对服装设计的个人看法范文第1篇

关键词：时装画；人体；服装设计；色彩

中图分类号：G42 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）09-0230-01

时装画技法是服装设计专业必修的基础课程之一。它是一门现代艺术，也是服装设计师表达自己设计思想的基本手段和重要工具。俗话说“工欲善其事，必先利其器”，所以要想成为出色的服装设计师必须要有表达自己设计思想的重要工具，那就是要掌握时装画的绘画技法。

时装画对于学习服装设计的学生而言如此之重要，那要如何学习来使初学者在短时间内达到理想的效果呢？首先，要清楚时装画的表现性质：其一是属于商业性绘画，如时装插画，通常用于广告宣传，室内陈列等，强调绘画技巧，突出整体的艺术气氛与视觉效果；其二是服装效果图，主要用于表达服装艺术构思和工艺构思的效果与要求，强调设计的新意，注重服装的着装效果，以及各种细节的绘制，以保证成衣在艺术和工艺上都能完美地体现设计意图。根据学校的培养目标，主要是针对后者进行授课训练。

教师可以通过以下几个方面对学生进行系统的综合能力训练。

一、通过个性化的人物动态增强时装画的美感

时装画中的人体是理想化了的人体，它有别于写实的人体，它是在写实的基础上经过夸张来达到满意的人体效果，如正常的人体为7个或7个半头高，在时装画中人体可以夸张到10个或者10个以上头高，从整体上看，人体的夸张部位主要体现在四肢上，特别是腿部。当然对于人体大动态的表现也是时装画中人体训练的重点。如3/4侧面插腰、1/2半侧面、猫步行走、大幅度的扭动等等。因时装画中人体主要是为了展示出服装的美，所以人体动态至关重要，每个动态都需要练习到，这样再设计服装的时候才能将服装展现的美轮美奂，达到现实与理想化的完美结合。

二、人体局部在时装画表现中的重要性

时装画人体主要可分为头部、躯干和四肢。对于时装画中的人体表现，躯干和四肢的表现极为重要，因为服装主要依附其进行表现，因此在大多数时装画简化风格中，作者只倾向于表现人体的躯干和四肢，其余的五官等等只是有个大概的轮廓。在我的教学过程中并不是这样让学生进行训练的。因为在我看来五官、发型等也是人体表现必不可少的组成部分，它对时装画整体的风格及人物情感、动态的准确表达也起到了至关重要的影响。在部分服装设计领域，五官及发型等的表示不仅不能忽视还应作为主要设计因素表现。

另外，服装设计这一专业不仅包括服装的设计还有服饰配件设计等局部细节设计，如帽子、头饰、首饰等等。从这些来看，时装画效果的表现中五官、发型等的表现也具有重要意义。在我们的教学过程中也要作为重点来进行训练。

三、服装的款式、造型因素对时装画的表现意义非凡

时装画中重点表现的是设计师对服装的设计意图和设计能力，他们往往以独特的视角来对服装进行新的诠释。当然这也是他们对当今世界、当今社会现象表达的一种重要手段。大家可记得09年美国的金融危机席卷了全球，成为了人们热议的话题，服装设计师也看到了这一社会问题，他们以自己的审美来将这一全球性的社会问题用服装表现的淋漓尽致。给我印象最深的就是著名服装设计师迪奥设计的那一系列作品将全球被金融危机笼罩的现状呈现在每位观众面前，这说明了一个成功的服装设计师他不仅只关注服装界，而且还要关注更多的行业才能准确地将其设计思想表达出来。

四、色彩搭配是彰显时装画魅力的主要因素

色彩在服装当中带给人的冲击力最为强悍。马蒂斯是这样评说色彩的：“如果线条是诉诸心灵的，色彩是诉诸于感觉的，那你就应该先画线条，等到心灵得到磨练之后，才能把色彩引向一条合乎情理的道路。”显然这代表了一种传统观念，而普辛认为“在一幅画中色彩从来只是起着一种吸引眼睛注意的诱饵的作用，正如诗歌那美的节奏是耳朵的诱饵一样。”时装画的色彩效果直接影响观者的审美心理，也表达设计师的设计意图。

五、各种技法的运用会让时装画的画面更加丰富

时装画从大的方面来分属于绘画艺术领域，从小的方面来说属于服装设计领域，它是借助于绘画手段来展示服装的整体美感。那么我们在画时装画时就要培养学生各方面的技法，如：水彩画法、水粉画法、油画棒画法、色粉笔画法等等来使服装面料、色彩、款式表现的更为突出。另外还要学习一些肌理处理效果如：盐溶法、喷绘法、甩色法、滴色法、印拓法等等，各种效果都可以穿插运用来达到更加丰富的艺术效果。

时装画技法这门课程，在理论讲授和动手练习的过程中应掌握好先后顺序，注重发挥学生自己的优势，鼓励学生大胆创新。这样才能达使作品达到意想不到的效果。

对服装设计的个人看法范文第2篇

“意境”一词并不是单一的概念，它包含两个方面——发出者与欣赏者。作为意境的营造者展示设计师首先需要解决的问题就是为选择一个让顾客喜爱的意境，而这选择主要是从服装企业及其品牌文化入手，具体可以把它分为以下几个方面

（一）服装企业的发源地、历史及背景它们是品牌文化中重要的部分，通过对这部分内容的展示往往能够得到消费者对品牌的信任与依赖。如英国的Reiss在国外的首个服装店就是以雨为主题，通过天花板上悬垂下来的3000多个长笛般的丙烯酸棒制造烟雨蒙蒙的意境，将人们带到服装的发源地——伦敦。使外乡的英国人产生一种对家乡的思念之情，使当地人产生一种好奇的心理，不知不觉中将自己的这份情感寄托在服装中。

（二）服装特性服装因其面料、功能，风格款式等特性不同而各有特色，能将其特色充分的展示给消费者才是正确的销售语言。如在某服装的秋末橱窗展示中，设计师用白色的材料做成雪的形状，为一个冬日难得有雪的城市营造出冰雪世界的意境，引发了人们身体对冷的感觉，内心对雪的一种向往；这时将雪白纯净的羽绒服展示出来，柔软温暖的服装一下跳入顾客的眼中。

（三）服装的受众人群消费者的认同与共鸣是服装销售的关键，针对服装的定位的不同对不同消费人群的喜好及特点进行研究，选取合适的意境才能有效的进行信息的传递。如少女装多以梦等为主题，营造一个充满了甜美梦幻的意境；而女仕装则经常以成熟温婉为方向，营造一个在知书达礼女主人治理下和乐融融家庭意境。

