斯福传》、《》、《他改变了中国—传》等人物传记。
第二,全程负责各级领导参观接待工作。xx投资3000多万元建设的智能温室是集名特优新品种种植、高新农业科技示范和观光旅游为一体现代农业杰作。自全市推动设施农业建设现场会在我区召开以后,这里就吸引了全国各地乃至国外的考察团来此参观视察,其中也有好多中央领导。这半年我参与的接待工作,大大小小累计共有百余次,有的时候一天就得接待五、六个考察团参观。由于经常参与接待、接触智能温室,我从对设施农业的一无所知的门外汉,到现在成了一名一口气能给参观者讲上半个钟头的“导游”,大大丰富了我对现代农业的理解。为了使接待工作更上水平,我还协助村里整理了一套解说词,期间我还到中北镇热带植物观光园学习专业导游的解说语言,使我们的解说水平得到不断改进和提高。
第三,为打造xx旅游品牌贡献力量。xx目前已经建设了20160㎡智能温室、1000亩垂钓园、1000亩采摘园和1000亩二代日光温室,为了提高这个景区的知名度,我配合村里做了一系列的宣传报道工作。一是参与制作了xx园的宣传册,经过几
精神文明创建发言材料范文第4篇
基于谢赫“六法”,从气韵生动、骨法用笔、依物象形、随类赋彩、经营位置、传移摹写等方面,论述展示设计在意境营造、形象塑造、功能设计、形体表现、空间规划与创意思维等方面与中国传统艺术创作思想和方法的内在关联,实现传统与现代的对话,为当代展示设计突破西方设计桎梏并发展为具备中国文化特色的艺术学科提供借鉴。
【关键词】
展示设计;谢赫“六法”;传统艺术理论;当代设计手法
展示设计作为一门新兴的综合的现代设计学科①,是为了实现某种功能目的而进行的空间、环境、道具、照明、产品陈列以及各种信息媒体的综合性设计。其起源于早期集市中商品的展示与交流。19世纪西方世界性博览会的举行促进了展示行业的发展,也使展示设计呈现明显的西方设计特色。相较而言,在中国,展示设计是一门较新的学科,仍是沿用西方的设计手法和语言,缺乏创新和自身文化特色。如何结合中国文化历史及社会发展趋势,创造具有中国特色和世界水准的设计,是当下中国展示设计行业亟待解决的问题。中国的展示艺术设计要想实现本质创新,需从中国传统文化的核心出发,找到指导中国传统艺术发展的理论基础,对其进行解构分析,结合当代展示设计的要求进行理论性的探索。传统文化是经过创作而成的经久不衰的艺术审美对象。②尽管其艺术门类纷呈,流派各异,但其基本规律和方法有着内在的关联性。正基于此,本文拟以中国历史上较具代表性的绘画理论———南齐谢赫的“六法”为立足点,分析其在艺术创作思想、方法等方面的特点,结合当代展示空间的设计理念、方法、程序,寻求传统与现代的对话,为当代中国的展示设计突破西方设计桎梏并发展为具备中国文化特色的艺术学科提供借鉴。
一、何谓谢赫“六法”
谢赫,南齐人物画家、美术批评家。其从创作实践中整理归纳出的《古画品录》,是我国绘画史上第一部完整的艺术理论著作。③它奠定了我国美术思想发展史上极其重要的理论基石,具有“俯遗则于来叶”的理论价值。④书中谢赫对中国传统绘画提出了六个评价准则,被后世视为“万古不移”的基本准则。此六法即:一、气韵,生动是也;二、骨法,用笔是也;三、应物,象形是也;四、随类,赋彩是也;五、经营,位置是也;六、传移,模写是也。谢赫“六法”在涵义上基本可理解为生动、用笔、象形、随类、构图、模写等六个方面,分别代表中国传统绘画理论的基本美学和技法原理,从表现对象的气质和内在精神、艺术家对客体的感受,到用笔对象的具体形象、结构轮廓和色调、构图布局和临摹写生等方面。谢赫“六法”是一个基本完备的中国传统艺术体系,从艺术创作的内在精神、情感,到用笔、构图、色彩和方法,皆有涉猎。气韵生动是绘画创作的灵魂,是作品的表现主题;骨法用笔是艺术思想的表达手法,是展示艺术创作才能的关键;应物象形是对表现对象的本质挖掘,是艺术创作的基础和基本要求;随类赋彩是使艺术表达对象具备形态、性格和风貌,具备外在质地和肌理的辅助;经营位置是艺术创作中对画面构图、间架结构的统筹布局;传移模写是艺术创作的前提,是每一个艺术家和每一件艺术作品最终得以成功所需要经历的学习过程。传统艺术是人类精神追求的重要载体,设计也无法避免其精神内涵的体现。①中国传统艺术家的经典作品,都可以用谢赫六法来进行品评,体现出在气韵、笔意、画法、位置、傅染、形似等方面的突出特点与艺术手法。
