轻音乐和古典音乐的区别范文第1篇

古典＋数字化＝双赢

美国Nielsen SoundScan公司公布的一些调查数据，让人们不得不面对网络销售将日益成为人们娱乐消费主要方式的事实。该数据显示：2007年数字音乐下载总体的音乐销售量增长了19.4%。Nielsen SoundScan公司的董事长罗布・西斯科表示：“来年，数字单曲和数字专辑的销量将继续增加，预计分别增长65%和101%”。

对流行音乐在网上下载数量呈现增长势头，迫使欧美古典音乐唱片销售公司以及古典音乐演出行业，不得不因势利导地改变营销策略，从传统CD转向数字网络。2007年初，莫扎特国际基金会将经过数码化处理后的600部莫扎特音乐作品的乐谱和信息，放到了网上供搜索查询。该网开通第一个星期就创下了两千万的点击数。

同年，美国大都会歌剧院首次向全美电影院实况转播其演出，成功实现现场演出和网络现场直播的双赢，使观众以不到20美元低廉价格享受到了《魔笛》《叶甫盖尼・奥涅金》一流视频实况演出，受到美国113家电影院，乃至北美观众的欢迎。大都会歌剧古典剧目现场演出和数字视频实况转播的举措，开始成为欧美其他院团争先效仿的模式。5月16日，美国费城交响乐成为把音乐会演出现场直播至电影院的第一个交响乐团。英国国家歌剧院2007年年底将其歌剧作品《卡门》在BBC广播第三频道播出，成为英国第一家将完整作品提供互联网浏览的歌剧院。芝加哥交响乐团也已表示将采用直播新形式进行音乐教育和培养新人。

古典＋流行＝未来

古典音乐多年不变的演出方式、营销策略以及高额的票价，吓跑了那些追逐时尚而腰包不足的年轻消费者，致使年轻乐迷缺失的窘况，越来越明显。为了吸引年轻乐迷，欧美乐团开始采用流行音乐宣传的方式吸引年轻消费者。

皇家巴尔斯顿公共体育场放映厅在实况转播歌剧《魔笛》时，香喷喷的爆米花和人造黄油的味道，飘进了转播的现场；以摇滚和流行方式“促销”古典音乐，成为美国圣・安东尼交响乐团的演出广告一道新的风景线。

流行音乐古典化，在流行音乐圈也有成功的实例。巴赫的《G弦之咏叹调》和莫扎特的《第40交响曲》最近成为韩国MTV播放的热门曲目。在韩国流行音乐界有一个广为流传的说法，就是著名古典音乐的片断能确保流行乐作品取得商业成功。无独有偶，Pink Floyd这样带歌剧风格的摇滚乐队，目前在欧美也大受追捧。巴黎巴士底歌剧院首演了塞族电影导演埃米尔・库斯图里察导演的朋克歌剧《吉普赛时代》，刚一登场就受到年轻人的热烈欢迎。

看来，古典与流行结合的方式，很可能会成为2008年音乐创作、表演的主流。

新兵＋老将＝双喜

新兵接管欧美音乐总监的事件，成为2007年最为热门的话题。纽约爱乐乐团任命40岁的艾伦・吉尔伯特（Alan Gilbert）成为下任音乐总监，昭示着未来国际乐坛年轻总监将顺利接班老将的定局。大部分欧美乐团已经开始了新老总监的顺利过渡。

26岁的委内瑞拉指挥家古斯塔沃・杜达梅尔将于2009年走马上任美国洛杉矶爱乐乐团音乐总监；34岁的俄罗斯指挥家弗拉基米尔・尤洛夫斯基出任伦敦爱乐乐团首席指挥并继续担任格林德波恩歌剧院音乐总监；32岁的丹尼尔・哈丁目前出任青年管弦乐团音乐总监和伦敦交响乐团首席客座指挥；同为32岁的加拿大指挥家雅尼克・内泽-塞古因目前接替杰捷耶夫出任荷兰鹿特丹爱乐乐团音乐总监。

为了给年轻人树立榜样，今年老牌音乐家也是风光无限：祖宾・梅塔、安德鲁・劳埃德・韦伯荣获肯尼迪艺术中心勋章。即将成为芝加哥交响乐团首席指挥的老将――荷兰指挥家伯纳德・海廷克获得“年度音乐家”桂冠。流行音乐界也是老将宝刀不老。“甲壳虫乐队”仍然是乐迷热衷的乐队。年初，英国皇家邮政正式发行以甲壳虫乐队为主题的邮票。

教育＋人才＝前途

轻音乐和古典音乐的区别范文第2篇

论文摘要:西方具有漫长的史，从巴洛克时代起，音乐艺术尤其是健盘音乐进入了全盛发展时期。海顿、莫扎特开创了古典时期，这也是后人划分古典主义的标志，我们通常把1750年一1830年定义为古典主义时期。本文阐述了古典音乐艺术奏鸣曲理论，在古典奏鸣曲发展的脉络、乐谱版本、曲式结构、触健、装饰音的弹奏及踏板等几个方面作了较为详尽地研究，旨在培养音乐人的弹奏技巧、文化修养和音乐内涵。