二、意境营造的设计方法

《商店设计》一书中说到“商店装饰设计者应善于根据本商店的经营范围和经营特色及环境条件来综合考虑并构思，为顾客和从业人员展现一幅精美的艺术画卷。即巧妙地把情与景、意和境、与物等有机的交融在一起，让人一踏入店门，就感觉好似进入了神奇的艺术境界，使人得到了精神享受和寄托，并感到满足。”在服装展示空间中，当设计师选对适合该服装消费者的意境后，怎么才能将它们展示出来呢？这就需要一定的设计方法：首先可以通过一些修辞的设计手法，营造一个能使顾客产生美好情愫的空间氛围。然后可以通过设计元素构成的方法去展示顾客喜爱的服装特性。这样才能使顾客得到从视觉到情感的满足，完成购买的行为。

（一）意境营造中的修辞设计法文学中常用的修辞手法有：比喻、拟人、排比等。修辞是一种能较好表达效果的语言活动。通过修辞手法的运用往往可以准确、可理解和具有感染力的进行语言表达并能达到表达目的，在服装展示空间设计时候，设计师不妨可以试一试这种手法，特别是整体氛围营造上效果非常好。

1、比喻法比喻是我们常用的一种写作手法，也是服装展示中经常用到的能够引感共鸣的一种设计手法。著名文学理论家乔纳森•卡勒为比喻下的定义：“比喻是认知的一种基本方式，通过把一种事物看成另一种事物而认识了它。设计可以通过比喻的运用将原本抽象晦涩的道理讲清楚，也可以让大众更好的去接受它。如杭州名品街上的一家服装店就是以“化茧成蝶”主题来营造意境。在设计中运用了比喻法，将竹藤编织成的试衣间比喻成了一个“蛹”。当进入试衣间顾客穿好新衣打开蛹，就如同一只美丽的蝴蝶再次展现在朋友及家人的面前，这个手法将整个空间的氛围推到最高点，同时也让每个看过的人回味悠长。

2、比拟法比拟即比喻加拟人，把原本呆板无生气的物变成了有情绪的人，借助丰富的想象。设计中常用的比拟具有很强的感彩,是设计者通过设计将强烈感情去感染读者的一种辞格。在服装展示中如果运用了比拟，也将会让消费者产生无限的想象。例如美国假小子服装店的就把整个服装店比拟成一个爱捉迷藏的孩子。它一改普通服装展示中把衣服都陈列在外的形式，把所有的服装根据类型分别藏在不同的已经划分好的空间中。当顾客们进入店中就如同进入小迷宫中，每到一处都会发现新的惊喜，营造出了一个有趣味的意境，满足了该服装受众群体猎奇的心理。

3、暗示法在社会交往中暗示是社会和人际影响的形式之一，暗示者与受暗示者存在的是一种主动、自觉与被动的关系。在服装展示设计中暗示也是一种常用的设计手法，设计师在顾客心理无防备的条件下，通过展示空间整体氛围的营造向消费者传递服装各种信息。夸张地说暗示是最积极最温柔的展示方式。它在一个无对抗的条件下主动自觉进行展示，往往会达到较好的效果。如KillahPitti的意大利店中就用了暗示的方法、。Killah在英文中的翻译是女杀手，所以设计师在进行服装展示设计时就以美国黑帮为主题，运用大量的扑克、骷髅符号元素与黑白的色彩来渲染杀手的冷酷，运用了水晶灯、玫瑰图案来突出女杀手独特的性别魅力。为年轻的女消费者制造了一个另类的意境，迎合了特定消费群体的需求。

（二）意境营造中的元素构成设计法消费者之所以购买服装的一个最重要的原因在于：服装的穿戴能够满足人们的功能性及社会性理由。因此服装的基本形态、品种、用途、制作方法、原材料、风格等特性的定位会直接影响到服装展示的定位及最后的销售。所以针对具体的消费群体，通过使用元素构成设计法，去展示服装某些独特属性才能达到事半功倍的效果。如重组法可以很好的展示服装的质地、拼贴合成法可以很好的体现服装的风格、比例调整法可以展示服装的着装效果等等。

1、重组法构成元素重组法是将原有的元素重新组合达到一种别于以往的效果。是在初接触设计时最一种较为保守的设计方法。因为它会使人们联想到原构成要素产生熟悉且具有一定新鲜感。橱窗展示中也经常可见，如一个皮衣的服装橱窗展示上，设计师用魔方作为它的基本形态进行打乱，将枣红马的拼图中马的头部到了一处，而将一个身穿红色皮衣手持马鞭的半身模特重新组合到到魔方图案马的头部，达到了一种三维与二维的结合的人头马身的效果。引导顾客去想到皮衣和马的联系，突出服装色泽亮丽和皮质的纯正。

2、拼贴合成法“拼贴与合成”这两个词看起来有一些后现代设计的味道。该种设计方法运用最具有特点的例子是英国的莫斯奇诺品牌时装店。莫斯奇诺品牌的服装本身就是以讽喻、机智前卫的内涵昭彰于世的，所以在它的服装展示空间中运用了各种象征符号、图案、形状和色彩等元素。在其内部，既可以看到中国传统的八卦图，也可以看到通俗的心型图案；既可以看到时尚报纸的墙面装饰，也可以看到具有波斯风情的图案装饰。所有元素拼贴合成在一起营造出具有多个国家特色的风情，也体现出该服装多元文化，自然让消费者心生向往之情。

3、比例调整法通过元素比例的调整，即在客观现实的基础上有目的地放大或缩小事物的形象特征，也可以增强表达效果，引起人们丰富的联想和强烈共鸣。如纽约巴尼斯服装店中具有戏剧化的场景描写，一个身穿飘逸白裙的女模特坐在非常高的木道具上双手举起呼救，下面蹲着一只美洲的豹口中含着女模特衣服上的一块白色布片。设计师通过增大道具比例让模特看起来更娇小了，让顾客看到这个场景不禁会想到荒野中楚楚可怜的少女，那一袭白裙穿着的效果立刻深入人心。

三、总结

对服装设计的个人看法范文第3篇

一、同一色配色设计概念

所谓同一色，在同一个色相中，颜色加入黑色、白色或灰色形成明暗深浅的变化，均称为同一色配色，在色相环中10°之间的颜色均可看做是同一色，它就好像生活在同一家族有血脉关系的兄弟姐妹，共性很多，很和谐融合。

二、同一色服装配色在服装设计中的应用技巧研究

同一色服装的搭配，就象一个家庭中的亲兄弟、姐妹，体内拥有着共同的血统，他们彼此有很多共性，每个人在相处的时候都很容易协调沟通，非常和谐，随便怎么搭配，都不会出错。在服装搭配中，两色若虽能看出色相差别，但是差别很小的色相之间，搭配很难配出好看的感觉，可以想象染同一种色相的布，如染色有一点色差，但色又很接近，用它做的上下装，一定会给观众色不正，上下装有色差的感觉。因此同一色服装搭配中色相、明度过于接近但是又有微弱差别就会产生染色不正的感觉。