二、谢赫“六法”对展示设计的启示
在中国,展示设计作为一门新兴的设计学科,其设计理论基本上是从西方艺术设计体系中引入。对于有着浓厚的民族文化特色的中国而言,这种缺乏创新和自身文化特色的设计手法,终归难以创造出适合中国国情的特色作品。为突破西方设计的桎梏,以中国传统艺术发展的理论基础为指导,找出中国传统艺术理论中与当代展示设计的内在关联,进行突破创新,无疑是可行之道。谢赫“六法”作为中国传统艺术理论的代表,较之西方设计理念,更加注重艺术的内在意蕴,对中国现代展示设计具有重要启示作用。
(一)气韵生动与意境营造“气韵生动”为六法之先,是绘画创作的灵魂,也是我国传统艺术创作与审美的最高评判标准和艺术家追求的最高境界。在视觉艺术的范畴内,可理解为时空一体的视觉气质的绵延之动,这符合中国独特的宇宙观和生命情趣,也可见气质观影响下中国艺术对气的生命节奏的追求。②“气”指艺术的本原,强调世间万物皆由气构成,通过气的流动引发万物的变化,感发人的精神而产生艺术。艺术家通过身心一体对“气”的感知与运化,以艺术的手法再现蕴含的内在精神。“气韵”是指神气和韵味,是人的内在个性和情操的显现,在美学上有清远、旷达之美。艺术设计的“气韵生动”表征是其内在意蕴,强调艺术创作中生动地表现对象的内在精神、性格特征。展示设计不仅要让人知道展示的是什么东西,更多的是要向人们传递展示环境内在的生命力,即内在的气韵。依据六法论“气韵生动”的观点,展示设计要在创作过程中体现创作者的内在思想和创造力,体现深层的文化内涵,使人在空间中感受到环境的意境、设计的生命力。要使展示设计具有动人的意境,可从如下方面着手。首先是主题营造。一个空间环境的设计,不是设计素材的堆砌,而是要有这个空间的主题,以反映空间的思想和情感,使人们能在其间体会到空间的意蕴。主题的表达以一种美学形态在展示空间中打破时间、地域的客观局限。③用主题去连接时间和空间,形成富有创意的空间场所,从而突出展品、事物的性质和概念,达到突出主题的最终目的和效果。具体设计过程中,综合考虑不同审美群体、不同展示素材、不同文化体验等方面的因素,将主题以具体的形象语言贯穿于整体设计之中,使参观者能从中感受到设计的核心思想。如在家具展示设计中,设计的主题可以根据家居的风格、品类以及面向的市场等来确定。不同的展示目的决定不同的展示主题,突出不同的展示效果,营造不同的展示氛围,从而使消费者融入其中,多方面感知空间设计的内在主旨和魅力。在具体的展示空间设计中,设计师要结合项目具体要展示或表现的内容,通过自己对项目的分析,结合自身的生活体验,广泛收集相关设计资料和素材,找出项目设计的核心要素,从而确定项目设计主题。其次是意境营造。意境作为中国古典美学的核心命题,在绘画、诗歌、园林、展示、室内设计等艺术形式中都有体现,是艺术创造、艺术欣赏的重要标准。现代展示设计亦是如此。注重空间意境的营造,突出人的精神需求,使空间具有强烈的艺术氛围,也就是气韵生动,展现出情景交融、虚实相生的空间形象以及由此产生的审美想象空间。环境设计不仅要为人们营造一个理想的物质环境,同时还要设法营造一个能给人们带来艺术美感、审美情趣,令人感觉愉快的心理空间环境。④如家具展示设计的意境创造,就是在展示设计中通过家具的展示使观者能感知到其所传达的人文精神,并产生一种美好的感受。具体展示设计中,通过家具主题的呈现,空间规划、动线组织、界面处理、材料组织和照明设计等设计元素的统一处理,使产品与展示环境融为一体,并得到完美的展现,使观者全身心地感知家具及展示环境,感知家居的空间意境,实现与产品的对话和共鸣。