一、古典奏鸣曲发展的脉络

1.巴洛克及古典前期的键盘奏鸣曲。在音乐史上，最早被称作“奏鸣曲”的钢琴作品应该是巴洛克时期伟大的古钢琴家Demenico Scarlatti，他的作品多半是为古钢琴教学而写作，却为古典奏鸣曲形式的形成，尤其是对后来钢琴演奏技巧的发展起到了巨大作用。其实他的奏鸣曲原来并不称为奏鸣曲，但因它具备了早期古奏鸣曲式的某些特点，故被称为“奏鸣曲”;至1750年，J-S-Bach离开人世，巴洛克时代结束，音乐创作风格便开始由严肃复杂、深奥理性的复调音乐转向清新精致、典雅愉悦的主调音乐过渡时期，钢琴音乐也开始从严格的多声部复调对位向主调旋律和声转变。这一时期是辉煌的维也纳古典时期的前奏，众多音乐家为古典奏鸣曲的发展和完善做出了突出的贡献，其中最重要的就是J"S-Bach的后代子孙，其中又以其次子C"P-E-Bach在钢琴奏鸣曲方面取得的成就最高，他对古典奏鸣曲式的形成起到了重要的作用，首次证实了奏鸣曲式表现性格发展和情绪变化的可能性，他将Scarlatti的古奏鸣曲式加以发展丰富，在18世纪中叶的作曲家中，C-P-E-Bach被公认为古典奏鸣曲的真正奠基者。 正因为海顿奏鸣曲的整体风格是明朗和欢快的，缺乏强烈的矛盾冲突和深刻的思想内容，长期以来他的钢琴奏鸣曲在钢琴艺术史上的地位都没有得到应有的重视，直到近二、三十年才越来越受到人们的重视，人们开始重新认识到它的艺术价值，他的奏鸣曲虽然没有太多深刻的内涵，也没有深邃的对人生世界的化思考，更没有对理想和真理不懈追求的伟大精神，但却是对真实的人世间现实的感受和体会，朴实而亲切，在漫长的钢琴艺术史中，他是伟大的贝多芬的前奏，也是从C"P"E-Bach到贝多芬的过渡。

3.莫扎特的钢琴奏鸣曲。(Mozart, WolfgangAmadeus),1756年一1791年，是维也纳古典乐派的第二位大师，共创作了18首钢琴奏鸣曲。每个时期的作曲家都拥有特定音乐时期的特征，但都又充满个性，对海顿和莫扎特来说表面难以区别，他们都使用对位织体、添加支撑旋律、有和声感等，但一般认为，海顿开创了这一作曲方法，莫扎特则加以发展;海顿示范了主题对比与调性关系的变化，莫扎特采纳且更将钢琴奏鸣曲的发展推向了纯粹古典主义的极至;莫扎特的钢琴音乐和海顿同样具有明朗乐观的情绪基调，但他更侧重于清新明朗，流畅，没有任何刻意雕琢的痕迹;他还自由使用不协和音和一些欢快的节奏，作品中常让人体会到浓厚的人情味。

莫扎特把钢琴奏鸣曲式在海顿的基础上又向前发展了一大步，在曲式结构的探索上更加具有重要意义。和海顿相比，莫扎特在奏鸣曲呈示部中莫定了更加成熟和具有独立性的第二主题，为贝多芬奏鸣曲中第一和第二主题的强烈对比奠定了基础;莫扎特创造性地应用了作曲家Demenico Alberti最早创建的分解和弦的伴奏音型，即广泛使用的“阿尔贝蒂低音”，他把其音型再加以变化，避免了它单调重复的缺点;莫扎特更大胆而灵活地使用装饰音，他吸收了洛可可风格古钢琴音乐中装饰音的典雅趣味，将一些典型的装饰音改造成长串的装饰音经过句，使得装饰音不仅起装饰作用，同时还成为旋律的一部分，对后来肖邦别具一格的装饰音写作产生了巨大的影响和启发。 贝多芬的钢琴奏鸣曲通常被划分为三个阶段:1795年一1800年，1800年一1814年，1816年一1822年，即早期、中期、晚期。

第一阶段作品包括(opt-22)。该时期是贝多芬的创作初期，遵循海顿和莫扎特所发展的奏鸣曲准则，是他奏鸣曲中唯一单纯炫技的作品，但也预示着后期作品中内在戏剧性的出现，他的创作观念在这一时期不断的转变，在古典传统基础上突出其个性发展及创新。 第三阶段包括(op.101,106,109,110,111)五首，在这非凡的时期，他在精神上完全战胜了失聪，最后的作品充满力量和远见，大量使用复调对位(卡农或赋格)和变奏段落，预示着浪漫主义的来临，几乎每首奏鸣曲都达到了创作极至，他还充分发挥了钢琴的性能，表现出炉火纯青的创作境界，使奏鸣曲这一自由度有限的体裁形式，在他的手里展现出了无限的创意和思想。 二、古典原作版的乐谱版本与曲式结构 另一方面，掌握音乐作品，要掌握体现共同的曲式结构原则。奏鸣曲式是古典主义在音乐结构上最突出的特点，它结构严谨，学习钢琴奏鸣曲首先要了解奏鸣曲式。所谓的结构就如了解滴水何以汇聚成江海，即乐思发展到整体，古典主义基本上以四小节为一个乐句，八小节为乐段，两个对比乐段形成单二部曲式，加上再现就是单三，如果每一部分都扩大为单三就是复二部曲式，这是古典主义结构的基础，要充分了解这一点才能把握大型的曲式结构。 1.弹奏古典钢琴奏鸣曲应考虑古钢琴风格的因素，其风格应较轻，似管风琴;在速度、力度上要有一个明确的概念，其速度不能过快，力度不能太强，应表现出优美纤巧、古朴典雅的古典风韵。(1)速度:快板，四分音符二126，不要超过132，一般在120左右比较合适;慢板，八分滚夕符}8-50比较合适;注意稳定、统一的节奏;较之更快或更慢的速度较为少见。贝多芬的速度差异幅度较大，有很多版本，应多进行比较，从而确定其基本速度。(2)力度:海顿、莫扎特一般用P一一f(莫扎特在K310里才用了PP-ff，情绪平稳起伏不大，形成一种简朴的风格;在钢琴上演奏其作品，最大音量相当于“mf",}轻相当于“PPP’。贝多芬喜欢用sf、sfp}Cresc-iSub.p，或}’PP(突然轻)，PP--sf(突然强)，力度辐度很大造成强烈的情感对比。贝多芬时代的钢琴比现代钢琴在强弱上要分别低一个等级。(3)弹奏古典钢琴奏鸣曲的力度准则为:PP:最轻柔的触键，带神秘、回声的性质;;P:可爱的、柔柔的、安静的，触键需要坚定而有表情地;mp或mf:介于轻与响之间，似平静地说话;f:有限的热情，适度的尊严，有限度的光辉;;ff:最高的力度等级，但必须在“美”的限制内。