由于拥有很多共性，使得同一色配色永远是平稳、安全、不会产生失败的搭配方式。但是不同的明度搭配方式，在心理产生的感觉自然不同，有的感觉平淡，有的感觉愉悦兴奋。如用同一种面料做成外型H型的西服套裙，靴子略显皮革与毛料的材质肌理变化，服装上下装的色型完全统一，服装虽不出错， 但是会产生外表简单、平凡，显得单调而枯燥的感受，心理反应平淡无奇，丝毫不引起视觉的兴奋感；同是H型的西服套裙，如用明度渐变的方式 处理面料，从深灰鲜灰浅灰淡灰，由于增加了同一色的明度渐变层次，立刻使这件外型简洁的套裙显得活泼生动，富于变化。

因此，在同一色配色中，设计师会采用各种技巧，通过面料的肌理再造；或是想尽方法增加明度节奏变化，使材料的光泽、触感产生深浅、虚实、层次变化。如何增强对比、是同一色配色设计的关键，常用增加对比的方法有：

1、设计师通过增加色相的明度节奏变化，使色彩显得丰富而不花；或是加大明度对比的距离；或者利用明度渐变在服装中产生视线滑移，使服装产生愉悦感。

2、通常选用同一色不同组织肌理的面料，比如用针织面料与皮革面料镶拼或，丝绸面料与经编花边面料组合，从材料的光泽、触感上形成视觉对比，制成的服装显得协调而富有变化，这种设计手段也是近年流行的设计方法之一，可产生现代、时尚的设计形象。如选用绿灰色花边透明面料与丝绸面料组合，透明的绿色花边披在皮肤上，皮肤与花边之间、花边与丝绸底色之间、丝绸自身面料光泽与腰带之间会因透明叠纱增加为4个色彩层次，同是绿灰色系，因材质的组合将服装色彩的深、浅、虚、实表现得美妙、含蓄，服装显得内容丰富，柔和文雅且性感时尚。

对服装设计的个人看法范文第4篇

几十年的滚滚红尘，茫然四顾，最有购买力的中国中产阶层男士们，始终身穿没有想法的衣服在学习如何优雅地参加派对、品红酒、抽雪茄。

对于服装品牌来说，在现阶段的国内市场，真正做有自己想法的服装并不赚钱，没有人认为买衣服要为额外的脑力劳动付费。国产服装在设计方面普遍存在“国内一般品牌抄国内大品牌，国内大品牌抄袭国外大品牌”现象。

当然，这一现状，导致一大批国内中小服装企业，在刚刚过去的全球金融危机中破产、倒闭的同时，也正在如火如荼地催生着一批不服气的新生力量——原创独立设计师的崛起。

有周翔宇、路坤、邱昊、吉承……在世界范围内更有越来越多原创独立设计师瞄准了中国的市场开始进攻。

如香港理工大学设计学院院长Lorraine Justice出版的《设计中国》中写道，“他们不像意大利设计师那么戏剧化，也不像日本设计师那么有结构感。中国市场上出现的新生力量是独一无二的。他们的作品是实用主义、经验主义和视觉冲击力的结合。这就是为什么我认为中国的时装正在成为时尚业的又一个标杆。这里积蓄了强大的能量。”

长时间的蛰伏，孕育着喷薄的大能量。

4月，作为中国第一个面向世界的时装原创设计师大赛，T-FORCE国际原创设计师大赛如常举行，召集全世界有想法的设计师们，使他们作为原创设计新生力量，给中国市场带来更多有想法的衣服。

这些有想法的衣服，它们是不屈服于国际时装流行趋势的，它们有和设计者本人经历息息相关的故事作为灵感来源，有适合中国人身材的版型创作和不逊色于国际大牌的细节呈现，它们一旦被发现，通常会带给穿着者惊喜——这惊喜，表现在创意上，又有各种场合的配搭实穿性。

让衣橱里挂满有想法的衣服，也许会随着中国各种鼓励原创设计师发展的平台发展，变得越来越有可能性。

一件衣服两相矛盾

“东的西”，一听名字大概就知道邱梓豪想要表达东西方的矛盾共同之处。把东方的元素用西方裁剪手法表达出来，这在华裔设计师群体中并不少见，比如jason wu、上海滩、Alexander wang、吉承都有这样的尝试，也分别都取得不俗的成绩。某种程度上，这是中国设计师接近国际时尚舞台比较取巧的方式。

在英国布莱顿大学（全英排第三）读商业管理和服装设计毕业的邱梓豪深谙其中奥妙，不仅仅是设计理念，在销售策略和渠道建设上也都颇有自己的心得。

2012年邱梓豪刚刚开始做自己的时装品牌，现在已经在三个国家有二十多家店在卖，年销售额达到90万以上——这在独立设计师品牌领域，已经算是傲人的成绩。

他将自己的想法传递到普通购买者眼睛里的渠道简单而有效，那就是主动为明星们服务。邱梓豪通过朋友圈、公关、造型师等中间人，为明星们提供演出、出席活动着装，在时尚圈迅速打开知名度，继而吸引普通人的眼球和购买欲望。

“林志炫、潘粤明、陈骁、快乐大本营的快乐家族等明星都在穿我这一季的服装。毕竟知名度就是取巧度，明星希望的是有趣和特别的东西，我们作为设计师就应该要给出这样的东西让他们来挑，仅仅是有品质的话，国内的著名男装品牌都能做。既然要做原创设计师，首先就要标榜自己的个性，要明星来迁就我们的衣服，这个对我来说才是最重要的。”

头纱、帽子、印花、蕾丝、手工艺……频繁出现在邱梓豪服装系列里的这些元素都是他重要的创作因素，对他来说，那些略带粗糙的同时又略显奢华的东西恰恰能够代表中国的现状。

一件衣服两相矛盾，对于邱梓豪来说，是表达想法的最好方式，他希望油画、东西冲突、印花等关键词变成邱梓豪特有的符号，存在于“东的西”服装系列之中。

对话设计师

《风尚周报》：我们看上去，这个服装系列和它的名称所代表的矛盾性很连贯。

邱梓豪：这个系列对我来说是一个重要的里程碑。黄色欧根纱真丝油画裙是“东的西”2012秋冬最畅销的单品之一，我是自己创作了一幅画，用梵高的向日葵那种印象派的手法画了西方的头像和广东的桃姐形象——这是关乎我的童年的重要记忆——我小名叫东，后来在西方读书，所以叫做“东的西”。

《风尚周报》：为什么要对2012年的系列进行再设计？

邱梓豪：油画裙当时很受追捧，香港的歌手卢巧音，第一时尚的主持人linda都有穿，时尚编辑pathy去2013LV春夏秀也是穿的这个系列。借助这次比赛，我希望把油画升华，用贴布绣的方式重新运用毛呢料子，再用高阶设计手法体现面料的轮廓感觉与时尚的演绎。