(二)骨法用笔与形象塑造“骨法用笔”是中国绘画以线造型特有的艺术语汇。①其中“骨”指内在的骨力和力度,强调艺术创造的表现手段,在绘画中根据对象的具体特点运用适当的笔法,以线条创造逼真的造型效果,如山水画中的点法、皴法、泼墨法等笔法形成的造型语言。如书法家所谈论的“筋、骨、肉”,注重笔锋形态和运笔,以创造出神入化的神韵和美感。正如卫夫人在《笔阵图》中所谓:“善笔力者多骨,不善笔力者多肉;多骨微肉者谓之筋书,多肉微骨者谓之墨猪;多力丰筋者圣,无力无筋者病。”用笔的关键在于表现线条的力度,展现创作者的内在精神面貌,提升作品的表现力。其中强弱、急缓、轻重、收放、动静的对比会产生灵动的节奏与韵律感。张怀瑾曾以“骨”和“肉”比喻南北朝张僧繇、陆探微和顾恺之几位画家的手法和造诣,其于《画断》中提出“象(像)人之美,张得其肉,陆得其骨,顾得其神。神妙无方,以顾为最”。这句话也表明,当时不同艺术家用骨笔法的不同所创造的艺术效果迥异。西方美学家克莱夫•贝尔在《艺术》中指出:“一种艺术品的根本性质是有意味的形式。”展示设计需要通过形成美感的创造,提高展示空间的艺术形象。“骨法”在设计中表现为设计师运用的线型语言,包括点、线、面、体等空间造型元素。设计师在展示空间中所用的线条与结构,就是“骨”;以不同手法形成的空间形态与界面处理,就是“肉”。展示设计空间形态的构建离不开点、线、面、体等基本构成语言的运用,离不开这些元素的相互组合。其中点在空间中是较小的形,起到确定位置和视觉中心的作用,如一面墙上的一幅画、一个空间中的一件家具。线型语言是造型语言中基本的构成元素,无论是直线还是曲线,都能尽显韵律与节奏。面是线运动的轨迹,也可以是扩大的点或变宽的线,或体的边界面。面的形态、材料、色彩、肌理的变化以及不同围合形式会产生不同的空间形态,从而形成不同的空间感受和格调。体是展示空间主要的构成元素,空间形态、展具、展品和陈设都可能是由各种不同形态的体块组成。体在空间中具有重量和体积感,通过比例、尺度、材料表达不同的性格,营造多样的氛围,从而给人不同的视觉感觉。在具体的展示空间设计中,设计师要根据设计主题,有效选择和组织点、线、面、体等基本设计语言,根据设计方案采用多样化的手法进行空间形态和氛围的创造。
(三)应物象形与功能设计“应物象形”在绘画中指对形的把握,要求运用造型手法实现主体对物象的感应,将物质的本质形态进行再造,以实现感应物象的“象形”。“应物”就是要用心去感受构思中的事物,“象形”就是要做到形似,要像所绘事物的形状。②艺术家在进行艺术创作时并非随意想象,往往是对外在物象有感而发,对外在世界的艺术再造。“应物象形”是在艺术创作过程中通过艺术家的具体创作,针对所要表达的事物进行具体化的艺术处理,形成最终的艺术形象。南朝陈姚最最先提出“心师造化”的理论。后来唐代画家张璪又提出“外师造化,中得心源”的理论,强调艺术创作需以自然为师,从外在自然世界寻找创作素材和灵感,通过内心的思考再创造出新的艺术形象,为实现传形达神,需要对具体对象进行精细准确的描写,在有形的基础上去达神。用西方现代设计理论进行解读,“应物象形”就是“形式追随功能”。由功能设计出发针对具体的功能需求确定各功能空间需要的形态、尺度,选用相应的平面布局、尺度、空间形态,赋予相应的外在造型、内在空间,创造与功能相应的整体展示空间设计效果。现代展示设计起源于现代主义设计,强调重视功能,创造新形式。正如路易斯•沙利文的“形式服从功能”,强调展示形式服务于功能,展示设计以功能为主。