2.良好的触键方式。古典钢琴奏鸣曲的触键非常考究，一般以发出优美、圆润的音色为准则，海顿和莫扎特都要用明亮均匀清晰的声音，节奏生动，乐句连贯悠扬极具歌唱性，表现出典雅高贵的气质;音阶、琶音应呈现均匀，具有颗粒性;常以((non Legato)非连奏为主。贝多芬的触键要变化复杂得多，须仔细研究，他特别强调切分音，弹奏时必须突出;连线在他作品里是一个突出的特点，需要十分的仔细准确。莫扎特的学生胡梅尔写作了《练习曲二十四首》(作品125)，包含各种各样的触键方法，对弹奏海顿、莫扎特、贝多芬钢琴奏鸣曲在技术上是个完美的补充。

四、装饰音的弹奏及踏板的适当运用

1.装饰音:要分清楚长倚音和短倚音的奏法、区别，海顿和莫扎特常见的几种装饰音奏法。 音。注:贝多芬的装饰音比较复杂，演奏时需弄清楚再弹，最好多比较几个版本，选择一个最好又适合自己的。

2.海顿和莫扎特作品中踏板的使用不宜过多。“踏板是钠琴的灵魂”。这是鲁宾斯坦的名言，由此可以看出踏板在钢琴演奏中占有重要的地位。在海顿和莫扎特作品中踏板的使用始终是有争议的，但最后我们达到这样的共识，弹奏海顿作品时应极少的使用踏板，而弹奏莫扎特作品则几乎不用，依据是他们所处年代古钢琴的性能特点及风格所决定的。但实际上随着对早期钢琴的承认和，两位作曲家写作时都开始慢慢考虑到这个乐器，所以在他们的作品里也不是完全不用踏板。无论怎样我们只要始终记住:在海顿和莫扎特作品中使用踏板必须觉察不出来，要运用得巧妙和千净。

右踏板的主要作用之一是给予更多的共鸣和音色，避免声音发干，这一点适用于任何风格的作品，包括海顿和莫扎特，尤其适合出现长音、相对又较慢、歌唱性的段落;在华彩乐段或快板乐段也可以用踏板来衬托，快速音群要学会使用“颤音踏板”，即脚腕轻轻抖动踏板以保持声音的清晰度，它会使音响更加丰富动听;设计踏板使用时，先不用踏板，所有的奏法单独先用手指完成，以后可以为了音色而少量的增加一些踏板，或为使一个难于应付的连奏变得更为容易而短时间的使用。

轻音乐和古典音乐的区别范文第3篇

新一轮教育改革要求我们更多地以孩子为中心，因此幼儿音乐教育也必须向传统的音乐教育模式发起挑战，顺应整合课程的发展趋势，关注艺术教育在五大领域中的中介作用，促进幼儿在以音乐为媒介的整合课程中的发展。

西方古典音乐因其严谨、复杂的曲式结构，悠久的发展历史，音乐本身的民族特色及其严肃的表现方式，让众多一线幼儿教师在幼儿音乐教育教学中因难以驾驭而鲜有尝试。

一、西方古典音乐的发现之旅

（一）西方古典音乐的概念

我们现在所说的“古典音乐”，确切的说应该是“西方古典音乐”，即Classical music。对西方古典音乐的界定是有广义和狭义之称。广义的概念是指那些从中世纪文艺复兴时期开始至今的、在欧洲主流文化背景下创作的传世作品。狭义的西方古典音乐特指欧洲古典主义时期（约1750-1720年）以海顿、莫扎特、贝多芬三巨头为代表的“维也纳古典主义音乐”，因其复杂多样的创作技术和所能承载的厚重内涵而有别于通俗音乐和民间音乐。

（二）西方古典音乐各个时期的风格特点

音乐是文化孕育出的精华，是文化的外延。根据古典音乐的产生时期及其在不同时代文化背景下不同的风格特点，人们通常把西方古典音乐划分为巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期等几个阶段。

巴洛克时期的音乐以蒙特威尔蒂、巴赫、亨德尔为代表，因为当时宗教改革风起云涌以及中产阶级的日益壮大，这一时期的音乐与文艺复兴时期的音乐相比呈现出的特点体现在乐曲的音高、速度和力度的对比更加强烈甚至略带夸张，而且音乐的表现形式开始多样化。

维也纳古典主义狭义上是指以海顿、莫扎特和贝多芬等三位维也纳大师为代表的乐派，这一时期的音乐受欧洲启蒙思潮运动的影响，在音乐表现上取代巴洛克时期的多装饰和富丽堂皇，着重在于展现人性及实现声响美，其在音乐中散发出来的理性和智慧的光芒，更是成为古典音乐的艺术典范。

浪漫主义音乐思潮产生于18世纪末19世纪初资产阶级革命的动荡时期，当时欧洲流行德国古典哲学和空想社会主义学说，这样的社会文化背景也直接导致了这一时期的音乐在小巧和温和中无不透漏出令人陶醉的浪漫气息。

二、西方古典音乐对幼儿发展的价值

西方古典音乐以交响乐为主，讲究和声和节奏，曲式以深刻严肃而见长，突出主客观的对立，着重美学及功能性。古典音乐的这些特点虽然让很多人盲目的觉得他们太难以理解而“望之却步”，但据研究证明，人类大脑中许多与学习相关的联系，都可以在胎儿及婴幼儿时期用古典音乐去激发。

（一）西方古典音乐与胎教

随着时代的进步，古典音乐应用于胎教的功能性受到越来越多人的认同，其中，古典音乐因为曲式的复杂性和严谨的构成模式被普遍认为有助于培养胎儿及婴幼儿的认知能力，而且这种能力的培养也有助于他们随着年龄的增长去学习有关数学、科学以及语言方面的知识。此外，由于西方古典音乐大多是钢琴曲或交响乐，例如莫扎特的《弦乐小乐曲（K525）》就是一首以小提琴为主的多声部弦乐演奏的音乐作品，乐曲虽然复杂却有着极其规律的变化模式，古典音乐这样的特点有助于培养胎儿及婴幼儿强烈的时间感和空间感，长此以往，孩子解决问题的能力、接受新鲜事物的能力自然也就有所提高，这些对于幼儿在智力游戏及科学实践中潜力的开发也起到了很好的基础作用。