《风尚周报》：这些服装最特别的想法是哪一部分？

邱梓豪：这一系列的印花工艺没有特别之处，就是数码印花。这些服装有想法的地方，我认为是印花本身画的是我的东西，远看是梵高感，近看是我自己的画。

小时候我还蛮喜欢艺术的，14岁前一直在学习摄影，还获得过全国少儿摄影的全国十强金奖。后来我发现，服装对于我来说是很大的挑战，为什么我们可以穿得非常普通，也可以穿得非常夸张而不同凡响？这种挑战就需要一个中间人来完成。

《风尚周报》：在你看来，这一系列服装的实穿性怎么样？

邱梓豪：实穿性还不错。毕竟服装不是完全的高定系列，就是升级了我再买的款式，重新加手工，加印花，用绣花的方式做出油画框的感觉，重新用2D和3D的手法立体化。

《风尚周报》：一个男生要出街，应该如何搭配出你服装的精髓？

邱梓豪：后面的两套男装是我的压轴制作，我用了龙袍的形象，初初看起来很正式很夸张，试穿性可能比较差，但其实我觉得也可以搭配牛仔裤、棒球帽、剑桥包出街，只要这个男生有气场。我觉得，选择我的服装，穿着者最好是出席东西方结合的场合、时尚的派对。这才是中国人对西方的理解。

《风尚周报》：你的哪些设计细节是最能表现目前男装的流行趋势的？

邱梓豪：某种程度上是印花，我觉得印花是大趋势，毕竟大家都知道，剪裁是考验设计师的功底，但现在更讲究剪裁的简单，因为人们越来越追求舒服的东西，穿复杂衣服的人越来越少。而我们怎么能都把舒服的东西用艺术的形式来表达，就是越来越多地用到印花。所以这两年印花特别流行。然后我就在印花的基础上把服装变得更立体，比如加蕾丝加钉珠等工艺，讨巧加创意。

《风尚周报》：会不会跟国际的买手集团和网站合作推出线上售卖？

邱梓豪：有，elle、yoho、暖岛网在卖我们的品牌。随后我们会去伦敦做展，会请伦敦的买手中介推广我们的衣服，尝试新的合作。不过我觉得中国的设计师不能急，一急就垮了。先把根基打稳，建设好自己的团队。

《风尚周报》：你的目标客户是什么样的人？

邱梓豪：刚开始我不挑，所有喜欢我的东西的人我都欢迎，我不能迎合大众，但只要你喜欢，我可以少少让步，帮你改一些东西我也愿意，毕竟设计师也要听一下别人的意见。比如有朋友买了礼服，很想要配短裤，虽然我很讨厌配裤子但还是做了。又比如我很讨厌做礼服，因为我觉得那不是中国的东西，但我朋友想要做，我也愿意去尝试。

《风尚周报》：关于明星，你是否找到了一条讨巧的接近大众的路？

邱梓豪：明星也不能完全靠自己眼光在挑，他们有造型师，我们跟造型师合作，只要你愿意跟他们主动联系，他们都不会拒绝的，只要合适，他们都愿意要。我太多前辈给我很多机会去学习，比如刘清扬、欧敏捷、masha ma、他们算是先头部队，做了一些事情，原来可以用这样的方式，我后来就硬着头皮去要这个东西。因为我觉得，你只要想要，没有人会拒绝你的，毕竟这是双赢的合作。

设计是内心所感的美

Kielo是一个每一季都混合有男装和女装设计的品牌。两位设计师Erika Mizuno和Yuta Yajima在创作时独立设计，Yuta负责男装部分。设计师想要展现的是一个不传统的男人，不是那种男子气概突出、肌肉突出的形象，而是有着诗意的、脆弱的、敏感的一面，然而心灵是强大的；而女装部分，也不是那种少女气质的呈现，而是一位独立的女性，有坚定的自信，而且很好地接受了自己的女性气质。

作品《肖像》运用了大量的绒线和皮毛作为材质，将身体包裹在袭袭暖意中，几何色块和印花的拼接使用让整个系列色彩丰富跳跃。他们试图描绘一种布尔乔亚式的欲望表达，借意精美的面料来传达这个人群的优雅，又用这些色彩和随机的图案来传达他们在精神上的错乱。

《风尚周报》：你心中是否有特定的设计对象？

我不喜欢设定潜在的客户群。但我觉得喜欢我们作品的人会喜欢拥有与别人不一样的事物，有着自己独立天成的风格，喜爱特别，拥有开阔的心灵。他们不会每个季度就打开衣橱把旧款式扔掉。

《风尚周报》：作为独立设计品牌，市场的看法会影响你们的设计吗？

Kielo是我们第二个季度的设计。我还在设计学校的时候，我所做的一切设计都是实验性的。但当我选择了设计师作为职业的时候，就开始注意到必须时刻将商业两个字挂在心里。比如第一个季度，我们几乎所有的设计都是很先锋的，然后从我们的顾客方面收到了一些反馈，他们都说很爱我们的设计，但如果他们想在大街上穿上我们的衣服是有点不切实际。所以这一季，我们在保留了一些实验元素的同时，也加入了很多更简单一点、可穿性更强的单品设计，但选择了更贵重和特别的面料。

这些质感能让我们和其他品牌区分开来，能让顾客立即认出我们的作品。作为品牌来说，拥有自己的个性是非常重要的。

《风尚周报》：成立自己的品牌之后，你觉得最困难的事情是什么？

建立起自己的品牌就很困难。但我觉得最难的，是让顾客接受一个新品牌，尤其是在日本。日本人对于品牌的选择非常谨慎，他们更希望穿着与别人一样的衣服，比如名人选择的品牌，或者西方流行的风格等等。不是所有人都有勇气选择一个非常年轻的设计师品牌。对于我的国民来说，要吸引他们是非常难的，他们更愿意穿着成名设计师的作品，希望身边的人能够认出他穿的品牌。这真的是我们面对的一项挑战。因此扩展我们的市场，到中国，到亚洲其他地方，以及西方国家也是一种机会。

《风尚周报》：进入设计师的市场，多了很多商业的考量，你是否觉得一定程度上牺牲了自己的创意？

有时是的。但我觉得商业上考量是越来越必要的。第一季我们的服装好评如潮，但如果我们不去平衡自己的创作欲和顾客的接受度，很快就会面临困境。所以未来我们会在保持一个系列的同一性的基础上，去平衡实验性与可穿性。先锋的设计可以展示我们的理念和制作细节，而简单些的可穿款可以让顾客有更合适的选择。毕竟，我们是希望我们的服装会被人穿在身上。