展示空间是提供人们物质文化活动的场所③,是一门实用性很强的艺术,是为了满足某种目的而形成的艺术,适用是展示设计突出功能的内在本质之一。整体设计注重以功能为设计的出发点,注重设计的科学性与合理性,要求设计既要满足物质功能的实际需求,解决基本的展品展示与存放、人流动线与交通、商务洽谈与社会交往等基本的功能需求,还要满足精神审美功能的需要,创造动人的形象、优美的形体,展现展示空间的主题与性格,创造艺术化的展示艺术空间。当今展示设计应在满足具体功能需求的基础上,运用多样化的技术与材料,注重个性化、艺术化设计的创造。如笔者在左右家具展示设计中,首先根据甲方产品展示的要求进行空间布局与设计,综合考虑产品展示、商务洽谈、人流组合等基本功能,以区域板块化的形式将不同的家具以居家形态有机组织,形成一个个独立的居家展示场景,以线型动线将各区域连成一体。在满足基本功能需求的基础上,结合展区所处位置和基本平面布局,以及项目设计主题,进行展示空间的外部形象和内部形象设计。展位设计结合产品以现代手法表现东方精神,以当代中国人的生活方式为主题,用现代的设计语言、材料和构造方式,结合传统的文化、艺术、造型、图形等,形成传统与现代的对话,表达骨子里的中国精神。
(四)随类赋彩与形体表现“随类赋彩”是指根据各种不同对象,准确地涂色,同时要在形象上赋予概括性的色彩表现,①这是表现绘画创作的必要补充。中国画之“随”,似有顺从、依附之意,指依据具体对象而相应处理。“类”是指表现对象的品类,有着内在的规律,可表现人的精神观照,在绘画创作时要表现其基本特征。所赋之“彩”,并非单指颜色,还包括笔墨的渲染、明暗、层次。中国传统的水墨画和书法,许多都不用“彩”,而是通过墨的浓淡、层次产生不同的光色效果。唐代张彦远在《历代名画记》中提出“运墨而五色具”,意指山水画可以用墨的变化体现自然界中的山青、草绿、花赤、雪白等各色效果,从而体现丰富的墨色变化。色彩是视觉艺术最基本的表现媒介,先于图形给人鲜明直观的印象。在展示空间设计中,赋彩就是根据空间形态和设计主题,通过材质、肌理、光影来表现空间的特色与层次,主要依托于装饰材料的设计、选择与搭配。色彩设计不在色彩本身,而是色质的合理运用。②通过虚实、轻重、软硬等不同材质的组合、对比,创造不同的空间层次与色调,使展示空间体现出鲜明的特色和整体效果。材料是现代艺术设计内容与形式的传达媒介③,是展示设计的物质基础,影响人们对展示空间环境的视觉和触觉感受,并引发相应的心理感觉。材料的软与硬、光滑与粗糙、色泽与光影体现自身的特性,材料的组合可以表现特定的主题,营造特定的氛围,使空间具有鲜明的个性色彩,从而传递不同的展示信息。其中材料色彩是首先呈现出来的特征,以其物理特性和心理特性呈现给人以轻重、距离、大小及冷暖的感性特征。材料的质感则可引起人视觉、触觉的感官差异,软硬、冷暖、粗糙与光滑、光泽与透明等不同的质感形成不同的内在张力和知觉感受。材料肌理可以表现材料的细节感知,其粗与细、轻与重、新与旧都可产生不同的视觉和触觉效果,创造不同的空间情绪和意境。在实际展示空间设计中,根据设计主题与定位,结合不同造型元素选用不同的材料,以其色调、质感、肌理乃至光影的变化营造不同的空间环境色彩感觉,使空间环境呈现不同的艺术审美形态,从而传达空间意境、氛围和情感。如在空间场所中,可以木地板、大理石、地毯等不同的材料进行空间功能的划分,形成公共、舒适或私密的空间氛围;通过透明玻璃或彩色玻璃进行空间分隔,可创造虚实相生的展示空间;具有优美色调和装饰纹样的织物材料和木材,既可用于空间分隔,也可以其自身的装饰纹样成为空间艺术效果表达的对象。不同材料间的对比,既可突出各自的特点,又可通过比例、形态、尺度的协调控制构成展示空间整体的艺术效果。