在胎教日益受到重视的今天，我们也越来越容易在各种胎教书籍、网站上发现推荐适宜胎教的各类古典音乐，但不难发现，莫扎特的这首经典小夜曲仍旧高居榜首。

（二）西方古典音乐与学龄前儿童

古典音乐具有丰富的内涵，其音乐本身的内容和严谨的表达方式，对于学龄前儿童的发展也具有重要的价值和意义，这体现在：

1、可以从中学习到一些音乐知识，了解一些音乐家的励志故事。莫扎特是一位英年早逝的天才音乐家，他曲折而富有故事性的人生经历必然会为幼儿所吸引，因为喜欢听故事正是每一个幼儿的天性。同时在音乐营造的氛围下听故事，有助于幼儿潜移默化的建立旋律感、律动感和节奏感，为以后音乐的学习打下牢固的基础。同时，故事的记忆、复述和想象，有助于幼儿未来学习能力的提高，促进其语言能力、注意力、想象力和创造力的发展。

2、可以培养儿童逻辑性和理性的发展。古典音乐是具有规则性本质的音乐，具有严谨的曲式结构且曲式结构合理，注重逻辑和形式的美感。这些都有助于幼儿在音乐的感受、欣赏、学习和表现过程中逐渐培养起缜密的逻辑思维模式和理性思维方式。古典音乐的这些本质性的特点在《K525弦乐小夜曲》中同样有着深刻的体现，小夜曲由四个基本部分组成，其主旋律在第一部分的中间开始出现，此后，在后几个小节中开始反复出现，乐曲的反复性和规律性有利于儿童在捕捉乐曲旋律的同时培养其逻辑性和理性的发展。

3、古典音乐有助于幼儿情感的发展。正如音乐家斯特拉文斯基所说：“音乐就是情感，没有情感就没有音乐。”古典音乐作为“流行”于各个时代的“经典”音乐，任何一首乐曲都是作曲家情感的凝聚和体现。《K525弦乐小夜曲》是莫扎特在布拉格演出歌剧《费加罗婚礼》获得巨大成功之后，紧接着创作出的作品。整首乐曲节奏活泼流畅、旋律温柔恬美，充满了明朗的情绪色彩和青春气息，跳荡着无忧无虑的情感，象征着幸福完美的感情。因此，儿童在感受、欣赏和表现乐曲的同时，自然会感受到曲作家强烈的感情，并且也会受到感染，从而促进自己情感的形成和发展。

4、古典音乐促进幼儿审美的发展。古典音乐作为艺术的一种，本身就是一种美的体现。幼儿在欣赏古典音乐的同时，审美的能力将与音乐审美目标同时发生，从而促进幼儿审美能力的提高。

三、西方古典音乐应用于幼儿音乐教育的现状及存在的问题

（一）应用现状

虽然西方古典音乐以其严谨的结构、和谐的旋律而经久不衰。但是大部分人在听到“古典音乐”这几个字的时候，脑海中仍旧不由自主的浮现出演奏者高雅的服装、严肃的指挥、恢弘的表演阵容、面容肃穆的听众……从而很难对“古典音乐”产生亲近感。

那么“古典音乐”在幼儿教育中的状况究竟又是什么样的呢？

笔者曾在陕西省多所幼儿园见习或实习，期间对于这些幼儿园的音乐教学进行了细致的观察并进行了详尽的记录，结果发现，部分幼儿园音乐教学仍旧是传统的“学唱歌”——老师教一句，幼儿唱一句。在“学唱儿歌”和“律动表演”的主旋律中，部分学校也会开展专门的奥尔夫音乐集体教学，由受过相关培训的老师进行执教，不过这样的机会每个班级并不是很多。然而，在众多的幼儿园音乐教学形式和教学内容中，将古典音乐的欣赏纳入到正常的教学活动设计中的少之又少甚至没有，因此笔者在看到这一现状时也甚感担忧。

通过笔者在幼儿园的访问观察发现，西方古典音乐在幼儿园的教育教学活动中所占的比重少之又少，甚至是空白，这样的音乐教育现状让人不得不深感担忧。

而与西方古典音乐在幼儿园“市场”冷淡的场景相比，奥尔夫音乐教学在幼儿园相对发展比较“繁荣”。大部分幼儿园会有受过专业学习和培训的教师负责全园幼儿的音乐教学活动。

（二）当前幼儿园音乐教学中存在的问题

部分幼儿园在吸收奥尔夫音乐教学法的同时，虽然学会了奥尔夫音乐教学的方式和模式，但是在对其教学精神的领会方面仍旧存在着一些问题和不足，具体表现在：在对孩子进行音乐的培养上存在着专业化倾向；强调某一作品的工艺性，轻视幼儿的整体性发展；教师教学中，忽视幼儿的主体性，教学方法比较单一；只把音乐教育简单的理解为“唱儿歌”“打节奏”等，不注重音乐教育与其他领域的整合。

在国际幼儿教育界已经逐步认识到“整合”对于儿童学习的重要意义的前提下，幼儿园整合课程的设计显得尤为重要和关键，而以音乐为中介的幼儿多元发展也成为众多幼教专家的研究方向。而在关于如何“整合”方面，加德纳教授的“多元智力理论”为我们提供了解决问题的理论基础。

四、整合活动设计思路——以《K525弦乐小夜曲》为例

（一）理论基础

1983年，美国哈佛大学发展心理学家Dc.Howard Gard—ner在批判智力单因素论的基础上，运用发展和认知心理学、生物进化论、人类学、心理测量学等领域的知识，通过对天才儿童、大脑损伤病人、环境和教育影响等方面的实证研究和事实分析，系统的提出了多元智力理论。

加德纳认为，“世界上两个人没有完全相同的智力组合，每个孩子都是一个潜在的天才儿童，只是经常表现为不同的方式，除了‘天才’之外，对一般人而言，只要教育得当，每个人的七八种潜能，都能得到相当高的发展水平。全面开发学生的潜能不仅是必要的，而且是可能的。”