我们在校园的时候有着表达自己创作的自由，但踏出了校门进入这个时尚行业，就不得不同时考虑两者。如果忽视了创意，作品就会变得无趣，人们不能认出你的品牌，如果只强调创意，人们穿不出去。这是所有设计师都面临的两难，也是所有设计师在挣扎中所寻求的平衡。

请带着好奇心选择我的衣服

Chris笑起来很羞涩，未脱小男孩的稚气，说起话来却干脆利落——他设计的衣服如人一样内有玄机。

本来是学习女装设计，2012年Chris从墨尔本服装学校毕业之后就开始第一个男装系列的创作——因为他发现女装有太多的竞争者，而寂寞无声的大众男装市场，也许是突围的绝佳领域。

这个聪明的孩子将传统工艺和女性时装理念注入到男装成衣里。品牌的风格与澳大利亚本土设计师形成差距，让男性消费者有更丰富的选择。

这一个男装系列讨巧得很，Chris把古典的缝纫技艺和高级成衣工艺加进男装成衣，也延续了Chris作品一贯复杂的编织模式与厚实的质感。对制作质量和工艺精益求精，反映了品牌的核心。仿佛一种矛盾的好奇心，徘徊在古典与现代之间。

说起灵感来源，Chris斩钉截铁地回答：线条。“这个系列所有的细节都是从线条开始的。但线条是很简单的东西，我想要把它做得更加有质感有肌理，加上是一个男装系列，所以我想要让它看起来有男性化的细节。于是我用了女装的高级定制手法做，让男装变得更有力度。”

有力度的同时，Chris也不忘自己的女装设计长项，让服装整体色彩偏于明亮，包括银色、金色、勃艮第的酒红色。在Chris心里，男装的色彩一直比较局限于黑灰色调，因此想做得如女装般有活力和趣味性。

对话设计师

《风尚周报》：是什么让你选择设计师行业？

我妈妈是设计师，我外婆是手工艺术家，做刺绣、钉珠、针织这些。她们对我的影响挺大的。

《风尚周报》：看起来你的这一系列成衣制作成本不低。

这是我的第一个成衣系列，接下去会有更具可穿行的、简化了的成衣系列。其实我不想太过商业化，因为我想要拥有的不只是一件服装，而是一个理念、一种生活态度，我想让穿着者拥有值得记忆的东西。

《风尚周报》：为什么第一个成衣系列就来参加原创设计师比赛？

原创是很好的理念，我的背景是中国人，只是移民到国外，当然知道中国是个巨大的市场，就想过来试试，让更多人看到一个在国外成长的设计师回到国内的状态。

《风尚周报》：你是否打算保持一贯的设计元素？

我的重点将会一直是针织，有力量的针织。市场上给男生的针织品选择不多，而现在羊毛等自然面料又因为适合健康生活的理念非常流行，所以我会更多地往这个方向推广。

《风尚周报》：你的作品中，哪些元素适合上街穿？

我的西装、裤子、毛衣都很适合上街。它们有华丽的元素，但始终保持着西装的基本元素，所以其实都很适合穿出街。这一次我的衣服，前面都很低调，后面却常常有小惊喜——衣服是在讲故事，讲一个正装男士小闷骚、小浪漫的故事。

《风尚周报》：你的客户是什么人？

我的客户是所有人，只要他们愿意穿着有思想的衣服。

《风尚周报》：你未来商业性发展会是怎样的路？

比赛是一个很好的起点，这里有媒体、有卖手、有市场人，这些都是很好的机会。我会从小的部分开始做力所能及的事情，慢慢推向不同的地方。

《风尚周报》：在你看来，本季男装的发展趋势是什么？

大家都在尝试更轻盈的面料和更清淡的颜色。

这些设计师也都很有想法

中国的市场到底有多大，看看飞蛾扑火般奔赴各大展会、时装周、比赛的国际选手的数量便知道。他们之中有浑水摸鱼试图媚俗大众的投机者，也有扎扎实实做故事、做想法的创作者。在诸如T-FORCE国际原创设计师大赛这样的平台之上，有越来越多的设计师，将有想法的服装带到大众市场上来。

也许，在不久的将来，广州等城市的随便一条小巷子里，就如同伦敦Seven Dials一样，密布着原创设计小店，性价比高，让穿着者穿出独一无二的存在感。

Sabina Taschen & Madina Taschen

Ame Soeur设计师

品牌Ame Soeur由德国姐妹Sabina和Madina Taschen于2008年成立。她们的理念是把创意和高级定制的工艺结合，创造出可穿并舒适、价格也不高的服装款式。

点评：品牌最大的特点是一种叫“一剪式”的款式，在选择面料、剪裁和打板上采用了全新的技术，使服装更具可穿性，剪裁也更为突出。

原创性：

实穿性：

评委点评：一名好的设计师品牌要有自己的突出个性，我觉得Ame Soeur做到了。她们的作品有着女性的纤细，从一张完整的面料上通过复杂、精确地裁剪出各种细节，以一种骨架般的姿态来展现刚强的一面。每件设计矛盾中统一，而可穿性也非常好。

——Caroline Van Renterghem WHO’S NEXT国际项目总监

Martin Gaede

Martin for I-DOU设计师

来自德国的设计师Martin Gaede现旅居于上海。曾先后就读于伦敦艺术学院、巴黎高等艺术学院及巴黎公会服装学院的他，早期服务于各大服装品牌公司。目前和I-DOU品牌进行深度合作。

点评：这个系列的设计灵感来源于城市文明和人类对外太空魅力的探索，通过面料和剪裁拼接，更是将这种出色的国际感融入于设计之中。这样的灵感让人们更能感受如外星人一般同当地人的文化、习惯、意识形态交流。

原创性：

实穿性：

评委点评：Martin设计理念中的太空元素很有趣地融入到了剪裁中，夸张的袖子和肩部风格鲜明。我最喜欢他的是材质的运用，各种面料的拼接有着一丝浪漫情怀，但也有种异境之中自我防卫的意识。——Caroline Van Renterghem WHO’S NEXT国际项目总监

司佳丽

Hanna Si设计师

品牌设计师Hanna Si出生于上海，就读于伦敦时装学院学习男装设计。2011年毕业后在上海创立了自己的同名品牌Hanna Si。精通于男装设计的Hanna在女装设计风格上，更有大胆创新的意识，运用独特的设计剪裁与数码印花工艺令品牌更显其独特性。

此服装系列灵感来自于传统军队服饰和大自然美感的结合，一系列异域的元素与冲突的色彩组成了这个活力生动的系列。

点评：广泛应用了冲突的色彩在数码印花上以及结合了不同材质的布料在设计上，这些效果都创造出了强烈的视觉效果。部分不规则的男装女装设计，手工的细节与数码印花的应用都是对于这个充满活力和新奇的新系列的反射。