(五)经营位置与空间规划“经营位置”,即艺术创作中的构图处理,是艺术创作中一个非常重要的环节。“经营”说明对构图设计要有选择、取舍,对其章法和布局要进行组织和安排,进行全局结构的统筹处理,通过疏密相间、辉映有致的画面处理使作品更具艺术魅力。中国传统艺术创作中非常重视画面的构图,注重以经营位置来表达内在艺术思想。东晋大画家顾恺之称此法为“置陈布势”,唐代张彦远则称之为“画之总要”,这表明布局的重要性。④东晋顾恺之在《魏晋胜流画赞》中提出:“凡画,迁想妙得也。”强调艺术创作过程中的想象活动,提出将主观情思“迁入”客观对象之中,从而得到艺术感受,对画面结构的经营也通过内在思想得以表现。如南宋山水画家马元、夏圭在画面构图中突出画面的边角构图,史称“马一角”“夏半边”,以“计白当黑”的手法使画面简洁洗练,采用大面积的留白突出虚实对比,以虚空来突出实体,烘托画面的意境。在具体构图设计中,有一系列对偶的艺术处理手法可以用来创造画面的艺术空间,如顾盼、开合、虚实、藏露、疏密、动静、奇正等,这些对立统一的艺术处理手法也成为中国传统艺术处理的基本法则。在展示设计中,经营位置就是对整个展示场所的空间规划。展示设计一如中国传统绘画的“散点透视”,以游动的视线来观察和表现物象,①注重人在其中流动、行走而产生对整体空间场所和展示环境的整体感知,是一个融入时间的空间。其平面布局、空间规划、动线设计,既是展示空间呈现出来的外在形象,也是观众游历其间,感知展示空间、展示形象和展示意境的重要载体。在设计时要从整体把握,既要考虑受众参展过程中在单个功能展区的空间感受,也要考虑其在参观过程中将一个个独立展区联系起来形成一个整体,更要考虑不同展区之间的区隔和联系,将时间、动态的概念融入其中进行设计规划,使人在时空的不断变化过程中,通过运动、观赏、交流等感知方式,接受空间场所传递的图文展示信息。一如中国传统绘画对构图效果的追求,展示空间的布局、不同展区环境的结合,也要考虑各个展示区域在整体空间中的位置与相互关系,具体设计中则需根据不同类型的展示要求进行处理。如在设计展示中国传统文化艺术精华的故宫博物馆时,可参考历史遗留下来的明清皇宫建筑的特点,以中轴对称、前朝后寝的空间布局,依次展示古代帝王办公、处理政务、后宫生活等不同的工作和生活场景,使人在参观过程中随着建筑规模、空间形态、装饰装修、生活器物的变化,形成与外在环境和展示物品的对话,感知帝王生活的华贵和皇权的绝对权威。
精神文明创建发言材料范文第5篇
关键词:中国画 材料色彩 精神表现
材料色彩,不同于通常应用的色彩准则――条件色,为色彩应用中转换材料语言空间、重组语言秩序所创造的条件,在创造性地应用各种色彩系统,大胆协调材料色彩的同时,关注色彩品质的对比,在遵循色彩应用规律的基础上进行个性化的色彩表达。
传统中国画注重笔墨、讲求意境,受老庄、禅宗思想的影响,讲究“不似之似”的空灵意味,中国画在对笔墨的运用上达到炉火纯青的绝妙境界。那没有颜色的简约形象几乎成了某种文化精神的符号,与大千世界以及人们对此的心灵感应无法契合,于是人们在分析中国画现状的同时也在寻求中国画材料与色彩的变革。
中国画所提出的书画同源,说明中国画和书法有着紧密的联系,同时也会影响中国画色彩语言的表现。绘画是情感、体验的重要载体,画家所处的不同的时代背景、情感经历,使中国画色彩表现出不同的面貌,体现着思想、文化的进程,具有丰富的精神内涵,同时也凝结着画家对生活的体验和情感表现。如唐朝初期达到鼎盛的青绿山水,与当时的社会背景、文化氛围、画家对社会及人生的体验都有着密切的关系。这种文化氛围中的审美趋于富丽华贵,也是他们个人经历及情感的体现,表现了唐朝的盛世局面,金碧辉煌的色彩样式是这一时期表现社会繁盛的一面镜子,以李思训、李昭道父子为代表,青绿山水十分盛行。我们从李思训、李昭道等对青绿山水画有突出贡献的画家的生活经历和社会背景上就能清楚地看到,色彩形式后面所蕴涵的是他们对生活的独特体悟和当时的盛世局面。