20世纪90年代后期，加德纳在扩展研究并探讨多元智能在教育实践中的运用的过程中，对自己原先提出的7种智能进行了修改，增加了八种智能。这样，代表儿童不同发展发面的智能包括了：语言智能——人身上所表现出来的对语言文学的掌握能力；数理逻辑智能——数学和逻辑推理的能力，科学分析的能力；空间智能——在头脑中形成一个外部空间世界的模式并能够运用和操作该模式的能力；音乐智能——能够敏锐的感受音乐和创造音乐的能力；身体运动智能——运用整个身体（或身体的一部分）解决问题或者表现创造的能力；人际关系智能——理解他人的能力，即善于理解和认识他人的动机，与他人交往合作的能力；自我观察智能——欣赏大自然并善于把握自然中各种物体和物体之间关系的能力。

加德纳的多元智力理论使我们认识到，教育需要在尊重儿童发展的个别差异性和注重儿童发展的全面性方面寻找一种平衡。将多元智力理论应用到幼儿园，一方面是提醒幼儿园教师“每一个孩子都是不同的，每一个孩子都是一个潜在的天才”，从而不以统一的标准要求所有的儿童、不制定所谓的标准、认同孩子在学习以外的其他方面的表现并予以鼓励。在另一个方面，给孩子提供更大发展空间和发展舞台，能够在更为自由和宽广的天地里探索自己更为感兴趣、更喜欢、更宁愿专注于的事情。而这些正是幼儿园整合课程发展的迫切要求的体现。

在整合课程中，必须以幼儿的核心经验进行课程设计，课程的内容既要充分考虑各个领域课程的发展要求，即既可以按照《幼儿园教育指导纲要（试行）》中划分的健康、语言、科学、社会、艺术等五大领域进行设计，也可以根据多元智力理论划分的儿童发展要求，即语言智能、数理逻辑智能、音乐智能、空间智能、身体运动智能、人际关系智能、自我认识智能和自然观察智能来进行设计。

（二）乐曲分析

莫扎特一生共创作了13部小夜曲。G大调弦乐小夜曲（K·525）创作于1787年8月24日，是当时器乐小夜曲的典范。此曲是莫扎特在布拉格演出歌剧《费加罗婚礼》获得大成功之后，紧接着创作出的作品。这首弦乐小夜曲，是为黄昏或晚间贵族们娱乐、餐宴而作，曲子极为美丽，抒情宜人。

这首《小夜曲》全曲共分为四个乐章，好似一部小型的交响乐。

第一乐章是4/4拍子的奏鸣曲式，是进行曲风格，具有轻快、流行的气质，轻快活泼的音乐符合孩子纯洁活泼的天性，必然可以吸引他们的注意。第二乐章是2/2拍子的三部曲式，曲调十分浪漫抒情，在这个部分适宜的加入一些符合乐曲背景的故事，既符合乐曲的特点，又能为幼儿所喜欢。其中中间部分第一小提琴和大提琴卡农风的对话，由于高音区和中音区的互相对照，加强了音乐的戏剧性，并在征收小夜曲的色彩对比上起到了很大的作用。第三乐章为3/4拍子的复三部曲式，明快、有力的第一段和柔和、甜美的第二段相应成趣，为小舞步曲中的杰作。这部分似乎是在暗示着故事将有一个美满而快乐的结局，王子和公主将要过上幸福的生活，幼儿的情绪也必将随着音乐而有着无法抑制的快乐。第四乐章是2/2拍子的回旋奏鸣曲式，洋溢着轻快的青春气息，如同一个故事结束了，老师和幼儿还沉浸在刚刚的故事中，砸着嘴巴慢慢品味呢。

（三）整合活动设计思路（活动月）

活动名称：《小夜曲K525》

活动目标：1.通过活动参与，体验《小夜曲K525》的旋律；2.知道作曲家的生平及曲子的创作缘由；3.认识提琴的种类及其声音；4.培养幼儿聆听古典音乐的爱好。

活动准备：

1.幼儿准备：（1）让幼儿习惯聆听音乐，可以在幼儿午睡或做工作时放轻缓的古典音乐；（2）训练幼儿以音乐代替老师的口令进行集合、安静、I-N所等。

2.教师准备：（1）收集有关17、18世纪欧洲宫廷生活图片；（2）收集提琴的图片及音乐；（3）让家长陪同幼儿聆听《小夜曲K525》。

教学设计与内容：

（一）情境布置

1.整体教室布置：利用窗帘布、桌布、皱纹纸、床罩等材料，将教室布置成17、18世纪欧洲宫廷的样子。

2.区域布置：（1）娃娃家：将娃娃家布置成欧洲贵族饮用下午茶的地方（提供茶具及假的西点，供角色扮演）；（2）绘画区：雕塑——用纸黏土做出你所知道的欧洲绅士、淑女的样子。撕贴画——撕出欧洲宫廷建筑的轮廓；（3）建构区：运用大积木或乐高建构欧洲宫廷建筑；（4）图书区：放置与17、18世纪欧洲宫廷文化相关的书籍。

（二）手偶剧表演：以《小夜曲》为背景音乐，利用手偶生动的讲述莫扎特和音乐的故事，并请幼儿复述和扮演。

（三）影片欣赏：放映有欧洲贵族宴会的影片（建议：卡通《凡尔赛玫瑰》）

（四）说故事：以《小夜曲》为背景音乐，讲述《灰姑娘》或《睡美人》等以宫廷为背景的童话故事，可以请幼儿复述、角色扮演。

（五）戏剧扮演：1.请幼儿扮演成欧洲贵族的绅士或淑女参加宴会；2.故事分角色扮演。

（六）认识乐曲中的演奏乐器：提琴家族：大提琴、小提琴、中提琴、低音提琴。

（七）校外教学：带领幼儿参观幼儿园附近的乐器行，认识提琴家族。

（八）游戏：让幼儿分组进行猜乐器游戏。（乐器声音提前准备）

（九）音乐律动：随音乐节奏自由摇晃身体或进行有节奏的动作表现。

（十）音乐画图：随着音乐的节奏、旋律，根据自己的体验，自由创作画面。

活动延伸：有趣的下午茶。在教学分享时间举办这个活动，让幼儿体验欧洲贵族的饮茶文化。

五、结语

轻音乐和古典音乐的区别范文第4篇

象”的民族器乐专场音乐会吸引了千余名京城爱乐者。与以往的民乐音乐会有所不同，这场音乐会的主打曲目不再是独奏曲和协奏曲，也没有大型的“民族交响乐团”出现在舞台上。掌声响起时，映入人们眼帘的，是五位款款落座的女子，随后，飘进听众耳中的，则是一曲由古筝、琵琶、二胡、中阮和曲笛共同演绎的古曲《春江花月夜》……。这便是由来自中国广播民族乐团的范玮卿、缪晓琴、孔伟娟、耿慧、李娟等五位演奏家结成的“华乐女子五重奏”为广大听众倾情呈献的首场音乐会。