原创性：

实穿性：

评委点评：很多中国设计师都很让我惊喜，我并没有想到会看到这么多出色的作品。中国以制造业为强，这是为数不多让我看见中国创意的机会。这个系列的印花很活泼，配合了很轻盈的面料，很有季节感。

——Matteo Fontanelli ：Luisa Via Roma 男装买手总监

Anna Pitchouguina

Pitchouguina设计师

俄罗斯裔设计师Anna Pitchouguina曾在波兰求学，主修服装设计和经济，这段经历使她成为一个有商业头脑的设计师。如今准备将自己的设计更广泛地推广，并为品牌建立一个健康的商业模式。

点评：在俄罗斯文化的影响下，本系列反映出秋天年轻少女略微忧郁的情愫。花朵图案和装饰细节的合并充满魅力，使用有限的朴素色调和特别的架构反映这服装和穿戴者之间的亲密关系。Pitchouguina重点是把可爱和浪漫糅和于可穿戴的衣服里。原创性：

实穿性：

评委点评：我觉得这次大赛里的很多设计并不是完全概念化的东西，虽然都是很年轻的设计师，但其实他们已经将商业元素考虑在前了。我觉得最浑然天成的东西应该是设计的元素和商业大概念是并行交叉在一起的，这是最打动人的。作为媒体我希望设计有故事、有灵魂。Anna的设计就有着一种俄罗斯少女式的可爱。

——刘梦媛 旅游卫视《第一时尚》制片人

Nova Chiu & Jeffrey Archer

Nova Chiu设计师

由设计师Nova Chiu和Jeff Archer合作成立的品牌Nova Chiu位于英国伦敦，Nova Chiu品牌专注于纺织、印刷和颜色，由于设计师的背景不同，品牌也融合了各种民族和国家的特性。品牌体现民族文化的元素来自中国、加拿大和欧洲，而经典的轮廓则来源于伦敦和纽约。

点评：本系列灵感来自于设计师的家乡中国云南香格里拉，却又糅合了1980年的纽约街头风格。从云南刺绣的轮廓中提炼并融入1980年的纽约城市的缤纷色彩。本次参赛作品的亮点在于让东方遇见西方。

原创性：

实穿性：

评委点评：先不谈每一件单品，Nova Chiu整个系列都在尝试讲一个故事，讲一个关于故乡的故事，我觉得很有趣，也很可爱。他们有另外一个比较商业的系列，有着同样的灵感来源，色彩出色，但在日常更容易搭配。

——Matteo Fontanelli ：Luisa Via Roma 男装买手总监

刘思聪

C.COLLEZIONE 设计师

毕业于意大利ISTITUTO EUROPEO DI DESIGN并获得硕士学位，刘思聪2011年创立个人服装设计工作室，同年创立设计师品牌C.COLLEZIONE。现任杭州原裁服饰有限公司的创意总监。

本系列灵感来源于现实和内心自我所产生的矛盾，通过镜子的影像转换成自己的语言。

点评：以简单的方式表达一些复杂的情绪，以白色及其轮廓变现现实中的自我，透明的材质透露出其内心的矛盾，将两者不同块面比例的组合来表现复杂的情绪。

原创性：

实穿性：

评委点评：C.COLLEZIONE是可穿性非常强的作品。我一开始很好奇白色的透视设计可以怎么穿，看过时装秀之后觉得还不错，还可以穿出街。奢华。我还喜欢“东的西”，一致性很强，印花很美。我会追踪它的下几个系列。

——Marie Laetitia Garnier N10_Showroom 市场部经理

Daniel Lierah & Arturo Martinez

Martinez Lierah设计师

2010年Daniel Lierah and Arturo Martinez在巴黎建立了一个以女装成衣设计为主的工作室──Martinez Lierah。工作室的中心理念是驾驭不可能，在寻常中寻找不寻常的美丽。拉丁情结混合让人清醒的巴黎环境，构建出一个平衡结构和流动思维相得益彰的关系。

原创性：

实穿性：

评委点评：作品摆在showroom或任何一个展场，首先要吸引买手去触摸它、去感觉、去看。西班牙和墨西哥的这两位设计师是我认为最棒的设计师。这个系列已经非常成熟。马上就可以从秀场上下来，到店里就可以卖掉。

——姜铭明 Water Stone 创始人，买手总监

去哪里找有想法的衣服

对于一位穿衣爱好者来说，一旦在时尚路上走得稍远，对个人风格追求多一点，便开始不满足于Zara、H&M等快时尚品牌带来的廉价和重复。对各大牌成衣略感疲倦，而高级定制又有点遥不可及，那么拥有鲜明个性的原创设计品牌便成为最完美选择——原创设计的小众与限量也是尝鲜者颇受吸引的地方。

想要穿出别人没有的时尚感，去哪里找到那些有想法的衣服？

国内最著名的原创设计师品牌之一“例外”成功地运用了百货商场渠道，成为接触买家的示范，也真是一个例外。对比起来，在产业链更为成熟的欧美、甚至日本，原创设计师品牌更多地会在买手中崭露头角，或者更确切地说，是由展厅（showroom）、展会（trade show）和买手（buyer）形成的买手制中，一步步浮出。这几个地方也成为了独立设计创意蓬勃而出的集散地，也是作为时尚爱好人士逐步发掘和了解独立设计的最佳渠道。

展会：目击原创设计的活色生香

巴黎是世界唯一一个每一季度开展三场时装周的城市：女装成衣展、男装成衣展和高级定制展，云集了世界上最顶尖的设计师作品。不过如果想要看看喜欢的独立设计作品走上秀台，除此以外的时装展也不要错过。通过展会，可以获得第一手的设计师资料，并证实他们的设计和市场潜力。以成衣展WHO’S NEXT为例，它在巴黎每年都要举办10场不同的秀，总共会展出2000个品牌，每年保持有20%～25%的新品牌入驻率。从这样大量的时尚新血中筛选出对自己搭配有用的信息毕竟不是一件易事，何况展会更多的是针对买手而设计的。对于一个关注时尚和热爱独立设计的消费者来说，展会最大的价值之一莫过于可以看到独立设计作品的走秀。

展示在挂架上的衣服穿在模特身上，并在T型台上走动的时候，才是首次展现生命力的时候。一些静态展示时看不出端倪的作品，会在穿着的时候才展现出设计上的精妙来，各种费劲手工的剪裁和细节的安排能获得立体的印象，可穿度和合身度都有立即的反映。在展会之外，几乎没有这样可以集中动态展现独立设计的场合。