中国画发展到元代已达到了一个高峰,这段时期的文人画家大多崇尚清新、淡雅,无论山水、人物还是花鸟,以寄兴托志的写意画为旨,重气韵、轻格律,注重主观抒情的风气,反映出画家在失意的境遇之中过着苟且偷安、寄人篱下的生活。中国文人历来自命清高,常常用作画来宣泄心中的逸气,用淡彩和水墨表达他们的心境。其中以黄公望为代表,他的画善用赭石、墨青、墨绿来渲染画面,画面中山峰层峦叠嶂,巨石堆垒,远山或隐或现,苍率潇洒,境界高旷,整幅作品充斥着苍凉之气,其实正是他当时心境的写照。
近现代中国画的画坛中,尤其是“85美术思潮”,很多崇尚古老东方哲学的艺术家不愿放弃与祖先文化上的种种联系,在材料和技法上寻求可能的出路。这一时期的中国画材料语言可以说是丰富的,这些艺术家把一切可以用上的材料基本都用在了绘画创作中,如水粉、水彩、丙烯、石墨、油画色等材料。为了创新,有些画家在把传统绘画材料和新型化学材料相结合时,把不相关的材料勉强放在一起,造成画面粗糙而黯淡,并且不易保存。但也有一部分画家在这一时期创造出中国画的新面貌,其中以林风眠为代表,林风眠在作品中大胆探索运用丙烯、水粉等多层覆盖的技法,显示出西方色彩和东方笔墨的完美结合,唤起了色彩在宣纸上早已淡去的表现力,画面和谐而美丽、绚丽而宁静,遵循不改变优雅画面效果的同时形成了新的风格。
到了上世纪90年代,中国画实验水墨的兴起,延续了“85美术思潮”对水墨的反思,实验水墨主张用变换图式的方式来表达自己对中国文化精神的解读。这些艺术家勇于创新,不停地执意于探索前人从未涉及的地方,不需受制于任何既存的规范,引用综合材料及综合技术的水墨表现,以平面的架上表现方式为主,而平面的架上创作在视觉上也有两个特征――图式和痕迹图像。其代表艺术家有刘子健、张羽等。这批艺术家画作的特点是作品尺寸大、画面的效果强烈,其代表人物是刘子建,他常强调“东方精神”与“在传统文化中找到新的生长点”,将“传统文化做现代转换”。他把拓印等技法用在了绘画创作上,大面积地运用充满视觉肌理的黑色墨块穿插于画面中,对东方哲学做出当代性的诠释。
无论在哪段历史时期,画家们都不会放弃将身边常见的材料运用到绘画创作中,如表现主义代表人物马蒂斯,强调单纯色彩的视觉力度,发现很多色彩的手工纸以及印刷品在色彩上十分强烈,这是颜料色彩无法替代的,无论是哪一画种,都可以借鉴前人在材料使用上的成功经验运用到绘画创作中,中国画也如此,应在材料上做出大胆尝试,运用中国画独有的宣纸魅力,寻求材料语言上的创新之路。除此之外,具有时代感与文化性的材料也将逐渐被应用到中国画的创作中,如新型高科技材料和数字化产品,这种新材料不只是主题观念和创作方法的改变,更是审美标准的改变,得到一种与传统绘画色彩完全不同的审美价值体系。
综上所述,中国画的色彩无论是重彩还是淡彩,都是画家表现各自不同的情感体验、社会背景的选择,体现着他们独特而又丰富的精神内涵。当下的中国画创作,可以从中得到启示,把色彩的形式创新和精神体验结合起来,并广泛运用不同的材料,这样的中国画创作才能推陈出新,寻找新的色彩表现形式。在强烈的主体情感表达下,寻找最能充分表现主体精神体验的形式,让外在形式和内在精神相统一,情感与体验完全表达,开拓中国画的新局面。在色彩观念、色彩语言和工具材料上已经具备了由量变到质变的可能,一旦材料色彩作为中国画画面语言的表现主体,一种新的美将脱颖而出,重构中国画材料色彩语言体系的辉煌也必将实现。
(注:本文为黑龙江省艺术科学规划项目《由材料介入当代中国画色彩表现研究》,项目编号:11C046;佳木斯大学人文社会科学重点项目《当代中国画中的材料色彩语言的发展研究》,项目编号:WZ2011-007)
参考文献:
[1]张国龙.当代・艺术・材料・空间[M].长春:吉林美术出版社,2006.