这场音乐会的别开生面之处，首先在于它完全以“室内乐”的形式将民族器乐的魅力展现于舞台。整场音乐会的全部11首曲目中，除了上半场仅有一首改编自古琴曲的《梅花三弄》是由古筝独奏之外，其余作品分别采用了二重奏、三重奏直至五重奏的合奏形式。配器的组合方式也是多种多样，既有弹拨乐的二重奏（古筝、中阮）和三重奏（琵琶、古筝、中阮），也有管乐与弹拨乐组成的二重奏，而五重奏作品则更加呈现出丝竹管弦齐备的特点。灵活多样的组合形式，带来了丰富多彩的音响效果，加之五位艺术家精湛的演奏技艺，“民族室内乐”在这里得到了淋漓尽致的诠释。另一点值得称道的是，在这场音乐会上，半数以上的演奏曲目都是我国当代作曲家的作品，尤其是下半场的五个曲目，全都是当代作品，而且其中三首是专为“华乐女子五重奏”而作并首次公演的新作。出现在节目单上的作曲家有（以曲目先后为序）：徐昌俊（《剑器》）、张大森（《夜深沉》）、唐建平（《心雨》）、向民（《古典印象》）、莫凡（《水乡剪影》）、艾立群（《悠然》）、何源（《木兰战意》）等，他们中的大多数都亲临了音乐会现场，另有一些中青年作曲家如刘长远、李滨扬等，虽然没有作品参与此次出演，但也饶有兴致地前来欣赏了音乐会。

近几年来，“民族室内乐”的概念悄然进入了人们的视线并越来越引起关注，虽然与民族器乐的“协奏曲”和“交响曲”等体裁相比，其知名度在一般音乐听众中仍略显几分逊色，但在海内外民乐（华乐）界，随着“女子乐坊”、“弹拨乐团”、“卿梅静月”等一批类似室内乐性质的民乐组合纷纷兴起，人们对民族器乐的理解和认识已开始有了一些新的变化，特别是在当今中青年一代作曲家当中，许多人对“民族室内乐”这一创作体裁显示出日益浓厚的兴趣。此番“古典印象?华乐女子五重奏” 的重装推出，或可视为一种标志，显示出民族器乐领域中的这股“室内乐热”正在迈向一个新的高潮。

毋庸讳言，“室内乐”这一称谓与“歌剧”、“交响乐”一样，都来自于西方音乐。一个多世纪以来，中国的音乐家始终致力于将本民族的音乐元素与这些“外来的”音乐形式结合在一起，以期创造出一种新型的音乐艺术样式，他们相信这种新型的音乐既是传统的，也是现代的；既是民族的，也是世界的。于是，“民族歌剧”、“民族交响乐”的概念，随着此类作品的不断涌现和传播而逐渐深入人心。相形之下，“民族室内乐”的发展进程要滞后了许多。这一方面是由于中国人对于西方的室内乐艺术原本就缺乏足够的了解和认识，另一方面，我国近现代民族音乐在自身的发展定位上，也存在着一定的误区，即：一味将大编制、“交响化”作为民族管弦乐的主要发展方向，而在某种程度上忽视了小型器乐组合形式的存在价值。这种误区导致在相当长的一段历史时期内，“室内乐”与民族器乐之间，几乎呈现为隔离状态。

其实，若从合奏乐器的音域和音色特征上看，我国传统的民族器在“室内乐”方面似乎更具备发展的潜质。众所周知，在大型的民族管弦乐队的发展过程中，低音乐器的缺失始终是一个难以逾越障碍。中国传统乐器（特别是合奏中占据着主体地位的弦乐）中没有低音乐器，因此在大型民族管弦乐队的演奏中无法实现各声部间的平衡，无奈，只得借助于西乐中的大提琴和低音提琴来弥补这一缺陷，然而这样一来，我们历来珍视的“民族特色”无疑是受到了大大的削弱。此外，音色的融合问题也始终困扰着“民族交响乐”，由于中国传统音乐历来突出乐器的个性，各类乐器因其振动发声体的材质呈现多样化（自古即有“金石土革丝木匏竹”之分），每件乐器都显示出各自音色上的独特性，故而在大型的管弦乐合奏中，各乐器间的音色融合度远不及西方乐器。然而，中国民族器乐的这些“缺陷”和“问题”，一旦放到室内乐的视野中，似乎就不再成其为“问题”，或甚至其中的某些特性反而会成为天然的优势和长处。在“华乐女子五重奏”的演奏中，古筝与中阮便较好地承担了重奏中的低声部，虽然在大型交响乐中仅靠这两种乐器难以维系整个乐队各声部间的平衡，但在由少数几件乐器组成的室内乐中，两件可以演奏中低音区的乐器已经足够了。此外，室内乐通常要求每件乐器各自承担一个独立的声部，这样一来，中国民族乐器音色上的个性化便成为一种得天独厚的优势。试想在西方传统的弦乐四重奏中，当一把小提琴需要在合奏中将自己的声部突出来时，演奏者通常需要通过力度的加强来实现这一效果，而在中国民族乐器的合奏中，一只琵琶只须轻轻一弹，即可从其它弹拨乐器中凸显出来，它所仰仗的便是其独特的音色。对于中国民族乐器的上述特征，古人想必是心知肚明。虽然“室内乐”这个名词来自西方，但事实上，传统的中国器乐合奏形式诸如“江南丝竹”、“福建南音”以及近代出现的“广东音乐”等等，就其表演形制与合奏规模来看，无不具有室内乐的性质。可见，中国的民族器乐是有室内乐传统的。而“华乐女子五重奏”的演奏，正是秉承了中国民族器乐合奏中的这种传统，并将这种传统与西方室内乐艺术的精髓有机地融合为一体，营造出一种别具一格的审美风范。