展厅：触碰原创设计的精髓

展厅（showroom）的意义不只在一个展示的空间，因为时间空间上的持续性，展厅形式也更注重平台的构建，因此也成为一个深入了解设计师理念的主脉。

展厅有专门的媒体部为选入的每个品牌提供多种多样的交流渠道。这种交流首先针对的是大众媒体，销售期后的媒体开放日，会邀请杂志、电视媒体参观工作室。然后再通过媒体对其关注的设计师进行采访，挖掘设计师的成长经历、创意源泉和创作细节。这些都是关于独立设计的故事，而这种故事性往往是独立设计最让人怦然心动的部分。这些故事，也成就了穿着独立设计的与别不同，以及欣赏时尚的个人品位。在独立设计作品的爱好者中，故事和衣服一起成为了谈资，成为彼此欣赏的共鸣点。

展厅会通过结合时尚、艺术、电影音乐等形式，强化每个设计师的个人特点，让设计师品牌的定位更为突出和明显。这些影像式的传播也会成为穿着者自我形象一个最雏形和原创的包装。了解这些独立设计中的种种，会让消费者穿上独立设计作品，确立自己的穿衣风格时不会走弯路。

买手店：保持原创信息的更新

在日常生活中随时买入属于自己的原创设计，各种买手店是最便捷快速的渠道。

把设计师和买手结合起来，你就能得到创意和实穿点。买手店的总监常常会直接与设计师沟通和给出建议，比如某些单品如何可以设计得更吸引人、更好卖。这些建议来自于作为多年来的买手经验，更来自于原创设计的最终买家——你我这样时尚爱好者和消费者。

通常情况下，一个买手机构会买入设计师两到三个季度的设计，他们会通过设计师访谈、视频、更新提示等等与顾客沟通，保持信息的更新。美妙的事情在于，在Web 2.0时代，这样的传达并不是单向的。时尚被很多买手店视作消费者代表，他们的意见往往对于买手机构来说很重要，这成为了评估一个设计师市场反应的参考点。各种各样的社交媒体的运用也让独立设计热爱者的观点反馈到买手机构。何况对于直接购买的买手店，作为时尚消费者更可以直接提出对衣物的看法，比如面料的改善、设计是否舒适、对体型更好的修饰等等，作为顾客的珍贵意见，最后汇集成为与设计师沟通的关键。

对自己喜爱的系列，通过买手店来提出建议和希望，也是一件值得鼓励的事。

看懂服装中的原创力

Matteo Fontanalli是意大利著名买手机构Lousia via Roma（LVR）的男装买手总监，对于他来说，优秀的设计作品首先要原创，独特。

最容易理解的原创就是没有重复，但这需要大量的阅读量和对各种品牌长期的关注度，普通人不容易做到。服装史伴随着人类文明史发展，几乎任何理念、材质和技术都被实验过了，要做到绝对的原创谈何容易。但创意总是能另辟蹊径：

1学会参观展会

在展会中，服装和配饰品牌都会按照风格进行了精心排列，方便按照关注的风格而设计出最佳的参观路线。因此可以在同类风格中判别某种设计元素的流行度，比较设计师的制作水平。

2面料的创新也是一种原创

这和科学技术的发展息息相关，这些进步往往能带来面料上的革新，但要注意避免那些使用太新颖材料的款式，它们可能短期内有话题性，但缺乏经典。

3好的剪裁一定会突围而出

比如这次T-Force大赛获Talent奖的Ame Soeur，所有单品都在一片式面料上用抓起、弯折和缝纫，制造出非常立体的结构。手法好的制作工艺也是不容易被模仿的保证。

4旧元素新用法

这次比赛的大奖获得者Nova Chiu就将中国云南刺绣的工艺结合到了西式的百褶剪裁中，非常独特，充满浪漫。事实上，很多大师之作也就是活用了旧元素。

5欣赏美的图案

印花，对色调的控制，都是原创力的表现。而且很多独立设计师都是很好的艺术家，他们原创的图案就很美，而且独一无二。

6原创的故事性

有时款式并不见得非常特殊，但制作精良，设计师的设计灵感中属于他独特的故事和情感，只要打动了你，就是好的原创力。

选购独立设计有窍门

Matteo Fontanalli在销售季每天工作超过14个小时，即便回家后各种设计信息也还是萦绕在脑海里。要将独立设计搭配得当，有自己的风格，能去店铺试穿固然最好，如果购买途径主要通过网站，那么以下是几点建议：

1善用买手网站的分类

买手网站是一个非常商业化的渠道，关于品牌的分类也十分实用。比如在LVR的网站上，页面有一百多个品牌，它们按照市场定位分类清晰：最高端的“Luxury”属于Givenchy、Lanvin、Balmain这样的顶级设计师品牌；而在这之下是拥有数十个名字的新兴创意品牌线“New Talents”，集合了LVR从世界各地的独立设计师品牌；再往下是Peirre Balmain、Burberry Brit、Adidas by Jeremy Scott这样的二线或设计师合作品牌，作为“Contemporary”品牌线；而最后是针对更年轻消费者诸如Cheap Monday和Hydrogen这样的高阶（High Street）线。新增的是运动休闲的风格品牌线等等。

从分类中可以一窥品牌的定位，方便找到适合自己的品牌线。同样，这些分类往往也从高到低地反映了单品的价位。一位欣赏极致优雅，可以拥有Lanvin大衣的男士，就不必点击High Street里的关键词了。

2利用模特的身体信息

模特的身体信息可以当做参考，很多网站都会标出模特的身高信息，穿着的衣服展示在模特身上的袖长、下摆宽度、裤脚穿着效果都能得到直接的反映。甚至有些网站会有模特身着内衣的图片，以方便观察身材比例来和自己的身材比较。另外肤色、发色也可以作为衣服配色的参照。

3参考店内的搭配

如果不太懂如何搭配，可以直接参考网站给出的样板。买手网站都入驻了优秀的时装编辑，对独立设计的单品再拆分组合，给出专业的解答。网站也会贴心地在每套搭配下给出每件单品的链接。当然，很多时候为了尊重独立设计师以及保持他们作品的一致性，我们会用同一个品牌的单品做搭配，如果你想有点变化，也一样可以参考着其他品牌里找类似的单品。

4细节图看出端倪

网站已经不遗余力地通过各种细节图来展示每件单品的品质。

5买入基本款

独立设计往往个性鲜明，用各种元素冲撞对比的风格肯定能留给人深刻的印象，但在日常穿着中的风险很大，这时搭配一些基本款的T恤、衬衫、裤子和鞋可以用来平衡这种戏剧性，并且让你穿着时更舒适。对于基本款我一向建议购买好的品牌或直接购买独立设计系列中的单品，这样才能衬得起，而不是拉低整套搭配的水平，哪怕只是一件纯黑T恤。

对服装设计的个人看法范文第5篇

在服装设计学习中，学生思维能力的好坏直接影响其设计作品，诸多有个性、思想活跃的学生在思维过程中会自己发现问题、分析问题和解决问题，这是不单是一个思考过程，也是培养学生综合素质的过程；就服装设计实践而言，引导学生主动地参与学习活动，进而学到更多的知识，挖掘其思维能力及创新能力，加强学生的动手能力。在众多的教学方法中，指导学生参加各项服装设计大赛能很好地实现这一目标。服装专业学生参加服装设计竞赛教学是体现设计能力的一种表现形式之一。参与服装设计大赛对服装专业的学生有一定的实践意义，在竞赛教学中获奖也能在毕业后增加就业的机会。服装设计大赛一般以绘图及制作技能为主，也是检阅和评价服装设计专业学生能力的一种形式。在服装类院校的教学过程中，引导学生参赛是展示学校各项建设工作的手段之一，是进一步深化教育改革和推进人才培养模式的创新，对培养高素质高技能服装设计专业人员有一定的保障。随着国内外服装设计大赛热度的持续升温，每次大赛都投入了大量的人力、物力和财力。不过有相当一部分参赛设计师，由于自身对服装设计大赛的特点认识不足，从而消耗了大量的财力、时间却一无所获。服装设计赛事已经逐渐发展为有别于其他服装设计方面的一个专题。作为服装类院校服装设计专业的学生，面对种类繁多的各项服装设计大赛往往极端化，盲目参赛，不知道自己要从大赛中获得什么，只是跟风逐流。服装设计专业课程教师有必要正确引导学生参赛，针对各类大赛及学生自身的特点，研究适合自己的设计比赛，在参赛过程中获取设计经验及增强创意思维能力，提高自身的设计水平。这种有计划的参赛对国内外设计大赛成绩的提升有着积极意义。很多人都认为服装设计中不可缺少的是天赋，但作为一名教师更相信的是爱迪生曾说过的“天才是百分之一的天赋，再加上百分之九十九的汗水”，著名服装设计师也是靠着自身的努力及多年的市场经验造就的。对于高校学习服装设计专业的学生来说，找到一个好的学习方法是非常关键的，科学的方法论可以缩短学生与设计师之间的距离，好的设计方法也会对提升设计水平起到积极作用。因此，研究各种服装设计的方法论可以帮助服装设计专业的学生更加有效地运用设计思维，激发学生的无限创意，为设计出更优秀的作品打下基础。从服装设计大赛作品可以看出，很多能够入围及获奖的设计作品往往能体现出设计师的个性，既有独创性又有艺术性。服装设计与绘画、雕塑、建筑或平面设计看似无关却有一定的联系。服装设计作为设计艺术中的一种，首先是以绘画为基础。学生绘画基础的好坏也关系到学生的审美情趣及设计价值取向，因而很多设计师在创作过程中都喜欢借鉴其他的姊妹艺术。

2服装设计教学的改革创新

2．1教学模式的改变

服装设计教学，首先要让学生明白设计与艺术的区别。服装设计具有穿着性及审美性，能够起到美化人体的作用；而服装艺术往往脱离了服装穿着的概念，在设计过程中使其艺术化，成为供人观赏的艺术品。针对目前的各项服装赛事，从入围的作品来看，往往具有较高的艺术性，但获奖作品却是贴近市场，有较高的商业价值。所以，对服装设计而言，艺术设计和解构工艺密不可分，服装在表现艺术美的同时也应具备实用性、经济性。为了让学生更好地理解设计，服装设计教学从过去单一的“传授模式”转向“激励模式”，学生以前总是希望教师给出标准答案，但教师代表的仅仅是个人，为了激发学生更多的自我认识及独立设计能力，参加服装设计大赛是一种很好的方法。学生在参赛过程中发现自己的不足，找到适合自己的艺术设计方法，才能将适合自己的设计方法运用到服装设计实践中。通过对近年来国内外各项服装设计比赛中参赛作品的分析、总结和归纳，对服装设计大赛思维方法的研究，从中找寻其中的一些规律性，对于参加服装设计比赛选择的设计方法有一定的帮助。这种做法也可以帮助那些身处惘然状态的学生按不同设计比赛定位，围绕适合自己的大赛主题展开全方位多层次的思考，结合自身特点创作出适合大赛的作品或适合市场的产品。服装设计，这是一门知识涵盖量非常广泛的课程，是包含理论与实践的综合学科，很多的理论需要在大量实践过程中理解和领悟，学生通过学习能有效提高自身的审美、绘画、设计表达和创新能力，提高学生的综合素质以适应社会的需求。在“激励教学模式”中，可以将参加服装设计大赛作为一种项目，让学生去完成这个项目。为了适应不同的学生，满足不同层次学生的发展需要，在项目设计质量中查看学生对知识的掌握，培养不同层次学生的创新实践能力。从教学方法上来讲，教师的主要目的为了让学生面对问题时解决问题，学习各种知识技能，从而激发学生的学习兴趣，将学生的思维能力、创新能力发散开来；另一方面要积极督促学生，让学生能够灵活运用所学到的知识技能，例如服装设计中的姊妹艺术联想法，有些比赛获奖设计师就是借鉴了建筑外观设计，将各种建筑外形运用于服装设计中，有的是做廓形设计，有的是做内部解构分割设计，从而使自己的作品具有创新性。

2．2大赛促进教学质量

在进行服装设计教学过程中，通过讲解参赛各种优势激励学生进行参赛，并要学生运用课程中所教授的思维方式及设计手法运用于设计作品中。在指导学生的过程中注意学生的个体特点及知识接受能力的差异。学生作为知识建构过程中的主体部分，学习目标要具有主动性和目的性。在教学过程中，学生在教师的组织、指导下，用不同的方式参与这些大赛。在整个参赛过程中，学生对自身知识、思维、技能等各方面有一个全新的认识，并能从中得到锻炼和熏陶。因此，教师要以学生为中心，注意学生的设计能力与知识接受能力的差异性，发现学生的兴趣和优点，多站在学生的角度去考虑，并根据学生的实际能力来做不同层次的练习，细化到人。例如，研究衬衫的设计中，有研究面料辅料的、有研究款式解构的、有研究廓形细节设计的、有研究装饰手法的、有研究各种风格的等等。

2．3激发学生参赛兴趣

激发学生的兴趣从而积极参与其中。学生在学习过程中自己发现问题，提出问题后能自己解决问题。在面对一个新的服装设计比赛时，教师在针对性地讲解之后，再根据以前该赛事的入围作品让学生进行讨论分析，根据学生的设计初稿分析问题，结合新的知识点，让学生有计划、有目的地去完成设计作品。教师在提问时要注意任务中设置的冲突，让学生自己多发表观点，鼓励学生举一反三，当学生遇到困难时，教师应为学生搭起支架，引导学生进行反思；在学生完成设计作品后，及时对学生的作品进行评价与交流，进一步完善作品；在与学生的交流过程中将新知识引导给学生，让学生自然而然地学习新知识。这样不仅让学生都能参与进来，还能调动学生的积极性，活跃课堂气氛，从而提高学习效率。

3结语