听“华乐女子五重奏”的演奏，会感受到几分在民乐舞台上久违了的高雅与恬静之美，“乐而不淫，哀而不伤”，“淡泊宁静，心无尘翳”，这种美原本是沉淀在中国传统器乐的古典文化精神之中的，在一场当代民族室内乐的演绎下，它跨越了历史的时空，与我们相遇。当然，“华乐女子五重奏”更为可贵的价值在于其创新，而且这种创新不事张扬，不施做作，一切都是那么庄重而自然，古典而唯美。不仅是新作品的演奏，即或是经典乐曲的改编，也不落俗套。三个乐章的《水乡剪影》，在五位女音乐家的诠释下，宛如三幅流动着的水墨画，徐徐展开；而一曲《悠然》中，人声念白的加入，将古人寄情于山水田园的精神世界与现代室内乐的简约神韵融汇得浑然天成……。

这是“民乐”吗？是的，这是“民乐”，这就是我想听而且听到了的中国民族器乐。它印证了我心目中的“古典印象”，也吻合我生命气息中的“现代神韵”。

……

唯愿“民族室内乐”这朵小花在民族音乐的百花园中常开不败；

轻音乐和古典音乐的区别范文第5篇

歌剧作为古典音乐各种演出中最为论文联盟昂贵的体裁，国家大剧院当仁不让在歌剧演出场次和自主制作数量占头把交椅上，只是选曲和用人还是相当保守中庸

2010年是国际乐坛纪念肖邦、舒曼、门德尔松和的一年。由于肖邦的音乐人生传奇在国内传播较早，加之国人热衷的同名钢琴比赛，肖邦在2010年京沪全年的演出市场上占有举足轻重的分量。此外，歌剧和巴洛克音乐也是去年古典音乐演出界的主线和亮点。

而过去一年的歌剧演出无论从数量、质量，还是多样性及宣传力度上，都创近十年之最。

歌剧逞主角《塞魅丽》开启先河

2010年是上海世博年，上海全年在常规演出场所的古典音乐演出数量达到近400场，而分散在世博场馆及世博演艺中心的音乐会更达到千余场。这其中最令人瞩目的焦点无疑是上海东方艺术中心的“世博交响乐”系列，以及上海大剧院推出的瓦格纳的《尼伯龙根的指环》。《指环》全集歌剧共四部，由科隆歌剧院原班人马浩浩荡荡三百余人带来的导演罗伯特·卡森十年前的原味制作。这四部成套的歌剧需耗时14小时，分四天演完，一直被全球各地的剧院当作里程碑，因此引进国内，除了音乐上的意味，已经具有十足的新闻价值。虽然《指环》全集的中国大陆首演由北京国际音乐节在2005年占得先机，但上海此番的演出连演两轮，加之强劲的歌唱家、卡森才气逼人的制作和指挥家马库斯·史坦兹的出色诠释，无疑是2010年全年舞台上的瑰宝。

虽然北京音乐会主办方并未引进这部歌剧，但科隆歌剧院还是在国家大剧院上演了莫扎特的《唐璜》，不过自然无法掀起像《指环》那样大的社会效应。

国家大剧院在2009年接连推出数部委约歌剧新作，在2010年则将重点放在了联合制作、自主制作和进口制作上，推出《茶花女》《叶甫根尼·奥涅金》《蝴蝶夫人》和《费加罗的婚礼》等。洛林·马泽尔指挥的《茶花女》中舞台上的落地镜和2009年就上演的马奈剧院版《塞魅丽》如出一辙，似有借鉴之嫌。

作为中国第一家拥有自主歌剧制作团队、自主乐团及合唱团以及自主演出场地的综合性演出机构，国家大剧院实现了几代音乐家和听众的梦想，且财力雄厚，占尽天时地利。歌剧是古典音乐各种演出中最为昂贵的体裁，国家大剧院当仁不让在歌剧演出场次和自主制作数量占头把交椅，只是选曲和用人还是相当保守中庸。

不过笔者以为，2010年北京歌剧演出的登峰造极之作非亨德尔《塞魅丽》莫属，由比利时皇家马奈剧院制作，张洹导演。这部借希腊神话揭本质的巴洛克三幕歌剧在张洹大胆露骨的演绎下开启了国内歌剧制作之先锋。

藉由仅演一场的《塞魅丽》的爆发力，西方媒体对近年来中国歌剧创作、制作和演出的崛起作了大量关注和不少报道。其中《纽约时报》《国际先驱论坛报》《卫报》等西方主流英文媒体均有选材客观、评价公正的观察文章问世，包括andrew moravscik的《去东方吧，年轻的歌唱家》、sheila melvin的《中西合璧话歌剧》《歌剧在中国的崛起》、andrew jacobs的《欲望歌剧审查记》等。《塞魅丽》是去年北京国际音乐节推出的三部歌剧之一。另两部分别是联合委约加之联合制作的周龙《白蛇传》和独家委约加之自主制作的叶小钢的《咏别》。笔者认为《咏别》无论情节还是音乐都过于拖沓繁冗，不妨考虑删减为独幕歌剧。

除此之外，中国国家交响乐团在北京音乐厅推出的音乐会版歌剧《莎乐美》由李心草指挥。其中演唱施洗约翰的男中音孙砾表现突出，风头压过几位从国外邀请的歌唱家。在京沪穗三地上演的莱哈尔的《风流寡妇》则总算让人见到了久违的轻歌剧，曲终火爆的大腿舞告诉人们听歌剧并不一定是件正襟危坐的严肃事。

形形的肖邦

1945年的好莱坞电影《一曲难忘》让肖邦成为国人心中的大众偶像。2010年肖邦诞辰二百周年，京沪舞台上呈现出各色各样的纪念演出，其中占据主流的无疑是音乐会。国家大剧院雄心勃勃地推出14位钢琴家演奏的15场肖邦专场音乐会，名家荟萃。北京国际音乐节则有郎朗、李云迪和陈萨三位的独奏音乐会撑台。中山音乐堂另辟蹊径，继续前两年成功系列，以“完全肖邦”组成的5场音乐会，其中一场贡献给肖邦的大提琴室内乐作品，夺人眼球。事实上中山音乐堂目前是国内定位最为精准的音乐厅，以独奏、室内乐和早期音乐为旗舰，辅以暑假期间的大师班和普及音乐会，主次分明，难能可贵。

常规音乐会以外的纪念活动是想象力和原创力的体现。国家话剧院推出王晓鹰执导的话剧《肖邦》，以作曲家人生经历为蓝本，辅以钢琴家演出，也成为一些其他多媒体音乐会的楷模。“相约北京”中由波兰三支团体带来的“多面肖邦”，音乐会以合唱、民间音乐和爵士的方式展现伟大音乐的灵感再生力和灵感源泉。

在上海，由以钢琴家宋思衡为主角的团队打造多媒体音乐剧《肖邦·爱》以cg动画视频、话剧和音乐会结合的形式，开创出一种既叫好、又卖座的跨界理念，重新定义了音乐会的概念。肖邦自然也是世博期间波兰馆的重头戏。在上海中山公园的肖邦雕像旁，则有一张坐上去就会自动播放肖邦音乐的长凳，被冠以“花园中的肖邦”的行为艺术。

可惜除了肖邦之外，并没有创新的舒曼和门德尔松纪念活动。而的影响力将在2011年达到高峰，因为去年是诞辰150周年，今年则是逝世100周年。即使不逢纪念，的热度，从未消退过。

满城尽吹古乐风

2010年10月22日，来自加拿大的泰菲宴乐巴洛克乐团在中山音乐堂举行了一场饶有趣味的主题音乐会。这场题为“伽利略计划”的音乐会以伽利略发明望远镜400周年为契机，曲目包括维瓦尔第、巴赫、亨德尔以及天文学家伽利略的父亲文森佐·伽利略等巴洛克时期作曲大师们的杰作。

如果说中国的古天象观察还尚与同时期的欧洲天文学科学齐头并进的话，那这场音乐会所演奏的音乐却对国人较为陌生。虽然钢琴早在17世纪就传入中国，同时代的西洋音乐也在300年前驻扎清朝宫廷，但碍于中国人的审美情趣和音乐传播不易，历朝都没有诞生像郎世宁那样在中国大力推广洋学的音乐人才。自17世纪盛行西方的巴洛克音乐，甚至是更早的文艺复兴时期音乐，并没有像其他商贸产品那样在中国流传开来。如果把中国最古老的交响乐团定义为拥有130年历史的上海交响乐团，那中国的西方音乐历史是从浪漫主义晚期，也就是勃拉姆斯、、拉威尔、瓦格纳等人所代表的时代向后并行。这种断展造成的局面，就是在我国古典音乐演出和教学中，维也纳古典乐派和浪漫主义大行其道，现当代音乐随着一大批中国当代作曲家的涌现而备受关注。以巴洛克为鼎盛的早期音乐，则几乎一片空白。

早期音乐在大陆的发芽，还是最近的事。2002年在第三届北京国际音乐节上，比利时维奥尔琴（古大提琴，和现代大提琴最大的区别是没有立柱，需要演奏者夹紧双腿）演奏大师库伊肯及其合奏团在北京首次登台亮相，后巡演上海。这很可能大众印象中最早的现场早期音乐体验。2002年的这一开山鼻祖式的古乐演出，在时任《爱乐》杂志主编刘雪枫的大力宣传下，掀起了一股民间巴洛克旋风。

但巴洛克音乐真正得到演出商注意，还是近几年的事情。

2005年后，意大利音乐家合奏团i musici数次来华访问。而近两年，这股旋风越刮越猛。仅2010年，就有德国阿塔里帕古乐团、法国斯特拉迪瓦里古乐团、法国巴洛克古乐团（le concert spirituel）、科隆古乐团、法国繁盛艺术古乐团、泰菲宴乐巴洛克乐团、欧洲嘉兰乐团、库伊肯及其乐团等相继造访。为契合这一潮流，去年的北京国际音乐节便将主题定为“从巴洛克到现当代音乐”，顺水推舟。

然而与其他音乐相比，早期音乐的亮点全由国外艺术家担纲主角。虽然国内已经拥有早期音乐死忠却分散的听众群，但本土的早期音乐演奏家和演奏团体依旧为零，仅有几位在学院从事教学的教授兼职承担起在舞台上普及早期音乐的重任。在去年北京国际音乐节期间，霍格伍德与广州交响乐团的合作可能成为国际古乐大师

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与中国本土乐团及艺术家合作创下的先例。

独立制作打开缝隙

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京沪演出的一些独立制作使得演出市场精彩纷呈。相较于大型制作，独立制作的音乐活动就如独立电影制片，不拘泥于形式和政绩，往往能不加修饰突出音乐的率真和艺术家的天性。回国近五年的意大利文化骑士勋章获得者、男低音栾峰今年在中央民族乐团开启了“绽放美丽人声”系列音乐会。在国内由俄罗斯学派牢牢把持的声乐教学界，栾峰以意大利正统学派结合教学和舞台经验，推出这一系列，旨在给优秀的青年歌唱家登台机会。

另一方面，独立制作在尝试跨界的实验。中央音乐学院的侯乐天在今年两度推出《音乐喜剧》，属于音乐与喜剧的结合，穿插演奏、演唱、相声和小品，已经很难界定其体裁和分类，属于全新产物。制作者希望以此轻松幽默的方式向大众展现古典音乐。媒体以“周立波与中国爱乐乐团演出的换代产品”来形容《音乐喜剧》，不过笔者觉得这更是源自florence foster jenkins《人声的辉煌》一般的“推心置腹的恶搞”，如果实在没有可笑之处，唯剩演员搞笑时的真诚往往更能打动听众。